CRÍTICA: Les Misérables, Teatro Queens, Londres ✭✭✭✭✭

Douglas Mayo faz a crítica de Les Misérables, encenado por Trevor Nunn e John Caird, enquanto se prepara para terminar a sua extraordinária temporada no Queen's Theatre, em Londres.

Les Misérables

Queen's Theatre, Londres

11 de julho de 2019

5 estrelas

Como o maluco por musicais que sou, não havia maneira de eu não ir despedir-me da produção de Les Misérables de Trevor Nunn e John Caird no Queen's Theatre — em breve rebatizado Sondheim Theatre.

Talvez a maior decisão tomada por Cameron Mackintosh em relação a Les Misérables tenha sido aceitar a proposta de Trevor Nunn para produzir o espetáculo inicialmente no Barbican Theatre, sob os auspícios da Royal Shakespeare Company.  Reunindo uma das melhores equipas de produção alguma vez formadas, avançaram para criar um musical baseado no romance de Victor Hugo que não só desconcertou os críticos iniciais como viria a ter uma temporada mais longa do que qualquer outro musical na história do West End — primeiro no Palace Theatre e depois no Queen's. Acabaria por conquistar a Broadway e ter duas reposições, para não falar das produções que passaram por 52 países em todo o mundo.

A produção que encerra esta noite (sábado, 13 de julho de 2019) teve bilhetes raríssimos esta semana, com fãs a afluírem para um último olhar — e não ficámos desiludidos.

A beleza de Les Misérables, tal como imaginada por Nunn e Caird, é que ao longo das 3 horas de espetáculo o público é transportado por 17 anos e por metade de França, enquanto Jean Valjean é perseguido por Javert. Com uma apresentação de um cinema sem esforço, o elenco incrível deste espetáculo, juntamente com um batalhão de equipa de bastidores, faz tudo parecer brincadeira de crianças — mas não se deixe enganar! . Olhe com atenção e vai perceber que, com exceção de dois objetos muito grandes e de um armazém cheio de mesas, cadeiras, chávenas, garrafas e o ocasional carro, o que vê é a versão de John Napier de uma black box. Pede-se ao público que traga a sua imaginação para completar a equação. As barricadas de Napier são membros deste elenco. Continuo maravilhado com a forma como eles deslizam quase baleticamente pelo palco, rodopiando e fundindo-se uns nos outros com uma facilidade impressionante. Combinado com a infame plataforma giratória, é um feito que nos fazia querer voltar para ver o que Napier faria a seguir!

Dean Chisnall como Jean Valjean. Foto: Johan Persson

Dean Chisnall assume o papel de Jean Valjean. É uma interpretação de primeira linha, das melhores que já vi. Sempre cheio de subtileza, Chisnall capta com elegância a frustração, a raiva, a fé e a compaixão deste homem extraordinário. É um papel vocal tremendo e seria fácil, por vezes, exagerar na emoção — sobretudo no prólogo de abertura —, mas aqui está tudo controlado com aparente naturalidade. Trata-se de interpretar a verdade daquilo. Não há necessidade de teatralidades, e o exemplo máximo surge na prece que é Bring Him Home: a plateia em silêncio, a quietude palpável e a interpretação desta canção, requintada.

A perseguir Valjean está o Javert de Bradley Jaden. É um papel complicado: Javert não é o vilão aqui. É um homem que acredita que tudo é preto no branco, sem exceções, e cuja vida é guiada por uma fé profunda. A sua perseguição a Valjean acaba por se tornar o tormento definitivo para este homem da lei, pois Valjean  constantemente desafia as expectativas de Javert.  Sem o saber, Valjean desfaz a própria razão de existir deste homem. Jaden, na maior parte do tempo, parece perceber que não é preciso gritar as letras para gerar autoridade e poder. O lado "público" de Javert — composto e perfeitamente regulado — equilibra-se com os seus momentos privados, sobretudo na aproximação ao suicídio, quando está atormentado e a desmoronar-se. Stars foi um dos pontos altos.

