리뷰: 퀜틴 덴틴 쇼, 오리지널 런던 캐스트 녹음 ✭✭✭✭

줄리안 이브스가 더 퀜틴 덴틴 쇼 오리지널 런던 캐스트 레코딩을 리뷰합니다.

T더 퀜틴 덴틴 쇼 오리지널 런던 캐스트 레코딩 ★★★★☆ 지금 사본 구매하기  팝 음악을 다룬 작품이 앨범이라는 형태로 소개된다는 점은 유난히도 잘 어울립니다.  사실 ‘퀜틴 덴틴’의 무대 프로덕션들은(지금까지 여덟 번이나 제작됐는데, 창작자 헨리 카펜터가 꾸준히 작품을 다시 써온 결과이기도 합니다) 어떤 방식으로든 전통적인 ‘북 뮤지컬’의 무대화라기보다 라이브 록앤롤 공연에 더 가까운 느낌을 주곤 했습니다.  특히 최근 트리스탄 베이츠 극장에서, 재기발랄한 작가이자 퍼포머 톰 크롤리가 대본을 새로 다듬고 아담 렌슨이 연출한 프로덕션에서는 그 성격이 더욱 도드라졌죠. 하얀 작업복(boiler suit)을 입은 뮤지션들이 간결하게 제시된 ‘가정의 실내’를 암시하는 무대 곳곳에 흩어져 있었으니까요.  마침 이 캐스트 앨범은 바로 그 버전의 악보를 바탕으로 녹음됐습니다. 여기에 새롭게 더해진 마법 같은 재료는 레코드 프로듀서(이자 The Kooks 공동 창립자) 폴 개러드입니다.  개러드와 카펜터는 별도로 최소 한 개 이상의 굵직한 프로젝트를 함께 진행 중이기도 한데, 이 앨범에서도 두 사람 사이의 호흡과 결이 아주 높은 수준으로 맞닿아 있습니다.  앨범은 1970년대 ‘컨셉 앨범’의 방식처럼 거칠게 편집된 라디오 배경 잡담 몽타주로 문을 여는데, 요즘 다시 유행을 타고 있는 그 감각이 그대로 묻어납니다.  이어지는 것은 묵직하게 두드리는 브릿팝 신스 중심의 타이틀 트랙으로, 꽤 전형적인 ‘I want’ 송처럼 들립니다.  개러드는 보컬이 필요한 만큼 충분히 숨 쉴 공간을 확보해 주고, 우리도 그 목소리들과 더 오래 함께 있고 싶어지지만, 대부분의 트랙은 간결함을 넘어 다소 짧게 느껴질 정도입니다.  카펜터의 작법 또한 비슷합니다. 영리하고 공들여 다듬어진 가사들은(종종 따끔한 사회·정치적 날도 세워져 있고요) 숨 돌릴 틈 없이 쏟아져 나와, 듣는 이는 어느 순간 잠깐이라도 호흡을 고르고, 들은 것을 정리하고, 전체를 소화할 시간을 갈망하게 됩니다. https://www.youtube.com/watch?v=rlnlSD87fhU 그래도 ‘Lemons’ 같은 곡의 상큼한 경쾌함은 정말 즐겁습니다.  타이틀 롤의 루크 레인은 음정과 단어를 정확히, 정중하게 지켜 부릅니다. 재미는 있지만, 약간은 너무 모범적이고 깔끔하게 느껴지기도 하죠. 저는 글로브(The Globe)에서 ‘킹 존’의 배스터드로 무대에 선 그를 본 적이 있는데, 마음만 먹으면 훨씬 더 짓궂고 대담할 수 있는 배우입니다. 이 캐릭터는 오히려 그런 면을 요구하는 듯하니까요.  반면 여자 주인공으로는, 여러 차례의 대본 수정과 규모·공연장 변경을 거치며 작품과 함께해 온 경력이 더 있는 샤우나 라일리의 ‘낫(Nat)’이 ‘Holiday’를 완벽하게 자기 것으로 만듭니다. 실제로 그녀의 목소리를 염두에 두고 쓰인 곡이기도 하죠.  진짜 ‘히트곡’ 재료지만, 또다시—우리의 귀를 제대로 사로잡고 끌어들이기도 전에 끝나버리는 느낌이 있습니다. ‘Friendzone’도 마찬가지로 매력적인 넘버인데 너무 짧습니다.  ‘(Making) People Like You’는(동명에서 동명사형을 살리면 여러 겹의 재치 있는 말장난이 가능한 제목이죠) 대본과의 긴밀한 결합 덕에 더 나은 성과를 냅니다.  그리고 ‘Too Weak To Refuse’가 뿜어내는 차가운 한기는 보위(David Bowie)를 떠올리게 하는 최면적 아름다움이 있어, 여기서 끝나는 길이보다 딱 조금만 더 오래 음미하고 싶어집니다. 하지만 우리는 음악에 제대로 매혹되기도 전에, 또 하나의 강력한 후크와 펑키한 디스코 비트를 가진 ‘The Quentin Dentin TV Show’로 재빨리 넘어갑니다.  가사는 그야말로 황홀합니다. 타이틀 라인(‘tee-VEE show’)을 ‘In ev’ry language and credo’와 라임으로 엮는데, 카펜터의 장인정신을 보여주는 전형적인 사례죠.  다만 흥미로운 점은, 이 곡에서 그가 타이틀 캐릭터의 ‘여정’을 암시한다는 것입니다. 그런데 그런 여정은—여전히—이 엔터테인먼트에서 크게 부재합니다.  이 작품의 음악적 지형은 정성스럽게 경작돼 왔지만, 드라마투르기적(극작 구조적) 형태는 좀처럼 손에 잡히지 않습니다.  그래도 추가 개고(리라이트)가 예정돼 있다는 얘기가 들립니다. 하지만 ‘The Blame Game’에서처럼 쿵쾅거리는 록앤롤이 쏟아지는데, 우리가 정말 그렇게까지 구조를 신경 써야 할까요?  어떤 면에서 지금 이 작품은 무대보다 앨범으로서 훨씬 더 잘 작동합니다.  예를 들어 ‘Life’는 쇼의 훨씬 앞부분에 배치되도록 섞어 넣을 수 있는 곡입니다. 사실 다른 어떤 넘버보다도 훌륭한 ‘장면 설정’ 역할을 하며, 위치만 아니면 오프닝 넘버라고 해도 될 정도입니다.  현재의 커튼 레이저(막 올림 곡)가 지닌 구체성보다, 이 곡의 보편적 메시지가 관객과 더 강하게 맞닿습니다. 마찬가지로 ‘Get Happy’는 작품의 설명(익스포지션)에 있어야 할 것처럼 느껴집니다. 퀜틴이 누구인지에 대한 정보를 잔뜩 알려 주어, 우리가 그에게 조금은 더 가까워졌다고—혹은 적어도 그렇게 믿게—만들죠.  ‘Take Your Medicine’(저는 늘 ‘The Brain Machine’이라고 떠올립니다)은 피날레로 치닫는 서사의 속도로 우리를 다시 끌어올리며, 이야기의 클라이맥스와 ‘인간성 대 기계화’라는 중심 충돌로 밀어 넣습니다. 거칠게 달리는 스타디움용 스톰퍼로, 운 좋게 스톨(Stalls, 1층 좌석)에 앉은 관객이라면 벌떡 일어나 점프하고 포고를 하게 만들 가능성이 큽니다.  (뭐, 어쩌면요.) 흥미롭게도, 훨씬 더 ‘영국적인’ 서정 팝(더 킹크스와 비틀스의 만남… 아주, 아주 비틀스!) ‘All Together Now’ 역시 비슷한 ‘수직 반응’을 이끌어낼지도 모릅니다. 팔을 뻗어 좌우로 부드럽게 흔들고, 손뼉을 치며, 아카펠라에 가까운 페이드아웃.  거기에 녹음된 박수 소리가 한 번 터지고.  그리고 스위치를 탁—내리는 듯한 킬러 엔딩. 완전한 록앤롤입니다.

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