ANMELDELSE: Amadeus, Chichester Festival Theatre ✭✭✭

Rupert Everett som Salieri og Joshua McGuire som Mozart i Peter Shaffers Amadeus ved Chichester Festival Theatre. Foto: Tristram Kenton Amadeus Chichester Festival Theatre 26. juli 2014

3 stjerner

Det nyoppussede Festival Theatre i Chichester er en fryd. Setene er svært komfortable, benplassen er forbedret og hellingen på amfiet er økt, slik at publikum kommer tettere på scenen og får bedre innsyn. Akustikken er perfekt, og den elektriske stemningen ved å være i et teater som er så rikt på minner og så fullt av løfter, er dypfølt.

For å gjenåpne dette fantastiske, moderne, men tradisjonsrike rommet, har teatersjef Jonathan Church satset på en sikker vinner. Amadeus, Peter Shaffers mesterverk om musikk, kunst og kreftene som skaper begge deler, er et fabelaktig stykke. Da det ble satt opp for første gang i 1979, ble det en kjempesuksess og en umiddelbar klassiker. Enhver som så TV-overføringen av National Theatres 50-årsjubileum, vil ha en anelse om hvorfor.

Når man trer inn i salen, formidler Simon Highletts superbe scenografi den operatiske tonen umiddelbart. Barokke impulser, marmorflater, glitrende lysekroner, halvforsølvede speil som det projiseres bilder på for å skape ulike miljøer, et sykehus som kan bli til et teater – uttrykket er strømlinjeformet, raffinert, storslått og ambisiøst. Legg til de overdådige kostymene, og man skulle tro man så en Mozart-opera på Royal Opera House, snarere enn et skuespill om forholdet mellom Wolfgang Amadeus Mozart og Antonio Salieri.

Og dette er positivt. For Shaffers stykke er en symfoni, så musikalsk som et teaterstykke kan bli uten å gå over i opera eller andre musikalske former. Det handler om musikk, men er ikke avhengig av den, selv om mange av stykkets største øyeblikk akkompagneres av musikk.

En av de store skuffelsene her er at Church ikke fremhever musikken så mye som den fortjener. Til tider virker det som om Church vil skynde seg gjennom de musikalske øyeblikkene, mens disse øyeblikkene i virkeligheten trenger rom, tyngde og luft for at stykket skal gnistre. Scenen der Mozart snakker entusiastisk om planene for Figaros bryllup, eller der han forvandler Salieris trivielle marsj til en udødelig klassiker, er for forhastet. Likeledes får scenen der Salieri for første gang innser Mozarts geni – mens han nesten går fra forstanden av nytelsen han opplever ved å lytte til Mozarts verk – ikke nok plass. For at disse øyeblikkene skal fungere, må publikum oppleve musikaliteten og vidunderet selv; det er ikke nok å bare snakke om det.

I andre akt sier Salieri følgende om Mozarts verk:

«Jeg så forbløffet på hvordan han skapte kunst ut av sitt ordinære liv. Vi var begge ordinære menn, han og jeg. Likevel skapte han legender av det ordinære – mens jeg skapte kun det ordinære av legender!»

Og dette oppsummerer egentlig Churchs produksjon. Han har tatt noe med legendarisk status og potensial og gjort det ordinært. Han gjør dette til tross for en virkelig inspirerende scenografi, spektakulær koreografi fra den begavede Stephen Mear (han får folk til å stå og bevege seg vakkert og elegant, noe som forsterker følelsen av historisk prakt) og et ensemble av ypperste klasse.

Det er en egen kunst i seg selv.

Jessie Buckley er fremragende god som Constanze, Mozarts kone. Hun er vakker, morsom, sexy og frisk. Simon Jones er perfeksjon som den noe enfoldige keiser Josef II; hans komiske timing er suveren, og hans tørre sans for det absurde sitter som et skudd.

Hoffet hans er spekket med små perler. Timothy Kightley og John Standing er strålende som de støvete grevene med makt over de dødelige, og med innflytelse til å bestemme hva som blir bestilt og spilt. Richard Clifford er eksepsjonelt god som baron «Fuge» – hans fremtoning som en velstående og mektig frimurer er alltid nærværende og preget av en hånlig sikkerhet.

James Simmons og Derek Hutchinson får mest mulig ut av rollene som Venticelli; deres kostymer og intrikate taler var rent trylleri.

