KRITIK: Mitternacht, Union Theatre ✭✭

Julian Eaves rezensiert Midnight, präsentiert von Debunk Theatre im Union Theatre, London.

Midnight Union Theatre,

12. September 2018

Zwei Sterne

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Das ist ein faszinierendes neues Vorhaben – und eines, das wir alle begrüßen sollten: Debunk Theatre bauen Brücken zwischen der britischen Theaterszene und ihrer Heimatbasis in Zentralasien und Osteuropa.  Das nenne ich mal „Outreach“!  Hier bringen sie uns eine aserbaidschanische Geschichte (vom lebenden Autor Elchin – der eigens zur Premiere anwesend war) über alltägliche Angst und Abscheu während Stalins Großer Säuberungen, als das gefürchtete „Klopfen an der Tür“ der Geheimpolizei um Mitternacht kam; zusätzlich wird alles dadurch verkompliziert, dass die Mitternacht, auf die wir hingewiesen werden, ausgerechnet auf Silvester fällt – wenn doch eigentlich alle mit Hoffnung und Optimismus auf das kommende Jahr blicken sollten.

Und gewissermaßen sind der Mann – mit energiegeladenem Elan gespielt von Colin Burnicle – und seine Frau (eine deutlich kühlere, sehnsüchtigere Norma Butikofer) einige der wenigen „Gewinner“ in dieser schrecklichen Welt: Er behauptet sogar, man betrachte ihn inzwischen als „über jeden Verdacht erhaben“, und so gönnt er sich zu Hause, zwischen schwerem Trinken und Prahlen über sein Glück, ganz offen das Regime zu kritisieren.  Sie sind schick gekleidet in neuen Sachen und leben in einer sehr komfortablen, sehr bürgerlichen Wohnung (Kostüm- und Bühnenbild: Elliott Squire).  Mit ihnen auf der Bühne stehen außerdem vier weitere Schauspieler-Musiker*innen in schäbigen Uniformen – wie geisterhafte Überreste von Menschen, die dem Terror aus erfundenen oder hysterischen Denunziationen, Verhaftungen, Folter, Schauprozessen und Hinrichtungen zum Opfer gefallen sind.

In ihre brüchige, nervöse Welt – wie zu erwarten – kommt dann ihr ganz persönliches Klopfen an der Tür: Leon Scott, so etwas wie „Ein NKWD-Inspektor kommt“, der ihr Glück abrupt und ziemlich mechanisch in eine ganz private Version der Hölle verkehrt – und tatsächlich beansprucht er sogar, der Herr der Unterwelt höchstpersönlich zu sein.  Viel beschäftigt.  Um es ihnen extra unter die Nase zu reiben, scheint ihre Uhr wenige Minuten vor Mitternacht stehenzubleiben, und wir hängen in der Zeit fest, während Old Nick versucht, seine „Quote“ zu erfüllen, bevor die Geisterstunde naht („Und wenn ich das nicht schaffe – wer dann?“, witzelt er.)

Ebenso vorhersehbar nimmt er das Paar nicht gemeinsam mit, sondern will sie gegeneinander ausspielen.  Und siehe da: Wir erfahren außerdem, dass beide den anderen eifrig bei seinen Schergen denunziert haben.  Bis hierhin schön sauber konstruiert.  Und so deprimierend.  Das Stück, von Timothy Knapman, hält sich offenbar ziemlich eng an das Original, „Citizens of Hell“, und ist eine sehr nach innen gerichtete, sehr statische Angelegenheit, mit langen Gesprächen über Ereignisse, die vor der eigentlichen Handlung liegen.  Eine Weile ertragen die beiden das Drangsalieren durch ihren ungebetenen Besucher und entscheiden dann übereilt, den Spieß umzudrehen – mit völlig vorhersehbaren Folgen.

