РЕЦЕНЗІЯ: Амадей, Чичестерський театральний фестиваль ✭✭

Руперт Еверетт у ролі Сальєрі та Джошуа Маґуайр у ролі Моцарта в п'єсі Пітера Шеффера «Амадей» у Чичестерському фестивальному театрі. Фото: Трістрам Кентон Амадей Чичестерський фестивальний театр 26 липня 2014 року

3 зірки

Оновлений Фестивальний театр у Чичестері — це справжня насолода. Крісла дуже зручні, місця для ніг стало більше, а кут нахилу глядацької зали збільшено, тож публіка тепер ближче до сцени і має чудовий огляд. Акустика бездоганна, а той особливий театральний драйв, сповнений спогадів і великих сподівань, відчувається надзвичайно гостро.

Для відкриття цього чудового оновленого простору художній керівник Джонатан Черч обрав безпрограшний варіант. «Амадей», шедевр Пітера Шеффера про музику, мистецтво та сили, що стоять за їхнім створенням, — це блискуча п'єса, яка після прем'єри у 1979 році миттєво стала хітом та класикою. Кожен, хто бачив телетрансляцію святкування 50-річчя Національного театру, розуміє чому.

Вже при вході до зали розкішна сценографія Саймона Гайлетта миттєво занурює в оперну атмосферу. Барокові мотиви, мармурові поверхні, сяючі люстри, напівсрібні дзеркала для проєкцій, що створюють різні світи — від лікарні до театру. Вигляд елегантний, витончений, величний та амбітний. Додайте до цього розкішні костюми, і ви цілком могли б подумати, що дивитеся оперу Моцарта в Королівській опері, а не виставу про стосунки Вольфганга Амадея Моцарта та Антоніо Сальєрі.

І це добре. Бо п'єса Шеффера — це симфонія, вона настільки музична, наскільки це можливо для драматичного твору, що не переходить у жанр опери чи мюзиклу. Вона про музику, але не залежить від неї цілком, хоча багато її найвеличніших моментів супроводжуються саме музикою.

Одним із великих розчарувань є те, що Черч не приділяє музиці тієї уваги, на яку вона заслуговує. Часом здається, що постановник намагається швидше проскочити музичні сцени, тоді як насправді, щоб вистава засяяла, цим моментам потрібен простір, акцент і можливість «дихати». Сцена, де Моцарт із захватом розповідає про плани щодо «Весілля Фігаро», або де він перетворює банальний марш Сальєрі на безсмертний шедевр, занадто поспішні. Так само і сцена, де Сальєрі вперше усвідомлює геній Моцарта, майже втрачаючи розум від насолоди музикою, не дає звуку належного простору. Щоб ці моменти спрацювали, глядач має відчути цю музикальність і диво на власні вуха — самих лише розмов про це замало.

У другій дії Сальєрі говорить про творчість Моцарта так:

«Я з подивом спостерігав, як зі свого звичайного життя він творив мистецтво. Ми обоє були звичайними людьми, він і я. Але зі звичайності він творив Легенди — а я з Легенд творив лише звичайність!»

І це, по правді кажучи, резюмує всю постановку Черча. Він взяв дещо легендарне за статусом і потенціалом і зробив це звичайним. І це попри справді натхненний дизайн, абсолютно видовищну пластику від талановитого Стівена Міра (він змушує акторів стояти й рухатися красиво та елегантно, майстерно підкреслюючи велич епохи) та акторський склад першої величини.

Це теж треба вміти.

Джессі Баклі надзвичайно яскрава в ролі Констанци, дружини Моцарта. Вона вродлива, дотепна, сексуальна й природна. Саймон Джонс ідеальний у ролі трохи недолугого імператора Йосипа II; його комічне чуття часу бездоганне, а іронічне сприйняття абсурдності ситуацій — в саме яблучко.

Його двір — це справжнє сузір’я характерів. Тімоті Кнайтлі та Джон Стендінг чудові в ролях статечних графів, які мають владу над простими смертними та вирішують, що саме буде замовлено й виконано. Річард Кліффорд винятково переконливий у ролі барона «Фуги» — його відчуття влади та вихованості заможного масона відчувається у кожному жесті, воно глибоке й оповите зверхньою впевненістю.

Джеймс Сіммонс та Дерек Гатчінсон витискають максимум із ролей Венічеллі; їхні костюми та складні діалоги були справжньою майстерністю рук.

