CRÍTICA: Picasso, Teatro Playground ✭✭

El reparto de Picasso. Foto: Scott Rylander

The Playground Theatre,

7 de noviembre de 2017

2 estrellas

Reservar entradas

La apertura de un nuevo teatro siempre es motivo de celebración, y todos damos la bienvenida a la llegada de este estupendo nuevo espacio en la zona de Latimer Road, marcada por el trauma del incendio: una remodelación de una antigua cochera de autobuses, arreglada con estilo y elegancia, con un café abierto todo el día que también hace las veces de bar.  Se congregó un público glamuroso y repleto de estrellas para dar la bienvenida al inicio de la actividad en esta sala, con una obra completamente nueva sobre uno de los mayores artistas de todos los tiempos —y, por cierto, uno de mis favoritos personales—, Pablo Picasso.

Klara Zieglerova ha ideado un círculo sombrío de tierra suelta —¿o es arena?— para que los actores lo recorran y se revuelquen sobre él: un auténtico patio de recreo.  Davy Cunningham lo ilumina con sencillez, y hay proyecciones de vídeo de Matthew Ferguson que nos muestran al reparto en clips cinematográficos, u otras grabaciones e imágenes.  El resto de la acción se representa en ese espacio circular de arena por el codirector artístico del teatro, Peter Tate, en el papel protagonista, y Adele Oni, Claire Bowman y Alejandra Costa como tres de sus muchas mujeres.  En pantalla, también vemos a Milena Vukotiv, Margot Sikabonyi y Sandra Collodel como otras tres.

El texto, de Terry D'Alfonso, quizá estuviera terminado en el momento de su muerte, pero es posible que no.  Me inclino por lo segundo, porque la obra tiene todo el aire de un boceto ampliado sin poseer la vida ni la energía del teatro de verdad.  El texto que tenemos se siente más como una idea de obra que como la carne y los huesos del drama en sí.  Quizá influida por esto, la dirección cuidadosa y bastante estática de Michael Hunt parece llamar aún más la atención sobre ese aspecto: los personajes se colocan para soltar parlamentos a menudo largos y repetitivos sobre temas más o menos abstractos, que pueden ser —o no— un intento de evocar alguno de los múltiples estilos adoptados por el artista.

Por encima de todo, es la interpretación protagonista de Peter Tate, un ejercicio calculado de monotonía, lo que resulta más desconcertante y agotador.  Apenas varía su manera de hablar durante los escuetos 70 minutos de la función, haciendo que ese breve lapso se sienta como una eternidad.  Estoy bastante seguro de que se trata de una elección totalmente deliberada y consciente: es demasiado buen actor como para haber tropezado por accidente con un enfoque así.  Con todo, el efecto es el de machacar al público hasta someterlo, igual que un torero podría hacer con un toro en la plaza (una de las varias imágenes obvias y manoseadas del texto).

Frente a su enfoque monolítico de la caracterización, las quejas y lloriqueos intermitentes de sus acólitas zalameras —mujeres superficiales y desvaídas que, al parecer, no tienen nada mejor que hacer con su vida que tirarla por la borda por un ególatra sin valor— forman un doloroso coro de desaprobación. Por qué demonios cualquiera de ellas vio algo en el otro sigue siendo, hasta el amargo final, un completo misterio.

Si crees que esto podría ser lo tuyo, entonces ve.  Sin embargo, quizá quieras pensártelo dos veces.

Hasta el 5 de noviembre

ENTRADAS PARA PICASSO