RECENSION: Amadeus, Chichester Festival Theatre ✭✭✭

Rupert Everett som Salieri och Joshua McGuire som Mozart i Peter Shaffers Amadeus på Chichester Festival Theatre. Foto: Tristram Kenton Amadeus Chichester Festival Theatre 26 juli 2014

3 stjärnor

Den nyrenoverade Festival Theatre i Chichester är en ren fröjd. Stolarna är mycket bekväma, benutrymmet har förbättrats och lutningen i salongen har utökats så att publiken kommer närmare scenen och har bättre siktlinjer. Akustiken är perfekt och den elektriska stämningen i en teater fylld av minnen och löften är påtaglig.

För att inviga detta underbara nya gamla rum har den konstnärliga ledaren Jonathan Church satsat på guld. Amadeus, Peter Shaffers mästerverk om musik, konst och de krafter som föder dem båda, är en fantastisk pjäs. När den uruppfördes 1979 blev den en omedelbar succé och en klassiker direkt. Den som såg tv-sändningen av National Theatres 50-årsjubileum anar förmodligen varför.

När man kliver in i salongen förmedlar Simon Highletts enastående scenografi genast en operakänsla. Barocka influenser, marmorytor, glittrande ljuskronor och halvgenomskinliga speglar där projektioner skapar olika miljöer – ett sjukhus som förvandlas till en teater – uttrycket är strömlinjeformat, raffinerat, storslaget och ambitiöst. Mixa detta med de överdådiga kostymerna och du skulle kunna tro att du ser en Mozart-opera på Royal Opera House snarare än en pjäs om relationen mellan Wolfgang Amadeus Mozart och Antonio Salieri.

Och det är något positivt. För Shaffers pjäs är en symfoni, så musikalisk som en pjäs kan bli utan att faktiskt bli opera eller musikal. Den handlar om musik men är inte beroende av den, även om många av dess största stunder lyfts fram av musiken.

En av de stora besvikelserna här är att Church inte lyfter fram musiken så mycket som han borde. Ibland känns det som om Church vill stressa igenom de musikaliska bitarna när dessa ögonblick i själva verket behöver rymd, tyngd och luft för att pjäsen ska gnistra och fungera ordentligt. Scenen där Mozart entusiastiskt berättar om sina planer för Figaros bröllop, eller där han förvandlar Salieris triviala marsch till en odödlig klassiker, går för snabbt. Samma sak gäller scenen där Salieri först inser Mozarts genialitet – där han nästan tappar förståndet av vällust när han hör Mozarts verk – musiken ges inte den plats den kräver. För att dessa ögonblick ska fungera måste publiken få uppleva musikaliteten, miraklet och löftet – det räcker inte med att bara prata om det.

I andra akten säger Salieri följande om Mozarts verk:

”Jag såg med häpnad hur han skapade konst av sitt alldagliga liv. Vi var båda vanliga män, han och jag. Ändå skapade han legender av det vanliga – och jag skapade bara det vanliga av legender!”

Och det beskriver faktiskt Churchs uppsättning väl. Han har tagit något med legendarisk status och potential och gjort det till något ordinärt. Han gör detta trots en inspirerande design, spektakulär rörelse och koreografi av begåvade Stephen Mear (han får folk att stå och röra sig vackert och elegant, vilket förhöjer känslan av tidsperiodens prakt) och en förstklassig ensemble.

Det är en bedrift i sig.

Jessie Buckley är enastående bra som Mozarts fru Constanze. Hon är vacker, rolig, sexig och frisk i sitt spel. Simon Jones är perfektion som den något tafatte kejsar Josef II; hans komiska tajming är superb och hans känsla för det absurda är helt rätt.

Hela hovet är fyllt av små pärlor. Timothy Kightley och John Standing är fantastiska som de gammalmodiga grevarna med makt över enkla dödliga och inflytande över vad som beställs och spelas. Richard Clifford är exceptionellt bra som Baron "Fuga" – hans gestaltning av makt och börd hos denne förmögne mureri-ledare är ständigt närvarande, insiktsfull och präglad av en hånfull visshet.

James Simmons och Derek Hutchinson utnyttjar sina möjligheter som Venticelli till fullo; deras kostymer och intrikata tal var ren fingertärdighet.

