CRITIQUE : Flames, Waterloo East Theatre ✭✭✭

Flammes

Théâtre Waterloo East

14 mai 2015

3 étoiles

Un cimetière avec quelques tombes délabrées de travers; quelques arbustes nus; le dispersés et remuements de feuilles mortes; et le goutte-à-goutte régulier et le crépitement de la pluie hivernale mise pour la journée fournissent le cadre atmosphérique pour FLAMMES, le dernier ouvrage de Stephen Dolginoff, maintenant présenté sous l'arche ferroviaire du Théâtre Waterloo East. Dolginoff est mieux connu pour Thrill Me, sa fine comédie musicale de 2005 inspirée de l'affaire Leopold & Loeb qui avait auparavant inspiré des films tels que La Corde et Compulsion. Cependant, un coup de tonnerre massif et des octaves dégoulinants sur un piano, plus honky-tonk que Steinway, signalent dès le départ que nous voyageons au cimetière de Highgate à Londres au lieu de Hyde Park à Chicago et vers un monde de frissons directs de cimetière plutôt que la quête du Surhomme de Nietzsche et du meurtre parfait.

Un couple émerge des ombres pour rendre hommage à une tombe au centre de la scène. Meredith (Abi Finley) pleure la perte de son fiancé, Edmund, décédé dans un incendie il y a exactement un an. Elle est accompagnée du meilleur ami et collègue proche d'Edmund, Eric, (David O’Mahony), qui cherche à la rassurer dans un numéro d'ouverture insinuant que l'heure est venue de passer à autre chose et qu'ils devraient peut-être confirmer leur connexion et sortir ensemble. Cependant, les circonstances de l'incendie et de la mort d'Edmund continuent de la préoccuper et fournissent le moteur pour tous les rebondissements qui se développent le reste de la soirée. Alors qu'Eric retourne à leur voiture, un autre homme apparaît (Bradley Clarkson) prétendant être Edmund revenu d'une tombe qu'il n'a jamais réellement rejointe. Il présente une version très différente des événements où il a échappé au feu dans lequel on prétend qu'il a péri. Il veut revenir pour laver son nom de la fraude aux économies dont il était accusé au moment de sa mort, reprendre la vie là où il s'est arrêté et confronter son meurtrier présumé. Ce développement de l'intrigue établit le thème dominant et la source de tension au sein du spectacle musical, à savoir, 'Quel personnage, le cas échéant, dit la vérité, et lequel, si l'un d'entre eux, devrions-nous finalement croire ?' Meredith doit-elle croire ce récit, et en fait, les personnages sont-ils vraiment ceux qu'ils prétendent être ?

C'est donc dans les relations, plutôt que dans les crimes, que les frissons sont censés résider. Cela se reflète dans l'équilibre entre dialogue, musique et action. Le cadre du cimetière est principalement décoratif : des bouffées rhétoriques d'oxygène liquide et des tonnerres prolongés (avec la contribution supplémentaire occasionnelle d'un train passant au-dessus) ponctuent chaque nouveau rebondissement mais ne glacent pas la moelle. Au contraire, l'accent est mis sur les débats entre les personnages pour se convaincre les uns les autres et nous de leur culpabilité ou innocence. Une grande partie de la musique prend la forme de chansons en solo qui se transforment en duos de débats soutenus de manière élaborée. Cela pourrait être assez statique entre de mauvaises mains mais la fluidité du mouvement est maintenue adroitement par le metteur en scène Garry Noakes, malgré le décor encombré; et sans vouloir trop en dévoiler, dans les scènes finales, le directeur de combat Cristian Valle fait en sorte que les trois joueurs en viennent aux mains très plausiblement. Étant donné que le livre, la musique et les paroles sont l'œuvre du même homme, ils ne peuvent vraiment pas être jugés séparément. La première chose à dire est que c'est une œuvre très sophistiquée et habile. Le dialogue est incisif, serré et spirituel mais aussi naturellement crédible et affectueux quand il le doit. Dolginoff est habile à mettre en place les conflits émotionnels d'une manière qui rend la transition des mots à la musique tout à fait naturelle. Les paroles peuvent être assez verbeuses et de manière consciente intelligentes; mais l'écriture musicale peut faire face à l'exhibition verbale continue sans trébucher, en grande partie parce que les paroles sont toujours portées par l'intrigue, faisant avancer l'action plutôt que de nous bloquer dans une humeur ou une autre trop longtemps. La musique est généralement propulsive, mettant en avant les mots avant tout plutôt que de les submerger, mais avec des pauses de repos plus calmes pour cristalliser un point et souligner une nuance émotionnelle. Les points de pédale palpitants dominent, avec un style arioso flottant au-dessus dans la voix. Il y a des séquences d'accords frappantes et des taches harmoniques intéressantes à la manière de Sondheim qui signalent des changements d'humeur et des phrases mélodiques flottées qui capturent puissamment les aspirations émotionnelles et lyriques des personnages. Cependant, l'ensemble de la pièce présente une incertitude de ton qui ne convainc pas entièrement. La soirée commence par un thriller honnête mais semble ensuite changer lorsque les rebondissements de l'intrigue se multiplient pour devenir une parodie consciente du genre à la place. Il n'y a rien de mal à cela, mais à certains moments, en particulier dans les scènes rapides, presque farcesques plus tard, il n'était pas clair quel point de vue devait prédominer, s'il fallait empathiser ou simplement rire des caractères. La nuit de ma visite, il y avait clairement des rires dans les mauvais endroits, et le public ne savait pas quoi faire du ton émotionnel. Si le précédent et plus célèbre travail de Dolginoff reflétait très bien les thèmes et les tropes de Sweeney Todd, ce thriller appartient finalement plus à côté de la facétie gothique du Rocky Horror Picture Show. Si c'est le cas, cela tenait-il plus aux performances ou au matériel ? Je pense que la réponse se trouve entre les deux. Il s'agit d'une œuvre moindre que Thrill Me parce qu'elle essaie simplement de faire trop et est trop intelligente de moitié, au moment où nous atteignons la fin. Mais pour réussir les changements rapides de ton, elle a également besoin de performers pour accélérer le rythme des dialogues et les jouer avec le sérieux mortel rapide que Noël Coward disait être le secret de la meilleure comédie. Mon sentiment est que, à mesure que l'exécution progresse et que les joueurs deviennent plus confiants dans le cadre et avec les autres, ce sera le cas. Cela dit, les trois acteurs ont tous chanté avec confiance et exprimé à la fois une intensité émotionnelle réelle et simulée selon les exigences de l'intrigue. À leurs côtés, Mathew Eglinton fait tout ce qui est nécessaire pour accélérer le rythme, une fois que la musique intervient, et génère une atmosphère sinistre, tonitruante et chargée de destin au clavier. Flammes se poursuit jusqu'au 31 mai 2015 au Théâtre Waterloo East