REZENSION: Cream, Canal Café Theater ✭✭✭

Cream Canal Café Theatre

2. Juli 2017

3 Sterne

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Die Leute, die für dieses kalorienreiche Soufflé am frühen Abend mit mir am Tisch saßen, sagten, sie seien wegen zweier Dinge im Ankündigungstext ins Theater gelockt worden: dem Versprechen von etwas „urkomischem“ und „Musical Comedy“. Mehr muss man nicht sagen. Sie wussten, was sie wollten – und sie bekamen es in Hülle und Fülle. Vier unerschrockene Showbiz-Typen – Danielle Morris, Brendan Matthew, Katriona Perrett und Daniel Mack Shand – standen zusammen mit dem großartigen Musical Director Aron Clingham auf der Bühne, um gut eine Stunde voller Witz und Wärme abzuliefern: eine Nummernrevue, randvoll mit Songs aus vergessenen, gescheiterten, abservierten oder verrissenen Musicals vergangener Jahre. Und das charmante junge Paar neben mir war mit dem, was es bekam, restlos zufrieden.

Der Opener – eine kleine Ausnahme – ist „It’s A Musical“ aus dem keineswegs zerfetzten „Something Rotten“, und es ist auch wirklich sehr angenehm, das wieder zu hören. Mit nicht nur Regie, sondern auch Choreografie von Tim McArthur, dessen Talente scheinbar grenzenlos sind, hat die Nummer jede Menge Charme und setzt gewissermaßen den Ton des Abends. Rasch geht es weiter mit „I’m Ev’rybody’s Girl“ aus Kander und Ebbs „Steel Pier“, voll von perfekten Dreifachreimen und frecher Amoralität, dann mit einem weiteren Schmankerl, „Blue Crystal“ aus dem ebenfalls gebeutelten „The Rink“, und schließlich „It’s A Business“ aus dem nahezu vollständig in Vergessenheit geratenen „Carmen“ desselben Teams.

Wieder diesseits des großen Teichs entdecken wir die verborgenen Freuden von Tom Jones’ (ja, GENAU dem Tom Jones) Partitur zu „Matador“, einer Show, die vermutlich eher für ihr Poster bekannt ist als für irgendwelche Aufführungen, die jemand tatsächlich gesehen hat: „The Boy From Nowhere“ hat einen wundervollen Text und eine fein geformte Melodie – völlig zu Unrecht ignoriert. Na ja, eigentlich hat Michael Ball das aufgenommen. Man sieht: Kenner*innen wissen, wie man solche Dinge am Leben hält; und das gilt für vieles aus dem Repertoire dieses Abends.

Der komisch bezaubernde Hobbits’ Song aus „Der Herr der Ringe“ ist – ganz ehrlich – jenseits jeder Parodie: eine überschäumende Feier des Kauderwelschs. (Und Kauderwelsch ist keine offizielle Hobbit-Sprache; es ist der Effekt, den Matthew Warchus und Sean McKenna mit ihrem – zweifellos bewusst – grauenhaft unbeholfenen Geschwafel erzeugen.) Das Herz hüpft, wenn man großartige Künstler*innen entdeckt, die zu großen Sünden fähig sind – und mehr davon, das freut Sie sicher zu hören, kommt noch…

Ein Mash-up aus 80er-/90er-Jukebox- bzw. Katalog-Musicals liefert etwas Fußwippendes aus „9 to 5“ (eine Show, die auf der Bühne wunderbar funktioniert – und ich werde jede*n, der*die mir widerspricht, notfalls bis zum Tod mit zusammengerollten Programmheften auf dem Parkplatz bekämpfen), aus „Flashdance“ – das schon fragwürdiger ist – und aus dem wirklich schrecklichen „Viva Forever“. Mild ist das allerdings im Vergleich zu den Schrecken des grotesken „Sherlock Holmes“ von 1989: ein Werk aus dem gröbsten, kitschigsten Musical-Füllmaterial.

Im Wettbewerb damit spaltet „March of the Falsettos“ noch immer die Meinungen. „Four Jews in A Room, Bitching“ klingt furchtbar, soll es aber auch. Und ich muss es Ihnen sagen, Leute: Diese Show geht nicht weg. Im Gegenteil – sie kommt zurück. Jeden Moment. Frischen Sie Ihren Talmud auf. Und lesen Sie nebenbei auch etwas über Fuge und Kontrapunkt, denn die Partitur ist, wenn schon sonst nichts, neurotisch „anspruchsvoll“.

