CRITIQUE : Amadeus, Chichester Festival Theatre ✭✭✭

Rupert Everett dans le rôle de Salieri et Joshua McGuire dans celui de Mozart dans Amadeus de Peter Shaffer au Festival Theatre de Chichester. Photographie : Tristram Kenton Amadeus Festival Theatre de Chichester 26 juillet 2014

3 Étoiles

Le Festival Theatre rénové de Chichester est un vrai délice. Les sièges sont très confortables, l'espace pour les jambes s'est amélioré et le dénivelé a été renforcé pour que le public soit plus proche de la scène avec des lignes de vue améliorées. L'acoustique est parfaite et l'électricité de l’atmosphère dans un théâtre riche en souvenirs et plein de promesses est profonde.

Pour ouvrir cet espace à la fois ancien et nouveau, le directeur artistique Jonathan Church a misé sur l'or. Amadeus, chef-d'œuvre de Peter Shaffer sur la musique, l'art et les forces qui les influencent, est une pièce merveilleuse et lorsque montée à l'origine en 1979, elle est devenue un succès retentissant et un classique instantané. Quiconque a vu la couverture télévisée des célébrations du 50ème anniversaire du National Theatre comprendra pourquoi.

En entrant dans l'auditorium, le superbe décor de Simon Highlett évoque immédiatement le ton opéra. Les influences baroques, surfaces en marbre, lustres scintillants, miroirs demi-argentés sur lesquels des projections peuvent être jetées pour créer différents environnements, un hôpital pouvant devenir un théâtre - le look est élégant, raffiné, grandiose et ambitieux. Ajoutez les costumes somptueusement conçus et réalisés et vous pourriez regarder un opéra de Mozart au Royal Opera House, plutôt qu'une pièce sur la relation entre Wolfgang Amadeus Mozart et Antonio Salieri.

Et c'est une bonne chose. Parce que la pièce de Shaffer est une symphonie, aussi musicale qu'une pièce puisse l'être sans basculer dans l'opéra ou d'autres formes musicales. Elle parle de musique mais n'en dépend pas, bien que beaucoup de ses grands moments mettent en scène la musique.

L'une des grandes déceptions ici est que Church ne met pas suffisamment en avant la musique. Parfois, on a l'impression que Church veut se précipiter à travers les moments musicaux, alors qu'en fait, pour que la pièce brille et fonctionne, ces moments ont besoin d'espace, d'accentuation et de temps pour respirer. La scène où Mozart s'enthousiasme pour ses plans pour Les Noces de Figaro ou où il transforme la marche insignifiante de Salieri en un classique immortel est trop rapide; de même, la scène où Salieri réalise pour la première fois l'habileté de Mozart avec la musique, quand il est presque dérangé par le plaisir qu'il ressent en écoutant le travail de Mozart, ne laisse pas assez de place à la musique. Pour que ces moments fonctionnent, le public doit ressentir la musicalité, l'émerveillement, la promesse - en parler ne suffit pas.

Dans le deuxième acte, Salieri dit cela à propos du travail de Mozart :

« Je regardais, stupéfait, comment de sa vie ordinaire il faisait son art. Nous étions tous deux des hommes ordinaires, lui et moi. Pourtant, de l'ordinaire il créait des Légendes - et moi des Légendes je ne créais que l'ordinaire ! »

Et, vraiment, cela résume la production de Church. Il a pris quelque chose avec un statut légendaire et potentiel et en a fait quelque chose d'ordinaire. Et il fait cela malgré un design vraiment inspirant, un mouvement et une danse absolument spectaculaires du talentueux Stephen Mear (il fait se tenir et se mouvoir les gens avec beauté, élégance, art ajoutant au sens de gloire de l'époque où l'action se passe) et un casting de premier ordre.

C'est un talent.

Jessie Buckley est exceptionnellement bonne en Constanze, la femme de Mozart. Elle est belle, drôle, séduisante et fraîche. Simon Jones est parfait en l’Empereur Joseph II quelque peu maladroit; son timing comique est superbe et son sens ironique de l'absurde est complètement juste.

Sa Cour est pleine de pépites. Timothy Kightley et John Standing sont merveilleux en vieux comtes poussiéreux ayant pouvoir sur de simples mortels et l'influence pour décider de ce qui est commandé et joué. Richard Clifford est particulièrement bon en Baron « Fugue » - son sens du pouvoir et de l'origine de ce François-Maçon riche et puissant est toujours présent, perspicace et enveloppé d'une certitude narquoise.

James Simmons et Derek Hutchinson tirent parti des opportunités offertes par les Venticelli ; leurs costumes et discours complexes étaient de la pure prestidigitation.