Knapman und sein Komponist und Co-Texter Laurence Mark Wythe peppen das Ganze mit einigen oft clever geschriebenen Songs durchaus auf – das eröffnende „The Future Came A-Knocking“ hat Potenzial – doch genau hier werden die grundsätzlichen Probleme dieses Musiktheaterstücks ernst.  Die Musik ist mal heiter, mal sentimental, aber nie weniger als leicht zugänglich und harmlos gefällig: Sie ist zudem ebenso schlicht gesetzt wie das Buch, mit bestimmten Lieblingsakkorden, die immer wieder auftauchen und nie wirklich irgendwohin führen – wie ein Kreislauf und ein beinahe hermetisch geschlossenes System.  Zufällig schreiben diese Autoren seit Langem für Ensembles wie das National Youth Music Theatre, und auch Regisseurin Kate Golledge hat Vergleichbares inszeniert; und die Produktion klingt tatsächlich sehr, sehr stark nach genau diesem typischen Produkt.  Und je mehr man davon hört, desto weiter entfernt man sich scheinbar von dem bescheidenen, kammerstückartigen, kurzen Drama im Kern.

Wenn man so etwas mag, wird man sich diesem seltsamen Hybridstück vermutlich durchaus öffnen können.  Trotzdem wird man – wie ich – die Klugheit mancher Produktionsentscheidungen hinterfragen; ich bin sicher, das tut auch das Kreativteam.  Im Union ist ohnehin nicht viel Platz, aber es wird noch enger – besonders für Chris Cumings pfiffige Choreografie –, wenn die Handlung auf ein beengtes Podest zusammengedrängt wird, das als Wohnzimmer von Mann und Frau dient.  Und was für ein Wohnzimmer: naturalistisch vollgestopft in einem Stück, das immer wieder danach drängt, ganz expressionistisch zu werden, und zugleich eingerahmt von Tür- und Fensterrahmen aus Licht.  Es wirkt weder eindeutig das eine noch das andere – und das hilft nicht, hineingezogen zu werden und sich beteiligt zu fühlen.  Wenn hier jedoch Brechtsche Verfremdung beabsichtigt ist, warum ist die Musik dann so kompromisslos emotional – mit Nummern, die klingen, als seien sie aus einer wenig bekannten Andrew-Lloyd-Webber-Show entwischt, und anderen, die einen wieder und wieder an Sondheim, Kander und Ebb und so viele weitere erinnern.  Pastiche ist hier das Gebot der Stunde.  Sollen wir alles als „künstlich“ begreifen?  Ist das wirklich alles Absicht?  Schwer zu sagen.

Das ist, wie ich finde, am Ende unfair gegenüber den Darsteller*innen, die aus einer Produktion, einem Buch und einer Partitur Sinn machen sollen, die – ehrlich gesagt – nicht aufgehen.  Man kann von ihnen nicht erwarten, das Wunder zu vollbringen, so viele innere Widersprüche aufzulösen.  Der Rest des Ensembles – Melania Maggiore, Tilly-Mae Millbrook, Ashley Daniels, Luke Thornton und vor allem der gruselig-höllische Eindringling von Leon Scott – gibt alles: Sie spielen ihre Instrumente hervorragend, alles auswendig, sie singen gut, sie tanzen, sie spielen.  Fridthjofur Thorsteinsson setzt sie mit einigem Flair ins Licht, und Harry Haden-Brown hält als musikalischer Leiter das Schiff der fehlgehenden Partitur mit ruhiger Hand auf Kurs: Er überzeugt uns beinahe, dass sie mehr Vorzüge hat, als sie tatsächlich besitzt.  Und wenn sie bei seltenen Gelegenheiten dem nie endenden Kreislauf aus „erzählen statt zeigen“, der den Großteil des Textes bestimmt, entkommen dürfen, findet das Ensemble den Draht zum Publikum – besonders in der kantigeren, dynamischeren zweiten Hälfte.

Golledge selbst hat einmal zu Protokoll gegeben, die Aufgabe einer Regie sei es, die Schwächen eines Textes vor dem Publikum zu verbergen.  In diesem Fall – möglicherweise, weil sie, wie sie in einer Programmnotiz schreibt, „Ebenen“ der Interpretation und Bedeutung aus ihrem Team (und der Company?) willkommen heißen und einbeziehen wollte – habe ich das Gefühl, dass sie, zweifellos unbeabsichtigt, die Aufmerksamkeit auf alle möglichen Probleme dieses seltsamen Fisches von einer Show gelenkt hat.  Es ist ein mutiges Experiment, aber es fügt sich nicht ganz zusammen.  Zumindest im Moment noch nicht.

JETZT BUCHEN: MIDNIGHT IM UNION THEATRE

Fotos: Lidia Crisafulli