CRITIQUE : L'Ombre d'Orson, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

John Hodgkinson en Orson Welles et Adrian Lukis en Laurence Olivier, avec Ciaran O’Brien en Sean. Photographie : Elliott Franks L'Ombre d'Orson

Southwark Playhouse

06/07/15

5 Étoiles

Y a-t-il vraiment plus à dire sur les Oliviers, Larry, Vivien et Joan ? Ou Orson Welles, d'ailleurs ? C'étaient les questions dans mon esprit alors que je m'asseyais au Southwark Playhouse pour la soirée de presse de la pièce d'Austin Pendleton consacrée à réimaginer le seul épisode de la vie réelle où Welles, Olivier et Joan Plowright ont tous travaillé ensemble - lors d'une production du Rhinocéros de Ionesco en 1960 au Royal Court, mise en scène par Welles. Au milieu des nombreuses couches d'évaluation critique, de biographies bonnes, mauvaises et honteuses, de lettres, de mémoires et de rumeurs de tous côtés, nous avons sûrement une image complète à la fois du psychodrame désespérément triste du mariage entre Leigh et Olivier et du déclin lent et contesté de la carrière de Welles après ses débuts dorés dans Citizen Kane ?

En fait, Pendleton réussit à nous emmener bien au-delà des surfaces biographiques et en cours de route pose des questions très profondes et difficiles. Comment même les plus grands talents peuvent-ils perdre leur chemin à l'âge mûr, et où se trouve le chemin intransigeant du devoir dans les relations affectées par des maladies mentales graves. Il offre également d'importants aperçus sur le rôle de la critique théâtrale, les mérites respectifs d'une carrière sur scène ou au cinéma, comment les incidents de la vie personnelle se mêlent au travail créatif, et comment les acteurs concilient l'alchimie entre la technique apprise et l'instinct psychologique dans la performance. Si ce résumé donne l'impression que c'est purement une pièce pour les initiés du théâtre, il est important de dire que c'est équilibré par des dialogues tour à tour spirituels et tendres, et une comédie visuelle de situation qui offre beaucoup de mouvement fluide et de business théâtral à observer. Pendleton a rencontré Vivien Leigh et travaillé avec Welles, donc la pièce est écrite avec une empathie qui vient de la connaissance personnelle, mais ne sombre en aucun cas dans l'hagiographie ou la plaidoirie spéciale.

Le coup de Pendleton dans la dramaturgie est d'introduire Kenneth Tynan dans l'équation. Tynan est présenté ici comme l'homme qui persuade Olivier et Welles de travailler ensemble sur la pièce. Ce n'est pas vrai en fait, mais c'est dramatique et approprié car il était réellement un ami des deux et voulait faire tout son possible pour relancer la carrière cinématographique de Welles et faire partie de l'équipe d'Olivier dans la fondation du National Theatre. Il est le catalyseur et le commentateur de l'action à chaque étape. Il y a deux actes. Dans la première scène, Tynan et Welles parlent en coulisses à Dublin et mettent en place le cadre de ce qui suit ; dans la seconde, nous passons à l'arrière-scène du Royal Court, où nous trouvons Olivier frais de son succès dans The Entertainer et engagé dans le processus complexe de quitter Leigh pour Plowright. À bien des égards, c'est l'étendue la plus impressionnante de l'écriture qui offre de grandes opportunités pour tous les acteurs alors qu'Olivier et Tynan s'affrontent, Plowright lutte pour établir sa propre identité, et les tensions, loyautés et manipulations autodestructrices du mariage des Oliviers sont mises à nu dans une conversation téléphonique magnifiquement mise en place. Le deuxième acte nous emmène sur le plateau pour Rhinocéros et se concentre sur les différences créatives entre Welles et Olivier alors que ce dernier peine à adapter sa technique aux exigences du théâtre de l'absurde. L'action culmine quand Leigh fait une visite inattendue sur le plateau et finalement chacun des personnages met de côté ses masques et est dépouillé jusqu'à l'essentiel.

