KRITIK: Orsons Schatten, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

John Hodgkinson als Orson Welles und Adrian Lukis als Laurence Olivier, mit Ciaran O’Brien als Sean. Foto: Elliott Franks Orson's Shadow

Southwark Playhouse

06/07/15

5 Sterne

Gibt es wirklich noch mehr zu sagen über die Oliviers – Larry, Vivien und Joan? Oder über Orson Welles, wenn wir schon dabei sind? Das waren die Fragen, die mir durch den Kopf gingen, als ich mich im Southwark Playhouse zur Pressevorstellung von Austin Pendletons Stück niederliess, das die eine Episode aus dem wirklichen Leben neu imaginiert, in der Welles, Olivier und Joan Plowright tatsächlich einmal zusammenarbeiteten – bei einer Royal-Court-Produktion von Ionescos Rhinoceros aus dem Jahr 1960, inszeniert von Welles. Angesichts der vielen Schichten kritischer Einordnung, Biografien – gute, schlechte und beschämende –, Briefe, Memoiren und Klatsch von allen Seiten: Haben wir nicht längst ein vollständiges Bild sowohl des verzweifelt traurigen Psychodramas der Ehe zwischen Leigh und Olivier als auch des langsamen, umkämpften Niedergangs von Welles’ Karriere nach ihrem goldenen Beginn mit Citizen Kane?

Tatsächlich gelingt es Pendleton, uns weit über die biografischen Oberflächen hinauszuführen – und stellt dabei einige sehr tiefe und schwierige Fragen. Wie können selbst die grössten Talente in der Lebensmitte vom Weg abkommen, und wo verläuft in Beziehungen, die von schweren psychischen Erkrankungen geprägt sind, der unbeirrbare Pfad der Pflicht? Zugleich bietet er wichtige Einsichten in die Rolle der Theaterkritik, die jeweiligen Vorzüge einer Karriere auf der Bühne oder im Film, wie Ereignisse des Privatlebens in die kreative Arbeit hineinbluten – und wie Schauspielerinnen und Schauspieler in der Darstellung die Alchemie zwischen erlernter Technik und psychologischem Instinkt miteinander versöhnen. Wenn diese Zusammenfassung den Eindruck erweckt, es handle sich um ein Stück ausschliesslich für Theater-Insider, ist es umso wichtiger zu sagen, dass dem mit Dialogen begegnet wird, die zugleich witzig und zart sind, sowie mit visueller Situationskomik, die reichlich fliessende Bewegung und allerlei Theatergeschäft zum Beobachten bietet. Pendleton hat Vivien Leigh kennengelernt und mit Welles gearbeitet, daher ist das Stück mit einer Empathie geschrieben, die aus persönlicher Kenntnis stammt – ohne jemals in Hagiografie oder ein bittendes Plädoyer abzurutschen.

Pendletons dramaturgischer Coup ist es, Kenneth Tynan in die Gleichung einzuführen. Tynan erscheint hier als der Mann, der Olivier und Welles dazu bewegt, für das Stück zusammenzuarbeiten. Tatsächlich stimmt das nicht, aber dramaturgisch ist es schlüssig: Er war wirklich mit beiden befreundet und wollte alles tun, um Welles’ Filmkarriere wieder anzuschieben und Teil von Oliviers Team bei der Gründung des National Theatre zu werden. Er ist in jeder Phase Katalysator und Kommentator des Geschehens. Es gibt zwei Akte. In der ersten Szene sprechen Tynan und Welles hinter der Bühne in Dublin und stecken den Rahmen für das Folgende ab; in der zweiten wechseln wir hinter die Bühne am Royal Court, wo wir Olivier erleben – frisch von seinem Erfolg in The Entertainer – und bereits in dem komplexen Prozess, Leigh zugunsten von Plowright zu verlassen. In vielerlei Hinsicht ist dies der beeindruckendste Teil des Textes: Er bietet allen Beteiligten grosse Chancen, während Olivier und Tynan miteinander fechten, Plowright um ihre eigene Identität ringt und die Spannungen, Loyalitäten und selbstzerstörerischen Manipulationen in der Ehe der Oliviers in einem exquisit vorbereiteten Telefonat offengelegt werden. Der zweite Akt führt uns auf die Probebühne für Rhinoceros und konzentriert sich auf die kreativen Differenzen zwischen Welles und Olivier, während Letzterer damit kämpft, seine Technik an die Anforderungen des absurden Theaters anzupassen. Zuspitzen tut sich alles, als Leigh die Proben unerwartet besucht – und jede Figur schliesslich ihre Maske ablegt und bis auf den Grund freigelegt wird.

