RECENSIONE: Amadeus, Chichester Festival Theatre ✭✭✭

Rupert Everett nei panni di Salieri e Joshua McGuire come Mozart nell’Amadeus di Peter Shaffer al Chichester Festival Theatre. Foto: Tristram Kenton Amadeus Chichester Festival Theatre 26 luglio 2014

3 stelle

Il Festival Theatre di Chichester, appena rinnovato, è una gioia assoluta. Le poltrone sono comodissime, lo spazio per le gambe è migliorato e l’inclinazione della platea è stata aumentata, così il pubblico è più vicino al palcoscenico e gode di linee di visione migliori. L’acustica è perfetta e il brivido elettrico di trovarsi in un teatro ricco di ricordi e carico di promesse è davvero profondo.

Per inaugurare questo splendido “nuovo vecchio” spazio, il direttore artistico Jonathan Church ha puntato in alto. Amadeus, il capolavoro di Peter Shaffer su musica, arte e sulle forze che plasmano entrambe, è un testo meraviglioso e, alla sua prima messa in scena nel 1979, fu un trionfo clamoroso e divenne subito un classico. Chi ha visto la trasmissione delle celebrazioni per il 50° anniversario del National Theatre avrà un’idea del perché.

Entrando in sala, la superba scenografia di Simon Highlett restituisce subito un tono operistico. Influenze barocche, superfici marmoree, lampadari scintillanti, specchi semiriflettenti su cui proiettare immagini per creare ambienti diversi, un ospedale che può trasformarsi in un teatro: l’estetica è lucida, raffinata, grandiosa e ambiziosa. Aggiungete costumi sontuosamente ideati e confezionati e potreste pensare di assistere a un’opera di Mozart alla Royal Opera House, più che a una pièce sul rapporto fra Wolfgang Amadeus Mozart e Antonio Salieri.

Ed è un bene. Perché il testo di Shaffer è una sinfonia: quanto di più musicale possa essere un dramma senza sconfinare nell’opera o in altre forme musicali. Parla di musica, ma non dipende da essa, anche se molti dei suoi momenti più alti sono accompagnati dalla musica.

Una delle grandi delusioni è che Church non valorizza la musica quanto dovrebbe. A tratti sembra voler sbrigare i passaggi musicali, quando invece, perché lo spettacolo scintilli e sprigioni il suo incanto, quei momenti hanno bisogno di spazio, di rilievo e di respiro. La scena in cui Mozart si entusiasma per i suoi progetti per Le nozze di Figaro o quella in cui trasforma la marcia banale di Salieri in un classico immortale sono troppo affrettate; allo stesso modo, la scena in cui Salieri si rende conto per la prima volta del talento di Mozart, quasi delirante per il piacere che prova ascoltando la sua musica, non lascia davvero spazio al suono. Perché questi momenti funzionino, il pubblico deve vivere la musicalità, la meraviglia, la promessa: parlarne non basta.

Nel secondo atto, Salieri dice questo dell’opera di Mozart:

«Guardavo sbalordito come, dalla sua vita ordinaria, traesse la sua arte. Eravamo entrambi uomini comuni, lui e io. Eppure dall’ordinario lui creava Leggende — e io dalle Leggende riuscivo a creare solo l’ordinario!»

E, davvero, questo riassume la produzione di Church. Ha preso qualcosa dallo status e dal potenziale leggendari e l’ha reso ordinario. E lo fa nonostante un impianto visivo davvero ispirato, movimenti e danze assolutamente spettacolari del talentuoso Stephen Mear (fa stare e muovere le persone con bellezza, eleganza, arte, aggiungendo al senso di splendore dell’epoca in cui si svolge l’azione) e un cast di prim’ordine.

Ci vuole talento.

Jessie Buckley è straordinariamente brava come Constanze, la moglie di Mozart. È bella, divertente, sensuale e freschissima. Simon Jones è perfetto come l’imperatore Giuseppe II, un po’ tonto: tempi comici impeccabili e un’ironia asciutta sull’assurdo centrata in pieno.

La sua corte è costellata di perle. Timothy Kightley e John Standing sono magnifici come i Conti polverosi, con potere sui comuni mortali e l’influenza per stabilire cosa venga o non venga commissionato ed eseguito. Richard Clifford è eccezionalmente bravo come il barone “Fugue”: la percezione della forza e del lignaggio di questo ricco e potente massone è sempre presente, acuta, avvolta da una certezza sprezzante.

James Simmons e Derek Hutchinson sfruttano al massimo le opportunità offerte dai Venticelli; i loro costumi e i discorsi intricati sono puro gioco di prestigio.