Det finns inga svaga länkar i birollerna. De är genomgående utmärkta, där Emily Shaws Katherina Cavalieri, Jack Edwards kock och Jeremy Bennetts hovmästare är särskilt fina. Marc Antolin och Harry Francis sticker ut i ensemblen.

Men pjäsen fungerar bara om Salieri och Mozart glänser. Rupert Everett, som precis haft en triumf som Oscar Wilde i The Judas Kiss, känns som ett givet val för Salieri. Han har tyngden, den komiska tajmingen, känslan för det uttalat teatraliska och förmågan att gestalta olika åldrar i samma roll – allt det visade han tydligt som Wilde.

Men The Judas Kiss regisserades av Neil Armfield, inte Jonathan Church.

Everett verkar lite vilse som Salieri. Han är absolut inte dålig, men han lyfter aldrig riktigt. Han är i grunden allt för arg för ofta, och även om han måste rasa mot Gud då det är ett av pjäsens huvudteman, behöver han inte rasa konstant. Salieri är en kall varelse; han är motsatsen till den hetlevrade och impulsive Mozart. Visst kokar han inombords, men han behöver inte bli överdriven och gäll. Särskilt inte så tidigt som Everett spelar ut här.

Kejsar Josef II insisterar berömt och komiskt på att Mozarts musik har ”för många noter”, och samma sak gäller Everetts Salieri. Det är för många vulkanutbrott och inte tillräckligt många stunder av kall, silkeslen, slug, isvit och nästan ljudlös ondska och vrede.

Everett har rätt stil och hans komiska tajming är oklanderlig. Han är särskilt bra som den döende Salieri som inleder och avslutar pjäsen. Men han behöver få in mer flexibilitet och nyans i rollen, för texten bär mer frukt då. (Jag är inte heller helt säker på att den Sweeney Todd-liknande blodkaskaden när hans hals skärs av var varken nödvändig eller önskvärd).

Å andra sidan har Joshua Maguires Mozart inte tillräckligt med noter. Han behöver hitta en röd tråd för karaktären, en konsekvens som ger en rundad helhet. Mozart må vara impulsiv, ful i munnen, opassande, oförskämd och arrogant, men publiken måste bry sig om honom – annars uppnås aldrig de dramatiska höjderna i andra akten. Som nu.

Allt handlar inte bara om det fåniga, irriterande skrattet.

Känslan av storhet, av ansträngningslös excellens och genialitet måste vara ständigt närvarande, tillsammans med självtvivel, osäkerhet och rädslan för hur det ska gå. När Salieri drar åt tumskruvarna i andra akten måste publiken känna och känna med Mozarts smärta.

Men här, när Maguire grimarserar och ler stort utan att förmedla den genuina förtvivlan Mozart känner över att hans verk inte uppmärksammas och att jobben uteblir, kommer den enda empatin för honom genom relationen med Constanze.

I båda fallen verkar det handla mer om regival än om skådespelarnas skicklighet. Både Everett och Maguire borde kunna leverera förstklassiga, lysande rollprestationer. Men de gör det inte riktigt. Kanske kommer det när föreställningen spelats ett tag och deras självförtroende och förtrogenhet med pjäsen växer.

Trots detta har uppsättningen mycket som talar för sig. Det är aldrig tråkigt, den är vacker att titta på och texten har inte förlorat något av sin glädje. Detta stycke, Salieris erkännande av Mozarts talang i kombination med Mozarts gudomliga komposition, är fortfarande ett av de mest suggestiva ögonblicken som skrivits för den moderna scenen:

Helt makalöst! På papperet såg det inte ut som någonting! Inledningen enkel, nästan komisk. Bara en puls. Fagotter, bassetthorn – som ett rostigt dragspel. Och sedan, plötsligt, högt ovanför det, en oboe. En enda ton som hänger kvar där, orubblig. Tills en klarinett tog över den och förvandlade den till en fras av sådan glädje! Det här var inte en komposition av en dressad apa! Det här var musik jag aldrig hade hört. Fylld av sådan längtan, en sådan ouppnåelig längtan. Det kändes som om jag hörde Guds egen röst.

Och på sitt sätt utgör det nyckeln till pjäsen.

Förhoppningsvis, om uppsättningen flyttas till West End, kommer Church att vrida om den nyckeln ordentligt och låsa upp de versioner av Salieri och Mozart som Everett och Maguire faktiskt har kapacitet att leverera.