Il n'y a pas de maillons faibles dans le casting de soutien. Ils sont tous excellents avec Emily Shaw en Katherina Cavalieri, Jack Edwards en Cuisinier et Jeremy Bennett en Major-Dome particulièrement remarquables. Marc Antolin et Harry Francis se distinguent dans l'ensemble.

Mais la pièce ne fonctionne que si Salieri et Mozart brillent. Rupert Everett, fraîchement issu de son triomphe en Oscar Wilde dans The Judas Kiss, semble un choix évident pour Salieri. Il a le poids, le timing comique, le sens palpable de la théâtralité et la capacité de couvrir différents âges dans un même rôle - il avait montré tout cela assez clairement en Wilde.

Mais The Judas Kiss a été dirigé par Neil Armfield, pas Jonathan Church.

Everett semble légèrement perdu en Salieri. Il n'est pas mauvais en aucun cas, mais il ne s'élève pas non plus comme il pourrait. Essentiellement, il est trop souvent en colère, et bien qu'il soit nécessaire pour lui d'enrager contre Dieu, car c'est l'un des grands thèmes de la pièce, il n'est pas nécessaire qu'il soit constamment furieux. Salieri est une créature froide; il est l'antithèse de Mozart, tête brûlée et fougueux. Oui, il fulmine, mais il n'a pas besoin d'être excessif et exagéré. Et certainement pas aussi tôt que Everett le joue ici.

L'Empereur Joseph II insiste, célèbre et comiquement, sur le fait que la musique de Mozart a « trop de notes » et c'est la même chose avec le Salieri d'Everett. Il y a trop d'explosions volcaniques et pas assez de moments de froide, soyeuse, rusée, blanche comme neige, presque silencieuse, colère et malveillance.

Everett a le style juste et son timing comique est impeccable. Il est particulièrement bon en Salieri quasi mourant qui ouvre et ferme la pièce. Mais il doit apporter plus de flexibilité et de nuances au rôle, car l'écriture rendra plus de retours de cette façon. (Pas du tout sûr que la giclée de sang façon Sweeney Todd lorsque sa gorge est tranchée était nécessaire ou souhaitable non plus)

En revanche, le Mozart de Joshua Maguire n'a pas assez de notes. Il doit trouver une ligne directrice pour le personnage, un moyen pour la cohérence et le sens de fournir une rondeur et une totalité à son personnage. Mozart peut être impétueux, grossier, indécoré, rude et arrogant, mais le public doit se soucier de lui - sinon les hauteurs que le drame pourrait atteindre dans l'acte deux ne sont jamais atteintes. Comme ici.

Ce n'est pas tout à propos du rire idiot et agaçant.

Le sens de la majesté, de l'excellence sans effort, du génie doit être toujours présent, ainsi que les doutes personnels, l'incertitude, la peur de la façon dont les choses vont se dérouler. Lorsque Salieri serre les vis dans l'acte deux, le public doit ressentir et empathiser avec la douleur de Mozart.

Mais ici, avec Maguire grimaçant et souriant largement mais ne fournissant pas un sens clair du désespoir véritable que ressent Mozart du fait que son travail n'est pas reconnu, que les emplois ne lui viennent pas, la seule empathie pour lui provient de sa connexion avec Constanze.

Dans les deux cas, cela semble plus lié à des choix de mise en scène qu'à des compétences. Everett comme Maguire devraient être capables de donner des performances de premier ordre, éclatantes. Pourtant, ils ne le font pas. Peut-être que, au fil des représentations, à mesure que leur confiance et leur familiarité avec la pièce grandissent, cela changera.

Malgré cela, la production a beaucoup à recommander. Ce n'est jamais ennuyeux, c'est magnifique à regarder et l'écriture n'a pas perdu de sa joie. Ce passage, la reconnaissance par Salieri du talent de Mozart, en combinaison avec la sublime composition de Mozart, reste l'un des moments les plus évocateurs écrits pour la scène moderne :

Extraordinaire ! À la page, cela ne ressemblait à rien ! Le début simple, presque comique. Juste une pulsation. Bassons, cors de basset - comme un vieil accordéon rouillé. Et puis, soudain, tout en haut, un hautbois. Une seule note, là, suspendue. Jusqu'à ce qu'une clarinette la prenne, l'adoucisse en une phrase d'une telle délice ! Ce n'était pas une composition d’un singe à roulettes ! C'était une musique que je n'avais jamais entendue. Remplie d'une telle langueur, d'un tel désir inassouvi. Il me semblait entendre la voix de Dieu.

Et à sa manière, elle fournit la clé de la pièce.

Espérons que si elle est transférée au West End, Church utilisera correctement cette clé et libérera le Salieri et le Mozart qu'Everett et Maguire devraient être capables de délivrer.