Bradley Jaden como Javert. Foto: Johan Persson

Felizmente, Chisnall e Jaden são uma combinação perfeita, vocal e fisicamente, de modo que a ameaça, o arrepio e o conflito estão presentes do princípio ao fim. The Confrontation foi tão emocionante como alguma vez a vi — e certamente arrebatadora na sua fisicalidade. Essa ameaça manteve-se impecavelmente ao longo da noite, com cada um a nunca passar do ponto, mantendo tudo num fio de navalha.

A dar a miríade de cores a esta perseguição suprema está o ensemble de atores, que não só interpreta as personagens vibrantes que habitam a história de Hugo, como também uma série de personagens ocasionais. Steven Meo e Vivien Parry foram igualmente cómicos e ameaçadores como os infames Thénardier. A azáfama cénica de Master Of The House foi conduzida com grande mestria: cada gargalhada arrancada, e alguns momentos que eu não tinha visto antes mantiveram tudo fresco. Toby Miles (Marius), Elena Skye (Éponine) e Charlotte Kennedy (Cosette) pegaram no Love Montage — que pode ser enjoativo — e infundiram-no de honestidade e vigor, com uma execução quase nota por nota. Samuel Edwards fez de Enjolras um revolucionário credível. A perceção de que tudo estava perdido foi palpável, e as suas acrobacias naturais ao sair da barricada rumo à morte foram impressionantes. Carley Stenson, roubou-me o coração com a sua bela interpretação de I Dreamed A Dream.

Carley Stenson como Fantine. Foto: Johan Persson

À parte a sexualidade grotesca de Lovely Ladies (bem feito, meninas), houve interpretações de destaque de Sam Harrison como o dândi sádico Bamatabois, Adam Bayjou como o capataz da fábrica, e James Hume como o Bispo de Digne.

Antony Hansen, Barnaby Hughes, Ciaran Joyce, James Nicholson, Ben Tyler, Joe Vetch, Raymond Walsh e Andrew York estiveram brilhantes como o bando dos Thénardier e como os estudantes. Fui particularmente tocado pelo Grantaire de Raymond Walsh, que estendeu um momento de emoção física a Samuel Edwards durante Drink With Me. Não se poderia pedir uma oferta de emoção mais honesta, nem uma resposta mais verdadeira a esse derrame sentimental.

Vivien Parry e Steven Meo como os Thénardier. Foto: Johan Persson

O excelente desenho de som de Mick Potter, que tornou cada palavra cristalina, também me fez notar as alterações às orquestrações de Christopher Jahnke, Stephen Metcalfe e Stephen Brooker. Desapareceram alguns dos sons sintéticos que faziam parte do ADN musical de Les Misérables. As intenções originais de John Cameron continuam lá, na sua maior parte, mas reparei que alguns acompanhamentos pareciam um pouco mais floridos do que no passado, e levou algum tempo a habituar-me.

A excelente orquestra de Steve Moss esteve em grande forma toda a noite. A partitura cintilou e, sendo um musical, considero estes músicos parte integrante do elenco, oferecendo uma interpretação tão matizada quanto a dos atores em palco.

E agora, o que vem a seguir? Estamos a entrar em território desconhecido. A produção atual de Les Misérables conquistou o mundo e inspirou uma geração de amantes de teatro e de criadores teatrais. A produção londrina era a última ainda em cena da encenação original — a produção que manteve o espetáculo em cartaz durante três décadas. Na Broadway, a nova produção foi apresentada durante a mais recente reposição e, que eu saiba, nunca houve uma mudança tão drástica de uma produção a meio de uma temporada. Custa-me perceber por que razão se achou necessária esta alteração. A produção continua tão vibrante como sempre e ainda parece atrair plateias excecionais. Esta produção é como um Rolls-Royce vintage: artesanato soberbo, engenharia clássica, uma marca fiável e comprovada. Esperemos que este clássico não esteja a ser substituído por um modelo mais barato e mais espalhafatoso, que talvez não aguente a distância — nem leve Les Misérables ao seu 50.º ano.

Por fim, um obrigado a todos os atores, equipa, staff de sala, músicos e direção que, com carinho, mantiveram esta produção em cena. Tantas pessoas estiveram envolvidas nesta produção ao longo dos anos — não só aqui, mas em todo o mundo — e a todos vocês digo: obrigado.

COMPRE BILHETES PARA A NOVA PRODUÇÃO DE LES MISÉRABLES