REZENSION: Seth Rudetsky mit Megan Hilty, Online ✭✭✭✭✭

Julian Eaves bespricht das jüngste Online-Konzert aus Seth Rudetskys Reihe – mit Broadways Megan Hilty, am Montag als Stream.

The Seth Concert Series – Megan Hilty

Online gestreamt

27. Juli 2020

5 Sterne

„The Voice“, „The Belter“, … dieses Wochenende schaltete sich die grossartige Megan Hilty aus L.A. quer über den nordamerikanischen Kontinent zu dem unermüdlichen Mr Rudetsky in New York City – für den dritten Abend seiner Reihe intimer Lockdown-Cabarets.  Wie üblich schaufelte Seth uns die Gags nur so zu („Heute wird überhaupt nicht gesungen“ war einer der ersten Bälle, die er ins Spiel brachte).  Dieser Dry-Martini-Humor ist das Prickeln, das den Cocktail frisch hält.  Natürlich gab’s auch Musik.  Einer von Hiltys Hits aus der TV-Serie „SMASH“, das Grammy-nominierte „Let Me Be Your Star“ (Marc Shaiman und Scott Wittman), legte einen fulminanten Start hin und präsentierte die üppige Wärme ihres aussergewöhnlichen Instruments.  Offiziell mag sie als Sopran gelten, mit einem köstlichen oberen Register – aber diese Bruststimme ist zum Niederknien, und – selbstverständlich – sie hat perfekte „Passaggi“ zwischen all den Tönen, die irgendein Komponist verlangen könnte.

Die Kraft hinter diesem wunderschön gefüllten Thron ist jedoch Produzent Mark Cortale, der Kommentare und Fragen sieht, die das Publikum am Randbildschirm eintippt, und dann eine sorgfältig ausgewählte Handvoll an die „Besetzung“ zurückspielt.  So entsteht ein Element der Interaktion mit dem „Saal“, anstelle der üblichen hörbaren Reaktionen wie Applaus, Jubel, Gelächter, erstaunte Aufschreie sowie „Oohs“ und „Aahs“!  Sie wissen schon.

Rudetskys Ziel in dieser Reihe – ja, eigentlich in allem, was er tut – scheint zu sein, nicht nur zu einer besseren Wertschätzung der „Kunst“ und Kunstfertigkeit des Musicaltheaters (und verwandter Unterhaltungsformen) beizutragen, sondern auch zu einem klareren Verständnis der daran beteiligten psychologischen Prozesse.  Genau das brauchen wir in der Lockdown-Ära, in der teure Theater reihenweise geschlossen bleiben.  Wobei wir uns nicht unnötig auf das konzentrieren, was uns runterzieht.  Als Nächstes gab uns Hilty eine witzige, an eine Kewpie-Puppe erinnernde Interpretation von „You Will Be Popular“: ein beschwingter komischer Auftritt aus dem Mega-Blockbuster „Wicked“ (il genio creator: Stephen Schwartz).  Als wäre das nicht genug, bekamen wir aus derselben Show auch „For Good“, eines der herzzerreissend schönsten Lieder der letzten Jahre.

https://vimeo.com/442040602

Natürlich ist es leichter, auf das zurückzublicken, was in Zeiten einer funktionierenden „Industrie“ gemacht wurde, als nach vorn in den undurchdringlichen Nebel einer nicht vorhersehbaren Zukunft zu schauen.  Doch Hilty schmiedet Pläne und bringt Projekte in die Welt der sozialen Distanz – unter anderem im Bereich Animation –, auch wenn konkrete Details häufig noch unter Embargo liegen.  So kamen wir wieder zum Nachdenken über „Somewhere That's Green“ (früher sozusagen der Privatbesitz von Ellen gleichen Namens – andere Schreibweise!) aus einem weiteren grossen Hilty-Titel, „Little Shop of Horrors“: ein makelloser Text von Howard Ashman zu Alan Menkens trügerisch einfacher Melodie.  Seth durfte dann in einem schönen Duett bei „Suddenly Seymour“ mit einsteigen.  Darbietungen wie diese verweisen wirklich auf das „Folk“-Ethos im Herzen des amerikanischen Musicaltheaters – DER einheimischen dramatischen Kunstform dieses Landes.  Die hymnischen, gospeligen Klänge könnten so leicht aus einer Sonntagnachmittags-Marathonsession unten in der Kapelle kommen, mit Damen und Herren, Jungen und Mädchen und allen, die sich anders identifizieren, geschniegelt in Schale – sie machen Musik, teilen den Geist.