Il y a six personnages en tout et chacun des acteurs livre une performance calculée finement et expressive, détaillée. Il n'y a pas de maillons faibles et le directeur de casting mérite tout le crédit pour avoir assemblé une équipe totalement complémentaire. Dans les rôles moins importants, Ciaran O'Brien joue un jeune régisseur, Sean, et Louise Ford prend le rôle de Joan Plowright. Ces deux rôles sont croqués légèrement par Pendleton, et aucun n'est censé être une impersonation directe. O'Brien capture bien l'admiration maladroite et gauche d'un jeune aspirant, et Ford profite pleinement des occasions qui lui sont données pour montrer que son personnage n'était pas un simple passe-partout mais toujours une actrice avec une intelligence remarquable qui lui est propre. Elle équilibre bien son amour et son exaspération envers Olivier et rejoint Welles dans sa défense du modernisme au théâtre.

Edward Bennett incarne Tynan de manière très plausible. Il capture les attributs physiques de manière convaincante - le bégaiement, la toux indiquant un emphysème naissant, et la déférence exagérée devant ses héros. Mais il démontre également l'intelligence, l'acidité, la méchanceté et le désir secret d'être un initié précieux qui faisaient partie de la personnalité complexe de ce critique. Bennet doit négocier de nombreux moments potentiellement délicats lorsque le dramaturge brise les barrières du réalisme et engage directement le public. Occasionnellement, l'écriture est un peu maladroite ici, et l'acteur fait bien en prenant le train en marche.

En tant que Vivien Leigh, Gina Bellman a deux scènes cruciales pour établir la 'variété infinie' de son personnage. Encore une fois, il y a une bonne correspondance physique ici, à la fois de pose et de glamour d'une part et de vulnérabilité froissée de l'autre. Nous devons avoir un sens de la raison pour laquelle Leigh était une sirène si captivante à la fois à l'écran et hors écran, et également entrevoir ses terreurs privées. Bellman est particulièrement efficace pour montrer les aspects moins connus du personnage : son intelligence et sa générosité d'esprit envers les autres et sa conscience de soi mélancolique envers sa manie naissante et la forme qu'elle prend. Quand la manie arrive, elle est convenablement déchaînée et incontrôlable.

Les plus grands défis ici sont de jouer Welles et Olivier. John Hodgkinson (Welles) et Adrian Lukis (Olivier) offrent tous deux des impersonations physiques et vocales impressionnantes, mais la véritable force de leurs performances et de la direction souple d'Alice Hamilton réside dans leur plongée profonde dans leur propre 'cœur des ténèbres' personnel. Nous voyons au-delà de la caricature délibérée et plus grande que nature que Welles présente au monde dans son désespoir de trouver n'importe quel moyen de poursuivre ses propres projets ; et nous apercevons la douleur, la colère et le dégoût de soi d'un homme qui sait qu'il est à la fois une véritable victime d'un système et son propre pire ennemi. De même, Lukis nous emmène au-delà de l'extérieur exagérément coupé et brillamment poli de la façade d'Olivier pour nous montrer comment il est devenu un 'géant dans les chaînes qu'il s'est forgées'. Comment il est pris au piège dans sa propre mythologie, ce qui le rend mal équipé pour embrasser le changement professionnel. Comment son désir d'exercer le contrôle sur lui-même et son monde est une réaction de peur face aux dangers de l'instabilité de Leigh autant qu'à des pressions externes ; et comment le changement est survenu dans tous les domaines lorsqu'il a finalement permis à son 'alerte animale' d'acteur de se manifester à nouveau.

La pièce est mise en scène en rond avec un contraste plaisant et taquin entre l'artifice de la convention scénique et l'informalité. Les gestes vers le décor sont pratiques et fonctionnels et ne distraient pas des duels verbaux des acteurs, qui sont le cœur et le centre de l'action. Bien qu'il y ait eu plusieurs productions aux États-Unis, c'est la première en Europe, et pour la qualité et l'intensité de l'écriture et de l'interprétation, elle mérite une longue et fructueuse carrière.

L'Ombre d'Orson se joue au Southwark Playhouse jusqu'au 25 juillet 2015