Und dann zurück nach Großbritannien – und zu dem opulenten Fahrstuhl-Crash, der „Metropolis“ war. War? Ist? War? Ist? Das Stück wird im umtriebigen Ye Olde Rose and Crowne wiederaufgenommen (MD vor Ort: niemand Geringeres als Maestro Clingham selbst, im Oktober 2017 – Buchung jetzt geöffnet!!). Zugegeben: Der Hauptgrund, diese Show zu hassen, war das Auftreten von Brian Blessed in der dominierenden Rolle: Ich habe sie dreimal gesehen, und bis heute kann ich Ihnen nicht sagen, was er eigentlich tun sollte – aber ich kann Ihnen sagen, dass er in fast jeder Szene war. Oder es fühlte sich zumindest so an. Eigentlich war er wohl einfach „fehlbesetzt“: Er tat, was er konnte, um einen guten Job zu machen, aber es half nicht wirklich. Die Show wird zu Unrecht vernachlässigt. Sie hat zum Beispiel einen der besten, den allerbesten Auftakte zum zweiten Akt, den ich je gesehen habe – besonders mit der glamourösen Choreografie und den Kostümen, die sie am Piccadilly bekam –, aber das allein reichte leider nicht, um eine solche Leiche wiederzubeleben. Schade. Ein Song wie „It’s Only Love“, der in dieser Revue vorkommt, ist es wert, gehört zu werden.

Die Bootsbau-Szene aus „Moby Dick“ dagegen ist es nicht. Eine schwache Nummer aus einer Show, die deutlich besseres Material zu bieten hat. Wenn der Sinn dieser Mixtur jedoch auch gelegentlich darin besteht, ein wenig Salz in die Wunden erschlagener Unterhaltungen zu reiben, dann könnte kaum etwas mehr brennen als das. Es ist grauenhaft.

Ganz anders der große Liebessong aus „Les parapluies de Cherbourg“. Wie bitte? Sie sprechen kein Französisch? Zut alors! Die Show heißt – auf Englisch – „The Umbrellas of Cherbourg“. Eine zarte Süßigkeit, gesponnen aus dem Zucker von Michel Legrands sirupartigen Melodien und getragen von nichts als gallischem Selbstvertrauen. Nimmt man das Französische weg, zerfällt alles zu ungenießbarem Staub. „I will wait for you“ wird hier bis zum x-ten Grad ausgewalzt, weit über die Belastungsgrenze des Publikums hinaus, und als grausame, herzlose Farce serviert. Aua. Michel, es tut mir leid, dass sie dir das antun!

Und dann „Out, out, out!“ aus „Batboy“ – woran soll uns das hier noch mal erinnern, genau? Die Show ist eine Satire – irgendwie – und genießt eine Art Kultberühmtheit, die offenbar schon bei der Premiere ihr Hauptziel war. Diese Show ist, als wäre man in einem B-Movie eingesperrt, der einfach nicht enden will. Na ja, es gibt ein Ende – ein gründlich jakobeinisches – und die Songs müssen alle in diesem grausigen Kontext gehört werden. Okay: Ich gebe es zu, ich bin befangen; ich mag diese Show. Na gut, ich mag sie sehr. Wirklich sehr. Ähnlich ist „Glitterboots“ aus dem unfassbar desaströsen – aber ewig wiederaufgeführten – „Saucy Jack and the Space Vixens“ eine weitere Nummer, die man, sobald man sie von Leuten wie Jamie Birkett und Co. gehört hat, nicht mehr aus dem Blut bekommt. Sie infiziert einen. Und hier bekommen wir sogar die Originalchoreografie (ich fordere jede*n, wirklich jede*n heraus, diese Show ohne sie zu inszenieren!). Was soll man daran nicht lieben? Es ist wie eine nicht besonders gute Tanznummer aus „Top of the Pops“. Ist das ein Verbrechen?

Wie steht’s dann mit „Dance of the Vampires“, einer Show, die sich nicht getraut hat, im Licht eines West-End-Theaters aufzutauchen, und die doch in den meisten germanisch-magyarischen Ländern immer weiter und weiter läuft, als könnte sie nichts jemals verdrängen. Die Jim-Steinman-Nummer „Total Eclipse of the Heart“ wird – angeblich – in dieser Show verwendet, aber wo? Ich finde sie nicht in der Songliste. „Warum versuchst du überhaupt, das herauszufinden?“, höre ich Sie fragen… Keine Worte – außer dem Hinweis auf die erschütternd komische Inszenierung, die der Song hier bekommt, und – nein, nein, nein – weder Folter noch Geld werden mir weitere Details entlocken. Gehen Sie hin und sehen Sie es selbst. Das ist der Höhepunkt der Show, der Moment, in dem die Magie wirklich passiert! (Schön wäre es, wenn es in der guten Stunde mit diesen entzückenden Leuten ein paar mehr solcher Momente gäbe, aber es ist, wie es ist.)

Ach ja, und es gibt eine Coda. Wir schließen mit der schönen, Liza-esken Markennummer aus Cy Colemans „See-Saw“: „It’s Not Where You Start, It’s Where You Finish“. Und da kann ich nur zustimmen. Ja, diese ganze Show – hastig in kaum einer Woche zusammengeschustert – würde mit etwas mehr Proben und Feinschliff wahrscheinlich noch mehr glänzen, aber das Ende ist voller optimistischer Verve und guter Laune. Und es ist noch nicht vorbei. Hören Sie weiter zu, und behalten Sie die Bühne im Blick! Sie werden es nicht bereuen.

Jeden Sonntag bis 23. Juli

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