Doch der Produktionsprozess für Broadway-Shows ist komplizierter: meist lang, oft schwierig und sehr anspruchsvoll.  Hilty unterhielt uns mit einer Anekdote über ihre Rolle in der Entstehung von „9 to 5: The Musical“ und wie sie mit dem Team um die grossartige Dolly Parton gearbeitet hat.  Das Kollaborative am Theater ist es, was jetzt allen fehlt – und dieses soziale Band, vom ersten Pitch beim Produzenten bis zum Abschied von (im Idealfall) glücklichen Zuschauern am Ende einer Vorstellung, darum geht es.  Als Beleg ihrer Vielseitigkeit und Anpassungsfähigkeit zeigte Megan ihre Beherrschung von Akzent und Stil – mit einem echten Dolly-Sound bei „I'm Just A Backwoods Barbie“, der elegant in den schulterwippenden Titelsong überging.

Als wäre die Bühne nicht schon Druck genug, ist die TV-Welt in Sachen Risiko noch extremer – ebenso wie der feste Griff, den Produktionsfirmen gern über ihre Talente halten, indem sie Darsteller zum „Testen“ für Rollen einladen.  Wenn man dich nimmt, wirst du nicht bezahlt – aber du darfst für nichts anderes testen, und du konkurrierst womöglich mit mehreren anderen, von denen am Ende nur eine Person die Rolle bekommt.  Hart!  Also, Leute: Jedes Mal, wenn ihr eine US-TV-Serie seht, denkt daran, dass die Besetzung, um dahin zu kommen, wahrscheinlich durch brennende Kohlen kriechen musste.

Umso mehr Grund, zu begreifen, wie lebenswichtig die „Familien“-Seite der Branche – und überhaupt des Lebens – ist.  Hilty lebt das nicht nur selbst, sondern unterstützt auch „You Gotta Believe“, eine Organisation, die Waisenkindern ohne sonstige Bezugspersonen fortlaufende „familiäre“ Unterstützung bietet.  „That Second-hand White Baby Grand“, ein weiteres Lied aus „Smash“, war die perfekte Nummer, um diesen Aspekt ihres Lebens und ihrer Arbeit auf den Punkt zu bringen.  Immer wieder wendet sich dieses Repertoire Geschichten des Durchhaltens in widrigen Umständen zu, gibt denen eine Stimme, denen das Leben schwerfällt und die dennoch ihr Bestes geben, um nach etwas Besserem zu greifen – nach „etwas Schönem“.  Genau das fanden wir auch in Emily Skinners „The Alto's Lament“, einer virtuosen Visitenkarten-Cabaret-Nummer für jede alltagserprobte, fantastisch begabte und brillant ausgebildete Sängerin – und Hilty haut sie einfach raus.

Dennoch müssen wir darüber nachdenken, in welchem Mass Theatergeschichten auch soziale Stereotype festigen.  Auch damit setzte sich Megan auseinander – sie kennt nur zu gut die unbequemen Wahrheiten, die oft nur eine kurze Strecke unter dem glitzernden Oberflächenreichtum liegen.  Wie häufig finden wir etwa Erzählungen, in denen Frauen „gegeneinander ausgespielt“ werden oder als schlechte Mütter und Ehefrauen vorgeführt werden und deshalb angeblich Bestrafung verdienen?  Und welche bessere Erwiderung auf diesen Unsinn gäbe es als Sara Bareilles’ „She Used To Be Mine“ aus „Waitress“?  Hier wurde es mit Hiltys voller Leidenschaft und Hingabe gesungen.

Doch es geht in dieser Show auch darum, Türen zu öffnen – und wir bekamen wieder einen der glücklichen Teilnehmenden, die ausgewählt wurden, ihre Qualitäten der Gästin zu präsentieren: Nicht nur das, diesmal gab es eine Soloperformance und dazu ein Trio von Stimmen, das ein grosses Finale hinlegte – komplett mit einer krönenden Oberstimmen-Harmonie in stratosphärischen Höhen.  Wieder eine clevere Art, das Publikum einzubinden und uns an den riesigen Talentpool in den USA zu erinnern.  Hilty legte danach eine wunderschön modulierte Darbietung der Eleven-o’clock-Nummer aus Ahrens und Flahertys „Ragtime“ nach: „We Can Never Go Back To Before“.  Wie wahr und wie richtig sie das heute klingen liess.  Und schliesslich, um alles abzurunden, kehrten wir noch einmal in die Welt von „Smash“ zurück – mit „They Just Keep Moving The Line“: ein weiterer perfekt gesetzter Kommentar zu jetzt, zu unserer heutigen Welt.

Relevant?  Knackig?  Umwerfend?  Aber ja.  Ehrlich: Viel besser wird Cabaret kaum.

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