REZENSION: Catch Me, Above The Arts Theatre ✭✭✭

Catch Me

Above The Arts Theatre

23. November 2016

3 Sterne

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Es ist wirklich aufregend, ein überaus vielversprechendes neues Autorenduo für Musicaltheater zu entdecken: Arnoud Breitbarth und Christian Czornyj. Ihr Debütstück „Catch Me“ hat gerade in einer Kammerproduktion im Upstairs-Raum über dem The Arts Theatre im West End eröffnet. Breitbarth und Czornyj arbeiten in allen Bereichen des Schreibens zusammen und teilen sich Buch, Musik und Songtexte: eine, wie sie selbst sagen, lebendige Zusammenarbeit – und eine, die auf eigenwillige Weise originelle Früchte trägt. Anfang des Sommers sah ich einen Workshop mit anderem Material von Breitbarth, präsentiert im Rahmen von Mountview Academys inzwischen eingestelltem Kurs „Writing Musical Theatre“, dessen Absolvent er ist. Es ist ein wenig schade, dass Mountview einen Kurs nicht fortführen konnte, der – wie dieses bemerkenswerte Werk zeigt – bereits ein sehr gutes neues Musical hervorgebracht hat. Allerdings sind die finanziellen Zwänge, unter denen solche Kurse laufen müssen, enorm: Das ist natürlich eine Frage, die sich Förderinstitutionen stellen müssen.

Ganz schlicht: Wir sehen eine offene Bühne, auf der ein großer neuer Sarg steht (Czornyjs eigenes Bühnenbild – möglicherweise ist er auch fürs Licht verantwortlich), in einer Szenerie, die an Ortons „Loot“ erinnert. Es folgt ein Eröffnungschor mit ausgesprochen schöner Musik, klangvoll gesungen vom fünfköpfigen Ensemble, der sofort die große musikalische Stärke dieser Partnerschaft erkennen lässt. Dann beginnt die erste Szene: Es ist der Tag vor Deans Beerdigung. Seine trauernde Verlobte Sarah (Kathryn Pemberton, nervös aufgeraut, aber souverän) empfängt die befreundeten Eheleute Christine (die bestimmend-weltläufige Jennifer Tilley) und Colin (der unerträgliche, religiös eifernde Neal Andrews) – sowie zwei Kandidaten für die Rolle des „besten Freundes“: Harry (athletisch-maskulin und ausgesprochen gut aussehend: Connor Arnold) und Marc (kantig, neurotisch, Asperger-haft obsessiv und wörtlich denkend: Matthew Munden). Wein wird aufgetischt, und sie umkreisen einander, stoßen an freiliegende Empfindlichkeiten und Verletzlichkeiten, während der Alkohol Hemmungen und Zungen löst. Es gibt viel Humor und ein paar gelungene theatrale Drehungen – vor allem jene, die die erste Hälfte beschließt.

Nach der Pause gelangen wir zum Tag der Beerdigung, und das Publikum glaubt, diese Figuren nun zu durchschauen und zu wissen, woran es ist: Genau dort spielen die Autoren ihre Trumpfkarte aus und bringen das ganze Spiel mit einer großartigen Wendung in herrliche Unordnung – ein prächtiges Bouleversement, das uns in eine völlig andere, unerwartete Richtung stößt. Die kürzere zweite Hälfte ist musikalisch dichter als die erste, hat deutlich mehr Bühnenhandlung, greift bis ins Publikum aus, ist wilder, und drängt auf eine Auflösung der Spannungen zu, die zwischen diesen unangenehm unpassenden Menschen aufgebaut wurden.

Die Musik bleibt durchweg stark und gewinnt in der zweiten Hälfte noch an Kraft. Sprachlich könnte Breitbarths niederländische Herkunft etwas mit manchen leicht geschniegelt-unidiomatischen Formulierungen zu tun haben – oder sie liegen in Czornyjs Hintergrund: Im Dialog sind die beiden deutlich mehr zu Hause; der spricht so selbstverständlich, dass man meint, er stamme von anderen Händen – was nicht der Fall ist. Ausgehend von der Premiereninszenierung wird es womöglich Änderungen an Platzierung und/oder Struktur einiger Musiknummern geben, aber genau dafür sind Werkstattproduktionen da. Die Ausstattung ist auf ein absolutes Minimum reduziert: eine Handvoll Stühle und ein paar Weingläser sowie ein Stapel ungeöffneter Post. Die Band ist ein Trio aus Klavier, Cello und Gitarre, angeführt von Rebecca Grant am Keyboard, mit Arrangements des Gitarristen Connor Gallagher (der eine detaillierte Partitur ausgearbeitet hat), unterstützt von Emma Melvyn. Die hervorragenden Vokalarrangements stammen von den Autoren.

Das einzige bisher noch nicht erwähnte Ensemblemitglied ist der Verstorbene selbst: Dean (Reuben Beau Davies, kämpferisch und ungemein charismatisch). Er steht hier stellvertretend für einen von 4.500 britischen Männern unter 45, die sich jedes Jahr das Leben nehmen – Suizid ist in dieser Altersgruppe die Todesursache Nummer 1. Das Theater ist voller berühmter Suizide, etliche davon Männer, und viele von ihnen in engen Beziehungen. Shakespeare schrieb zahlreiche solche Rollen, und viele weitere großartige Autorinnen und Autoren sind ihm seither gefolgt. In den meisten Fällen erhalten die Selbstzerstörer ziemlich klare Motive für ihr Handeln; außerdem wird – ob in Beziehungen oder nicht – die Natur ihrer emotionalen Verstrickungen meist als Teil ihres tragischen Schicksals gezeigt (denken Sie an Romeo und Julia oder Antonius und Cleopatra). Hier ist das anders. Es ist tatsächlich gar nicht so leicht, eine so vitale, lebendige Figur – wie einer von David Mercers Rebellen – unter den ayckbournschen Durchschnittsmenschen zu verorten, die sich um seinen Sarg versammelt haben.

Ich verließ die Vorstellung sehr beeindruckt von der handwerklichen Leistung, aus diesem Material ein raffiniertes Kammermusical gebaut zu haben – war aber zugleich eher im Unklaren darüber, welche Gründe die Handlung eigentlich vorangetrieben hatten. Das könnte ein Bereich sein, den die Autoren aufgreifen möchten, wenn sie im Verlauf der Aufführungsserie bei Above the Arts über das Stück nachdenken.

Catch Me läuft bis zum 3. Dezember 2016.

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