Insgesamt gibt es sechs Figuren, und jede und jeder der Darstellenden liefert eine präzise kalkulierte, ausdrucksstarke und detailreiche Leistung. Es gibt keine Schwachstelle – und das Casting verdient volle Anerkennung dafür, ein rundum stimmiges Ensemble zusammengestellt zu haben. In den kleineren Rollen spielt Ciaran O'Brien einen jungen Bühnenmanager, Sean, und Louise Ford übernimmt Joan Plowright. Beide Figuren sind bei Pendleton nur leicht skizziert, und keine ist als direkte Imitation angelegt. O'Brien trifft die unbeholfene, linkische Heldenverehrung eines jungen Aspiranten sehr gut, und Ford nutzt die Möglichkeiten, die ihr gegeben werden, voll aus, um zu zeigen, dass ihre Figur kein blosses Anhängsel ist, sondern stets eine Schauspielerin mit eigener, scharfer Intelligenz. Sie balanciert Liebe und Genervtheit gegenüber Olivier geschickt – und steht mit Welles gemeinsam für die Moderne im Theater ein.

Edward Bennett verkörpert Tynan sehr glaubhaft. Er trifft die körperlichen Merkmale überzeugend – das Stottern, den Husten als Zeichen eines beginnenden Emphysems, und die übertriebene Ehrfurcht vor seinen Helden. Zugleich zeigt er die Intelligenz, Schärfe, Boshaftigkeit und das geheime Verlangen, ein geliebter Insider zu sein – alles Bestandteile dieser komplexen Kritikerpersönlichkeit. Bennett muss viele potenziell heikle Momente meistern, in denen der Dramatiker die Grenzen des Realismus einreisst und sich direkt an das Publikum wendet. Gelegentlich ist der Text hier einen Hauch unbeholfen, und der Schauspieler schlägt sich klug über die Weichen.

Als Vivien Leigh hat Gina Bellman zwei entscheidende Szenen, in denen sie die „unendliche Vielfalt“ ihrer Figur etablieren muss. Auch hier stimmt die Physis sehr gut – sowohl Haltung und Glamour auf der einen, als auch zerknitterte Verletzlichkeit auf der anderen Seite. Wir müssen spüren, warum Leigh eine so fesselnde Sirene war – auf der Leinwand wie abseits davon – und zugleich einen Blick auf ihre privaten Ängste erhaschen. Bellman ist besonders stark darin, die weniger ausgeschlachteten Seiten der Figur zu zeigen: ihre Intelligenz und ihre Grosszügigkeit anderen gegenüber sowie ihre wehmütige Selbstwahrnehmung der beginnenden Manie und der Form, die sie annimmt. Wenn die Manie dann einsetzt, ist sie angemessen enthemmt und ausser Kontrolle.

Die grössten Herausforderungen liegen darin, Welles und Olivier zu spielen. Sowohl John Hodgkinson (Welles) als auch Adrian Lukis (Olivier) liefern beeindruckende körperliche und stimmliche Imitationen, doch die eigentlichen Stärken ihrer Leistungen – und von Alice Hamiltons geschmeidiger Regie – liegen darin, beide tief in ihr persönliches „Herz der Finsternis“ hinabzuführen. Wir sehen hinter die absichtlich überlebensgrosse Karikatur, die Welles der Welt präsentiert, hinein in seine Verzweiflung, irgendeinen Weg zu finden, seine eigenen Projekte voranzutreiben; und wir erhaschen den Schmerz, die Wut und den Selbstekel eines Mannes, der weiss, dass er zugleich echtes Opfer eines Systems und sein eigener schlimmster Feind ist. Ebenso führt Lukis uns unter die übertrieben abgehackte, brillant polierte Oberfläche von Oliviers Fassade und zeigt, wie er zu einem „Riesen in selbstgeschmiedeten Ketten“ geworden ist. Wie er in seiner eigenen Mythologie gefangen ist und dadurch schlecht gerüstet, berufliche Veränderung anzunehmen. Wie sein Drang, sich selbst und seine Welt zu kontrollieren, eine angstgetriebene Reaktion sowohl auf die Gefahren von Leighs Instabilität als auch auf äussere Zwänge ist; und wie Veränderung auf allen Ebenen einsetzte, als er schliesslich seine „tierische Wachheit“ als Schauspieler wieder durchbrechen liess.

Inszeniert ist das Stück in Arenaform, mit einem reizvollen, neckischen Kontrast zwischen der Künstlichkeit von Bühnensprache und einer gewissen Informalität. Die Hinweise auf den Spielort sind pragmatisch und funktional und lenken nicht vom verbalen Fechten der Darstellenden ab, das Herz und Zentrum der Handlung ist. Während es in den USA bereits mehrere Produktionen gab, ist dies die Europapremiere – und angesichts der Qualität und Intensität von Text und Spiel verdient das Stück eine lange und erfolgreiche Laufzeit.

Orson's Shadow läuft im Southwark Playhouse bis zum 25. Juli 2015