CRITIQUE : Midnight, Union Theatre ✭✭

Julian Eaves critique Midnight présenté par Debunk Theatre à l'Union Theatre, Londres.

Midnight Union Theatre,

12 septembre 2018

Deux Étoiles

RÉSERVEZ MAINTENANT

C'est une nouvelle entreprise fascinante et que nous devrions tous applaudir : Debunk Theatre établit des passerelles entre la scène théâtrale britannique et leur base en Asie centrale et en Europe de l'Est. Voilà ce que j'appelle un vrai « outreach » ! Ici, ils nous proposent une histoire azerbaïdjanaise (par l'auteur vivant Elchin, qui était présent pour voir cette première) de peur et de haine quotidiennes lors des Grandes Purges de Staline, où la redoutée « frappe à la porte » de la police secrète venait à minuit ; les choses sont encore compliquées par un minuit particulier qui nous est rapporté, se passant lors de la veille du Nouvel An, quand tout le monde devrait attendre l'année à venir avec espoir et optimisme.

Et, dans un sens, l'Homme - joué avec une grande énergie par Colin Burnicle - et sa Femme (une Norma Butikofer beaucoup plus posée et rêveuse), sont quelques-uns des rares gagnants dans ce monde terrible : en fait, il affirme qu'il est désormais considéré comme étant « au-dessus de tout soupçon », et peut donc se permettre de critiquer librement le régime chez lui entre deux verres et de se vanter de sa bonne fortune. Ils sont bien habillés dans de nouveaux vêtements et ont un appartement très confortable, très bourgeois (costume et scénographie par Elliott Squire). Sur scène avec eux se trouvent quatre autres acteurs-musiciens en uniformes délabrés, qui semblent être les restes fantomatiques de personnes qui ont été sacrifiées par la Terreur de dénonciations fausses ou hystériques, d'arrestations, de tortures, de procès-spectacles et d'exécutions.

Dans leur monde fragile et nerveux vient comme prévu leur propre coup à la porte par Leon Scott, un peu comme « An NKVD Inspector Calls », qui ensuite, de manière abrupte et plutôt mécanique, transforme leur bonne fortune en leur propre version personnelle de l'enfer, et - en effet - prétend même être lui-même le Seigneur des Enfers. Occupé ce gars. Juste pour en rajouter, quelques minutes avant minuit, leur horloge semble s'arrêter, et nous restons suspendus dans le temps, tandis que le vieux Nick essaie de faire correspondre ses chiffres de « quota » avant que l'heure fatidique n'approche (« Et si je ne peux pas le faire, qui le peut ? » plaisante-t-il.)

Également prévisible, il ne va pas prendre le couple en tant que paire, mais il veut les opposer l'un à l'autre. En faisant cela, ô surprise!, il s'avère que chacun avait avidement dénoncé l'autre à ses acolytes. Jusqu'ici tout est soigné et rangé. Et si déprimant. Le script, de Timothy Knapman, semble rester assez fidèle à la pièce de théâtre originale, « Citizens of Hell », et c'est une affaire très intérieure, très statique, avec de longues conversations sur des événements qui se produisent avant l'action du drame. Le couple subit l'intimidation de leur visiteur non désiré pendant un moment, puis décide imprudemment de renverser la situation sur lui, avec des conséquences prévisibles.

Knapman et son compositeur et co-parolier, Laurence Mark Wythe, animent beaucoup les choses avec des chansons souvent ingénieusement écrites - l'ouverture « The Future Came A-Knocking » est prometteuse - mais c'est là que les principaux problèmes de cette pièce musicale commencent à devenir sérieux. La partition est tour à tour enjouée ou sentimentale, mais jamais moins que facilement accessible et agréablement banale : elle est également aussi simplement écrite que le script avec certains accords favoris résonnant encore et encore, ne semblant jamais vraiment aller quelque part - comme un livre circulaire et presque hermétiquement fermé. Il se trouve que ces écrivains ont écrit, et continuent d'écrire, pour des troupes comme National Youth Music Theatre, comme en effet la réalisatrice Kate Golledge a dirigé des travaux similaires, et le spectacle semble très, très largement comme leur produit caractéristique. Et plus on l'entend, plus on semble être éloigné du modeste, de taille réduite, petit drame au cœur de tout ça.

Cependant, si vous aimez ce genre de chose, alors vous serez sans doute capable de vous réchauffer à cet étrange hybride de pièce. Néanmoins, vous serez forcément amené à remettre en question la sagesse de certains choix de production, tout comme je suis sûr que l'équipe créative les remet aussi en question. Il n'y a pas beaucoup de place à l'Union, mais il y en a encore moins - notamment pour l'intelligent travail chorégraphique de Chris Cuming - quand l'action est pressée sur un rostra exigu servant de salon pour l'Homme et la Femme. Et quel salon : tellement naturaliste dans une pièce qui aspire à devenir pleinement expressionniste, et pourtant aussi encadrée par des portes et fenêtres de lumières. Il semble être ni l'un ni l'autre, et cela n'aide pas à attirer l'attention et à se sentir impliqué. Mais si l'aliénation brechtienne est souhaitée ici, pourquoi la partition est-elle si résolument émotionnelle, avec certains numéros qui semblent avoir dérivé d'un spectacle peu connu d'Andrew Lloyd Webber, et d'autres rappelant, à plusieurs reprises, Sondheim, Kander et Ebb, et tant d'autres. Le pastiche est ici à l'ordre du jour. Nous demande-t-on de penser à tout cela comme à du « faux » ? Est-ce vraiment tout délibéré ? Difficile d'être sûr.

Cela s'avère, je pense, finalement injuste pour les acteurs, qui sont laissés pour faire sens d'une production et d'un script et d'une partition qui - vraiment - ne s'ajoutent pas. On ne peut pas s'attendre à ce qu'ils réalisent le miracle de résoudre autant de contradictions internes. Le reste de l'équipe, Melania Maggiore, Tilly-Mae Millbrook, Ashley Daniels, Luke Thornton et - surtout - l'intrus infernal et macabre de Leon Scott, donnent tout ce qu'ils ont : ils jouent des instruments de musique magnifiquement, tout de mémoire, ils chantent bien, ils dansent, ils jouent. Fridthjofur Thorsteinsson les éclaire avec un certain panache et Harry Haden-Brown maintient un gouvernail constant sur la main de la partition hérétique tout au long : il nous convainc presque qu'elle a plus de mérite qu'elle n'en a réellement. Et aux rares occasions où ils sont autorisés à s'échapper du cercle interminable de « dire et ne pas montrer » qui domine la plupart du script, le casting se connecte avec le public, surtout dans la seconde moitié plus dynamique et nerveuse.

Golledge elle-même a déclaré que le travail d'un directeur est de masquer les faiblesses d'un texte au public. Dans ce cas, peut-être en cherchant à accueillir et inclure des « couches » d'interprétation et de sens de son équipe (et compagnie ?) - comme elle le décrit dans une note de programme - je ne peux m'empêcher de penser que ce qu'elle a fait, sans doute sans le vouloir, c'est de mettre en lumière toutes sortes de problèmes avec ce drôle de poisson de spectacle. C'est une expérience courageuse, mais elle ne prend pas tout à fait. Pas pour le moment, en tout cas.

RÉSERVEZ MAINTENANT POUR MIDNIGHT À L'UNION THEATRE

Photos : Lidia Crisafulli