CRÍTICA: Midnight, Union Theatre ✭✭

Julian Eaves analisa Midnight, apresentado pela Debunk Theatre no Union Theatre, em Londres.

Midnight Union Theatre,

12 de setembro de 2018

Duas Estrelas

RESERVE JÁ

Esta é uma nova iniciativa fascinante — e que todos deveríamos aplaudir: a Debunk Theatre está a construir pontes entre a cena teatral do Reino Unido e a sua base de origem na Ásia Central e na Europa de Leste.  Isto sim é o que eu chamo de “outreach”!  Aqui, trazem-nos uma história azeri (do autor vivo, Elchin — que esteve presente para ver esta estreia) sobre o medo e a aversão do quotidiano durante as Grandes Purgas de Estaline, quando o temido “bater à porta” da polícia secreta chegava à meia-noite; as coisas complicam-se ainda mais quando nos é dito que a meia-noite em questão calha na noite de Passagem de Ano, quando todos deveriam encarar o ano novo com esperança e optimismo.

E, de certo modo, o Homem — interpretado com energia e garra por Colin Burnicle — e a sua Mulher (a bem mais contida e sonhadora Norma Butikofer) são dos poucos “vencedores” neste mundo terrível: ele afirma, na verdade, que agora é considerado “acima de suspeitas” e, por isso, se permite falar livremente para criticar o regime em casa, entre copos em excesso e fanfarronices sobre a sua boa sorte.  Estão bem vestidos, com roupa nova, e têm um apartamento muito confortável, muito burguês (figurinos e cenografia de Elliott Squire).  Em palco com eles estão ainda quatro actor-músicos, em fardas esfarrapadas, que parecem ser os restos fantasmáticos de pessoas sacrificadas pelo Terror — fruto de denúncias forjadas ou histéricas, prisões, tortura, julgamentos-espectáculo e execuções.

Nesse mundo frágil e nervoso — como seria de esperar — chega o seu próprio bater à porta, pela mão de Leon Scott, algo como “Um Inspector do NKVD Chamou”, que então, de forma abrupta e algo mecânica, vira a sua boa sorte do avesso e a transforma na sua versão pessoal do inferno — e, de facto, ele até reivindica ser o próprio Senhor do Submundo.  Homem ocupado.  Para agravar, poucos minutos antes da meia-noite o relógio deles parece parar, e ficamos suspensos no tempo, enquanto o Velho Diabo tenta fechar as suas “quotas” antes da hora das bruxas se aproximar (“E se eu não conseguir, quem consegue?”, graceja ele.)

Com igual previsibilidade, ele não vai levar o casal em conjunto: quer pô-los um contra o outro.  E, eis que, descobrimos ainda que cada um tem denunciado o outro com zelo aos seus capangas.  Até aqui, tudo certinho.  E tão deprimente.  O texto, de Timothy Knapman, parece manter-se bastante fiel à peça original, Citizens of Hell, e é um assunto muito interior, muito estático, com longas conversas sobre acontecimentos que ocorreram antes da acção propriamente dita.  O casal aguenta durante algum tempo o bullying do visitante indesejado e depois decide, de forma precipitada, virar o jogo contra ele — com consequências totalmente previsíveis.

Knapman e o seu compositor e co-letrista, Laurence Mark Wythe, animam bastante as coisas com algumas canções muitas vezes escritas com inteligência — a abertura, “The Future Came A-Knocking”, tem potencial — mas é aí que os principais problemas desta peça com música começam a tornar-se sérios.  A partitura oscila entre o solarengo e o sentimental, mas nunca deixa de ser acessível e agradavelmente insípida: é também tão simples como o texto, com certos acordes preferidos a repetirem-se vezes sem conta, sem parecerem ir a lado nenhum — como o círculo de um livro quase hermeticamente fechado.  Acontece que estes autores escreveram, e continuam a escrever, para organizações como a National Youth Music Theatre; e a própria encenadora Kate Golledge tem dirigido trabalhos semelhantes — e o espectáculo soa, de facto, muito, muito ao produto característico desse universo.  E quanto mais se ouve, mais nos parece que nos afastamos do pequeno drama modesto, de câmara, que está no seu cerne.

Ainda assim, se é esse o seu género, então sem dúvida conseguirá afeiçoar-se a este híbrido estranho.  No entanto, é quase certo que irá questionar a sensatez de algumas escolhas de produção — tal como eu — e imagino que a própria equipa criativa também as questione.  Não há muito espaço no Union, mas há ainda menos — sobretudo para a coreografia inteligente de Chris Cuming — quando a acção é espremida para cima de uma plataforma apertada que serve de sala de estar do Homem e da Mulher.  E que sala: tão recheada e naturalista numa peça que, repetidamente, anseia tornar-se totalmente expressionista, e que, ao mesmo tempo, é enquadrada por caixilhos de porta e janela feitos de luz.  Parece não ser nem uma coisa nem outra, e isso não ajuda a prender-nos e a fazer-nos sentir envolvidos.  Mas, se se pretende aqui um distanciamento brechtiano, porque é que a música é tão teimosamente emocional, com alguns números a parecerem ter escapado de um espectáculo pouco conhecido de Andrew Lloyd Webber e outros a lembrarem-nos, repetidamente, Sondheim, Kander e Ebb — e tantos mais.  O pastiche é a palavra de ordem.  Estão a pedir-nos que pensemos em tudo isto como “falso”?  Será mesmo tudo deliberado?  É difícil ter a certeza.

Isto acaba, sinto eu, por ser injusto para com os intérpretes, que ficam a tentar dar sentido a uma produção, a um texto e a uma partitura que — na verdade — não batem certo.  Não se pode esperar que façam o milagre de resolver tantas contradições internas.  O restante elenco — Melania Maggiore, Tilly-Mae Millbrook, Ashley Daniels, Luke Thornton e, sobretudo, o sinistro intruso infernal de Leon Scott — dá tudo o que tem: tocam instrumentos lindamente, tudo de memória, cantam bem, dançam, representam.  Fridthjofur Thorsteinsson ilumina-os com algum arrojo e Harry Haden-Brown mantém um rumo firme no leme do barco vacilante da partitura ao longo de toda a noite: quase nos convence de que ela tem mais méritos do que realmente tem.  E quando, em raras ocasiões, lhes é permitido escapar ao círculo interminável do “contar em vez de mostrar” que domina a maior parte do texto, o elenco liga-se ao público — especialmente na segunda metade, mais cortante e dinâmica.

A própria Golledge já afirmou publicamente que o trabalho de uma encenadora é disfarçar as fragilidades de um texto perante o público.  Neste caso, talvez ao procurar acolher e incluir “camadas” de interpretação e significado da sua equipa (e da companhia?) — como descreve numa nota do programa — não consigo deixar de sentir que aquilo que ela fez, sem dúvida sem intenção, foi chamar a atenção para todo o tipo de problemas deste estranho peixe que é o espectáculo.  É uma experiência corajosa, mas não encaixa totalmente.  Pelo menos, por agora.

RESERVE JÁ PARA MIDNIGHT NO UNION THEATRE

Fotografias: Lidia Crisafulli