У другорядних ролях немає слабких ланок. Усі без винятку чудові: Емілі Шоу в ролі Катерини Кавальєрі, Джек Едвардс у ролі Кухаря та Джеремі Беннетт у ролі Мажордома — особливо гарні. Марк Антолін та Гаррі Френсіс виділяються в ансамблі.

Але вистава працює лише тоді, коли сяють Сальєрі та Моцарт. Руперт Еверетт, після свого тріумфу в ролі Оскара Вайльда у виставі «Поцілунок Юди», здавався очевидним кандидатом на роль Сальєрі. Він має необхідну вагу, комічне чуття, відчутну театральність і здатність грати різні вікові стани в межах однієї ролі — все це він блискуче продемонстрував як Вайльд.

Але «Поцілунок Юди» ставив Ніл Армфілд, а не Джонатан Черч.

Еверетт здається дещо розгубленим у ролі Сальєрі. Він зовсім не поганий, але й не злітає так високо, як міг би. По суті, він занадто часто гнівається. Хоча йому й потрібно репетувати проти Бога (це одна з головних тем п'єси), робити це постійно немає потреби. Сальєрі — істота холодна; він — антагоніст запального та палкого Моцарта. Так, він лютує, але йому не обов'язково бути надмірним і перенапруженим. І вже точно не з перших хвилин вистави.

Імператор Йосип II відомий своїм комічним зауваженням, що в музиці Моцарта «забагато нот». Те саме можна сказати про Сальєрі у виконанні Еверетта. Тут забагато вулканічних вивержень і недостатньо моментів холодного, шовковистого, підступного, крижаного і майже німого гніву та злоби.

Еверетт правильно вловив стиль, і його комізм бездоганний. Він особливо гарний у ролі старого Сальєрі, який відкриває та закриває виставу. Але йому потрібно додати ролі гнучкості та нюансів, адже текст п'єси при такому підході розкривається значно краще. (Також зовсім не впевнений, що фонтан крові у стилі Свіні Тодда, коли він перерізає собі горло, був тут необхідним чи доречним).

З іншого боку, Моцарту Джошуа Маґуайра якраз не вистачає «нот». Йому потрібно знайти стрижень персонажа, щоб послідовність і логіка створили цілісний образ. Моцарт може бути імпульсивним, нецензурним, нетактовним, грубим і зарозумілим, але глядач мусить йому співчувати — інакше драматизм другої дії просто не спрацює. Як і сталося цього разу.

Справа не лише у дурнуватому, дражливому сміху.

Почуття величі, легкої досконалості та геніальності має бути присутнім постійно, поруч із сумнівами в собі, невпевненістю та страхом перед майбутнім. Коли Сальєрі починає тиснути у другій дії, глядач повинен відчувати біль Моцарта і співпереживати йому.

Але тут, коли Маґуайр лише кривляється та широко посміхається, не передаючи справжнього відчаю через невизнаність та відсутність замовлень, єдине співчуття до нього виникає лише через його стосунки з Констанцою.

В обох випадках це здається радше прорахунком режисури, ніж браком акторської майстерності. І Еверетт, і Маґуайр здатні видати першокласну гру. Проте зараз цього немає. Можливо, з часом, коли в них з'явиться більше впевненості та спорідненості з матеріалом, усе зміниться.

Попри це, постановку є за що похвалити. Вона ні на мить не стає нудною, вона гарна візуально, а текст п'єси не втратив своєї принадності. Цей уривок — визнання Сальєрі таланту Моцарта у поєднанні з божественною музикою — досі залишається одним із найбільш емоційних моментів у сучасній драматургії:

«Неймовірно! На папері це здавалося нічим! Початок простий, майже комічний. Просто пульсація. Фаготи, басетгорни — ніби іржава гармоніка. І раптом, високо над ними — гобой. Одна нота, що зависла в повітрі, непохитна. Поки її не підхопив кларнет, перетворивши на фразу такої розкоші! Це не була композиція вченої мавпочки! Це була музика, яку я ніколи не чув. Сповнена такої туги, такої нездійсненної туги. Мені здалося, що я чую голос Бога».

І це, по-своєму, є ключем до всієї вистави.

Сподіваємося, якщо постановка переїде до Вест-Енду, Черч зможе правильно скористатися цим ключем і розкрити тих Сальєрі та Моцарта, яких Еверетт і Маґуайр справді здатні втілити.