Det er ingen svake ledd i birollene. De er jevnt over utmerkede, med Emily Shaws Katherina Cavalieri, Jack Edwards' kokk og Jeremy Bennetts hovmester som spesielt gode. Marc Antolin og Harry Francis skiller seg ut i ensemblet.

Men stykket fungerer bare hvis Salieri og Mozart stråler. Rupert Everett, nylig hyllet for sin rolle som Oscar Wilde i The Judas Kiss, virket som et åpenbart valg for Salieri. Han har autoriteten, den komiske timingen, følelsen for det teatralske og evnen til å mestre ulike aldre i én rolleskikkelse – han viste alt dette tydelig som Wilde.

Men The Judas Kiss ble regissert av Neil Armfield, ikke Jonathan Church.

Everett virker litt på villspor som Salieri. Han er på ingen måte dårlig, men han tar heller ikke av slik han kunne ha gjort. Hovedproblemet er at han er for sint for ofte. Selv om det er nødvendig for ham å rase mot Gud, som er et av stykkets store temaer, er det ikke nødvendig å rase konstant. Salieri er en kald skikkelse; han er antitesen til den hissige og lidenskapelige Mozart. Ja, han raser, men det trenger ikke bli overdrevet og overspent. Og i hvert fall ikke så tidlig som Everett gjør det her.

Keiser Josef II insisterer berømt og komisk på at Mozarts musikk har «for mange noter», og det samme kan sies om Everetts Salieri. Det er for mange vulkanske utbrudd og ikke nok øyeblikk med kaldt, utspekulert og iskaldt hvitglødende, nesten lydløst hat.

Everett har stilen inne, og den komiske timingen er upåklagelig. Han er spesielt god som den døende Salieri som åpner og avslutter stykket. Men han må bringe mer fleksibilitet og nyanse til rollen, for teksten vil gi større avkastning på den måten. (Jeg er for øvrig slett ikke sikker på om Sweeney Todd-blodspruten når han skjærer over strupen var nødvendig eller ønskelig.)

På den annen side har Joshua Maguires Mozart ikke nok noter. Han må finne en rød tråd for karakteren, en konsistens som gir skikkelsen helhet. Mozart kan gjerne være impulsiv, beryktet for sitt grove språk, uanstendig, frekk og arrogant, men publikum må bry seg om ham – ellers vil dramaet i andre akt aldri nå de høydene det har potensial til. Slik som her.

Det handler ikke bare om den tåpelige, irriterende lattern.

Følelsen av verdighet, uanstrengt dyktighet og geni må være snittilstedeværende, sammen med selvforakten, usikkerheten og frykten for fremtiden. Når Salieri strammer grepet i andre akt, må publikum kunne føle og sympatisere med Mozarts smerte.

Men her, med Maguire som skjærer grimaser og smiler bredt uten å formidle Mozarts genuine fortvilelse over at verkene hans forblir ukjente og at oppdragene uteblir, kommer den eneste empatien for ham gjennom relasjonen til Constanze.

I begge tilfeller virker dette mer som regivalg enn mangel på ferdigheter. Både Everett og Maguire bør være i stand til å levere strålende prestasjoner. Likevel gjør de ikke helt det. Kanskje vil det komme etter hvert som spilleperioden varer og deres selvtillit og fortrolighet med stykket vokser.

Til tross for dette har produksjonen mye som taler for seg. Den er aldri kjedelig, den er vakker å se på, og teksten har ikke mistet noe av sin glød. Denne passasjen, Salieris anerkjennelse av Mozarts talent i kombinasjon med Mozarts sublime komposisjon, er fremdeles et av de mest stemningsfulle øyeblikkene skrevet for den moderne scenen:

Ekstraordinært! På papiret så det ikke ut som noe! Begynnelsen var enkel, nesten komisk. Bare en puls. Fagotter, bassetthorn – som et rustent trekkspill. Og så, plutselig, høyt over det hele, en obo. En enkelt tone, som hang der, urokkelig. Helt til en klarinett tok over, og søtet den til en frase av en slik glede! Dette var ingen komposisjon av en sirkusape! Dette var musikk jeg aldri hadde hørt før. Fylt med en slik lengsel, en slik uoppfyllelig lengsel. Det virket for meg som om jeg hørte Guds stemme.

Og på sin egen måte utgjør dette nøkkelen til stykket.

Forhåpentligvis, hvis forestillingen flytter til West End, vil Church vri om den nøkkelen skikkelig og låse opp de Salieri- og Mozart-tolkningene som Everett og Maguire beviselig har i seg.