Nel cast di supporto non ci sono anelli deboli. Sono tutti eccellenti, con l’ottima Katherina Cavalieri di Emily Shaw, il Cuoco di Jack Edwards e il Maggiordomo di Jeremy Bennett particolarmente notevoli. Marc Antolin e Harry Francis spiccano nell’ensemble.

Ma lo spettacolo funziona davvero solo se Salieri e Mozart brillano. Rupert Everett, appena reduce dal trionfo come Oscar Wilde in The Judas Kiss, sembra una scelta ovvia per Salieri. Ha il carisma, i tempi comici, un senso di teatralità tangibile e la capacità di attraversare età diverse in un unico percorso — tutte qualità che, da Wilde, aveva mostrato chiaramente.

Ma The Judas Kiss era diretto da Neil Armfield, non da Jonathan Church.

Everett appare un po’ spaesato nei panni di Salieri. Non è scarso in alcun modo, ma non vola come potrebbe. In sostanza, è troppo spesso arrabbiato e, se è necessario che si scagli contro Dio — perché è uno dei grandi temi del testo — non è necessario che lo faccia di continuo. Salieri è una creatura fredda; è l’antitesi del Mozart impulsivo, sanguigno, “caldo”. Sì, esplode, ma non deve essere eccessivo e sopra le righe. E di certo non così presto come lo interpreta qui Everett.

L’imperatore Giuseppe II insiste, in modo celebre e comico, che la musica di Mozart abbia «troppe note», e lo stesso vale per il Salieri di Everett. Ci sono troppe eruzioni vulcaniche e troppo pochi momenti di rabbia fredda, setosa, astuta, bianco-ghiaccio, quasi silenziosa, di furore e malevolenza.

Everett ha lo stile giusto e i tempi comici sono impeccabili. È particolarmente bravo come Salieri morente, che apre e chiude il dramma. Ma deve portare più flessibilità e sfumature al ruolo, perché la scrittura ripaga molto di più in quella direzione. (E non sono affatto sicuro che lo spruzzo di sangue alla Sweeney Todd quando gli tagliano la gola fosse necessario o desiderabile.)

Dall’altra parte, il Mozart di Joshua Maguire non ha abbastanza note. Deve trovare una linea portante per il personaggio, un modo perché coerenza e senso diano una compiutezza piena. Mozart può essere impetuoso, sboccato, sconveniente, maleducato e arrogante, ma il pubblico deve provare qualcosa per lui — altrimenti le vette a cui il dramma potrebbe arrivare nel secondo atto non si raggiungono mai. Come qui.

Non è tutto questione di quella risata sciocca e irritante.

Il senso di maestà, di eccellenza senza sforzo, di genio deve essere sempre presente, insieme ai dubbi, all’incertezza, alla paura di come andranno le cose. Quando Salieri stringe la morsa nel secondo atto, il pubblico deve sentire ed empatizzare con il dolore di Mozart.

Ma qui, con Maguire che fa smorfie e sorride a largo raggio senza restituire chiaramente la disperazione autentica di Mozart — il suo sentire che il lavoro non viene riconosciuto, che le occasioni non arrivano — l’unica empatia nasce dal legame con Constanze.

In entrambi i casi, sembra più una questione di scelte registiche che di capacità. Sia Everett sia Maguire dovrebbero poter offrire interpretazioni di prim’ordine, incandescenti. E invece non lo fanno. Forse, con il prosieguo delle repliche, con l’aumentare della confidenza e della familiarità con il testo, accadrà.

Nonostante ciò, la produzione ha molto da farsi perdonare. Non annoia mai, è bellissima da vedere e da seguire, e la scrittura non ha perso nulla della sua gioia. Questo passaggio — la presa di coscienza di Salieri del talento di Mozart, insieme alla sublime composizione di Mozart — resta uno dei momenti più evocativi mai scritti per la scena moderna:

Straordinario! Sulla pagina non sembrava niente! L’inizio semplice, quasi comico. Solo un battito. Fagotti, corni di bassetto — come una fisarmonica arrugginita. E poi, all’improvviso, molto sopra, un oboe. Una sola nota, sospesa lì, immobile. Finché un clarinetto non l’ha presa, addolcendola in una frase di pura delizia! Questa non era una composizione di una scimmia ammaestrata! Era una musica che non avevo mai sentito. Piena di un desiderio così intenso, di un desiderio così irrealizzabile. Mi sembrava di ascoltare la voce di Dio.

E, a suo modo, offre la chiave del dramma.

Speriamo che, se arriverà nel West End, Church giri davvero quella chiave e liberi il Salieri e il Mozart che Everett e Maguire dovrebbero essere in grado di offrire.