REZENSION: Die Quentin Dentin Show, Originalaufnahme der Londoner Besetzung ✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert die Original-London-Castaufnahme von The Quentin Dentin Show.

Die Quentin Dentin Show – Original London Cast Recording 4 Sterne Jetzt ein Exemplar kaufen  Es hat etwas besonders Passendes, dass eine Show, in der sich alles um Popmusik dreht, im Albumformat präsentiert wird.  Tatsächlich fühlten sich die Bühnenproduktionen von „Quentin Dentin“ (und davon gab es bislang acht – was die ständigen Überarbeitungen des Werks durch den Schöpfer Henry Carpenter widerspiegelt) auf die eine oder andere Weise stets eher wie Live-Rock-’n’-Roll-Gigs an als wie Inszenierungen eines konventionellen „Book“-Musicals.  Zuletzt am Tristan Bates Theatre – mit einem von dem angesagten Autor und Performer Tom Crowley neu geformten Buch und in einer Produktion von Adam Lenson – trat dieser Aspekt noch stärker hervor: Musiker in weißen Overalls waren rund um die schematische Andeutung eines häuslichen Interieurs verteilt.  Und genau diese Fassung der Partitur bildet die Grundlage für die Castalbum-Aufnahme. Die magische neue Zutat ist hier der Plattenproduzent (und Mitgründer von The Kooks) Paul Garred.  Garred und Carpenter arbeiten auch abseits davon mindestens an einem weiteren großen Projekt, und die Vertrautheit zwischen den beiden ist hier deutlich spürbar.  Das Album startet mit einer dreckig-grungigen Collage aus Radiogeraune im Hintergrund – ganz im Stil der „Concept Albums“ der 1970er, die gerade wieder schwer in Mode kommen.  Danach geht es in einen wuchtigen, Britpop-getränkten, synthlastigen Titelsong, der wie ein ziemlich klassischer „I want“-Song klingt.  Garred gibt den Stimmen den Raum, den sie brauchen, und man würde gern länger in ihrer Gesellschaft bleiben – doch die meisten Tracks sind so kurz, dass es fast schon knapp wirkt.  Ähnlich in Carpenters Schreiben: Die Lyrics – klug und handwerklich fein gebaut, oft mit einer stechenden sozialpolitischen Schärfe – purzeln in solcher Dichte heraus, dass man sich dabei ertappt, nach einer Gelegenheit zum Durchatmen zu verlangen: um zu verarbeiten, was man hört, und das Ganze überhaupt erst zu verdauen. https://www.youtube.com/watch?v=rlnlSD87fhU Dennoch ist die Heiterkeit von Songs wie „Lemons“ ein Vergnügen.  In der Titelrolle singt Luke Lane präzise und mit Respekt für Noten und Worte; er macht Spaß, ist aber vielleicht ein wenig zu brav und geschniegelt – ich habe ihn am Globe als den Bastard in „King John“ gesehen, und ich weiß, dass er, wenn er will, sehr viel ungezogener sein kann: Und genau danach schreit diese Figur eigentlich.  Ganz anders als das Mädchen: Shauna Rileys wunderbar ausbalancierte Nat – mit mehr Erfahrung in der Show, nachdem sie mehrere Änderungen von Text, Umfang und Spielstätte überstanden hat – macht aus „Holiday“ einen echten Triumph, einem Stück, das tatsächlich mit ihrer echten Stimme im Kopf geschrieben wurde.  Das ist echtes „Hit“-Material, aber – wieder einmal – ist es vielleicht vorbei, bevor es richtig zupacken und uns an der Angel einholen kann. Ähnlich bei „Friendzone“: eine charmante Nummer – und so kurz.  „(Making) People Like You“ – ein Songtitel, der, wenn man das Gerundium beibehält, mehrere geniale Wortspiele enthält – kommt besser weg, auch wegen seiner engen Verzahnung mit dem Buch.  Und dann hat die eisige Kälte von „Too Weak To Refuse“ eine Bowie-hafte, hypnotische Schönheit, und man würde den Moment nur allzu gern ein wenig länger auskosten, als es hier möglich ist. So wie es ist, wechseln wir, noch bevor wir uns von der Musik richtig verführen lassen dürfen, rasch in „The Quentin Dentin TV Show“ – ein weiterer Song mit einem erneut stark definierten Hook und einem funky Discobeat.  Die Lyrics sind schlicht erhaben und reimen die Titelzeile („tee-VEE show“) auf „In ev’ry language and credo“ – ein typisches Beispiel für Carpenters Kunstfertigkeit.  Interessant an dieser Nummer ist jedoch, dass er eine Entwicklung für die Titelfigur andeutet – und genau das fehlt dieser Unterhaltung bislang weitgehend.  Während die musikalische Landschaft dieser Show sorgfältig kultiviert wurde, bleibt die dramaturgische Form des Stücks hartnäckig schwer zu fassen.  Allerdings höre ich, dass weitere Umarbeitungen in Aussicht sind. Aber wenn es so stampfenden Rock ’n’ Roll gibt wie in „The Blame Game“ – müssen wir uns dann wirklich so sehr darum scheren?  In mancher Hinsicht funktioniert diese Show derzeit als Album deutlich besser als auf der Bühne.  „Life“ zum Beispiel ist ein Stück, das man so verschieben kann, dass es viel früher im Abend auftaucht: Mehr als jede andere Nummer ist es ein großartiger „scene setter“ und wirkt wie eine Eröffnungsnummer – nur eben nicht am richtigen Platz.  Seine universelle Botschaft verbindet sich mit dem Publikum viel stärker als die Spezifität des aktuellen Curtain-Raisers. Ebenso fühlt sich „Get Happy“ an, als gehöre es in die Exposition: Es verrät uns unglaublich viel darüber, wer Quentin ist, und lässt uns ihm ein kleines bisschen näherkommen – oder zumindest glauben wir das.  „Take Your Medicine“ (das ich gedanklich immer als „The Brain Machine“ bezeichne) bringt uns zurück in das Tempo des finalen Erzählstrangs, treibt uns in den Höhepunkt der Geschichte und in den zentralen Konflikt Menschlichkeit versus Mechanisierung; das ist ein angenehm ruppiger Stadion-Stampfer, der die Glücklichen im Parkett fast garantiert zum Springen und Pogoen in wild-ekstatischer Solidarität bringt.  (Na ja, vielleicht.) Interessanterweise könnte der viel stärker englisch gefärbte lyrische Pop („The Kinks treffen auf The Beatles“… SEHR Beatles!) von „All Together Now“ sogar dieselbe vertikale Reaktion auslösen: Arme ausgestreckt, sanft nach links und rechts schwenkend, ein handklatschendes, a-cappella-iges Ausblenden.  Mit einem Schwall Konservenapplaus.  Und einem Schalterklick als Killer-Ende. Das ist sehr Rock ’n’ Roll.

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