KRITIK: Stephen Ward, Aldwych Theatre ✭

Alexander Hanson & Charlotte Blackledge in Stephen Ward. Foto: Nobby Clarke

Aldwych Theatre

20. Dezember 2013

1 Stern

Ich gebe gern zu, dass ich ein Fan der frühen Arbeiten von Andrew Lloyd Webber bin (Joseph; Superstar; Evita; Cats; Song and Dance; Starlight Express; Phantom) und sogar eines ziemlich grossen Teils seines späteren Schaffens (Beautiful Game; Whistle Down The Wind; Aspects of Love; Sunset Boulevard). Er ist ein Komponist, der zu bemerkenswerten Melodien und findigen Einfällen fähig ist. Aktuell läuft im Aldwych Theatre sein neuestes Werk, Stephen Ward, inszeniert von Sir Richard Eyre. Buch und Liedtexte stammen von Christopher Hampton und Don Black – und beide sollten öffentlich ausgepeitscht werden: Das ist das schlechteste Buch und die schlechtesten Liedtexte, die ich je in einer Show gesehen habe.

Dieses Stück hat keine Ahnung, was es eigentlich sein will: Es erzählt keine Geschichte gut oder mit Gefühl. Wenn am Ende der Vorhang fällt, weiss man über Stephen Ward und seine Rolle im Profumo-Skandal genauso viel wie beim ersten Orchesterton.

Man erfährt nicht, was die wichtigsten Beteiligten im Skandal antrieb, was die entscheidenden Wendepunkte waren, warum die Regierung stürzte, warum das Establishment sich gegen Ward wandte, was aus Keeler und Rice-Davies wurde oder was letztlich Profumos Fall auslöste. Es gibt viel skizzenhaftes Hin und Her, aber keine klare Linie, keinen narrativen Sog. Und keinen Eindruck von einer durchgearbeiteten Idee oder einem Konzept.

Rob Howells beklagenswertes Bühnenbild und die Kostüme helfen überhaupt nicht; das Design arbeitet aktiv gegen jedes Gefühl für Zeit und Drama. Es gibt Vorhänge und Projektionen, flache Kulissenteile und hier und da ein Sofa, einen Stuhl oder einen Tisch. Langweiliger geht’s kaum – selbst die Rooty Hill RSL würde sich für dieses Bühnenbild schämen.

Es gibt fünf wirklich gute Nummern: Super-Duper Hula-Hooper; This Side of the Sky; You've Never Had It So Good; I'm Hopeless When It Comes To You und Too Close To The Flame – aber das war’s. Der Rest der Partitur ist in fast jeder Hinsicht lächerlich. Und tödlich langweilig. Und zudem prätentiös selbstwichtig und abgeleitet.

Allerdings ist schwer zu sagen, ob das vor allem an den Orchestrierungen liegt, die ziemlich unerquicklich sind – und die ausgerechnet von Sir Andrew selbst stammen. Normalerweise überlässt er das Orchestrieren anderen, was, ehrlich gesagt, ein kluger Schachzug ist. Und auch wenn dem Orchester hier nichts vorzuwerfen ist und Graham Hurman mit Verve dirigierte, mit klarer, tragfähiger Verbindung zur Musik, bleibt die einfache Tatsache: Die Orchestrierungen berauben einen Grossteil der Musik ihres grössten Potenzials – und ein Teil der Musik hat davon ohnehin nicht allzu viel.

Hurman sieht, was in der Musik stecken könnte, und reagiert darauf; ihn im Graben zu beobachten, lässt eine Musik vermuten, die funkiger, lebendiger, aufregender ist als das, was von der Bühne über einen hinwegspült. Man würde lieber hören, was Hurman empfindet, als das, was man tatsächlich zu hören bekommt. Das hartnäckige Gefühl ist: Ohne Texte wäre das eine gute Partitur für eine TV-Serie oder einen Film – aber sie trägt kein abendfüllendes Theaterunterfangen.

Das Ensemble übersingt und schreit viel, viel zu oft – was merkwürdig unbegreiflich ist, denn sie können alle eindeutig singen, und zwar sehr gut. Mitunter sind sie so laut, dass die Texte untergehen, was vielleicht ein Segen ist – aber das Publikum soll sich dazu am besten selbst eine Meinung bilden.

Eyres Regie lässt alles in Gletschertempo voranschleichen: Der erste Akt wirkt wie drei Stunden, obwohl er nur eine dauert. Allerdings ist es schwer zu glauben, dass irgendein Regisseur diese Erzählung, diese Texte zum Funkeln bringen könnte.

Stephen Mears’ Choreografie ist so reizvoll und clever, wie man es erwartet – besonders in der Orgien-Sequenz zu You've Never Had It So Good, aber auch überall dort, wo seine Handschrift zu erkennen ist.

Aus dem Ensemble stechen Joanna Ridings spröde Valerie und Daniel Flynns aufgeblasener, von einem Hose-Schlangen-Getriebe gelenkter Profumo heraus. Ridings Solo im zweiten Akt kommt dem Lloyd-Webber-Zauber in dieser Partitur am nächsten – aber leider eben nicht nah genug.

Alexander Hansen ist als Ward geschniegelt und charmant, letztlich aber schal – teils wegen des Textes, teils weil er der Figur nicht genug Energie gibt. Man versteht nie, warum er tut, was er tut. Trotzdem fällt es schwer, kein Mitleid zu empfinden, denn es ist offensichtlich, dass er sich redlich abmüht, die unmögliche Last zu tragen, die ihm das Kreativteam aufgebürdet hat.

Charlotte Spencer hat optisch einen Hauch der jungen Diana Rigg, doch damit endet die Ähnlichkeit; ihre Christine Keeler ist so leer wie Patrick Bateman in American Pyscho. Null Wärme und noch weniger Empathie. Am Anfang des Stücks singt sie gut, doch das lässt schnell nach. Charlotte Blackledge ist als Mandy Rice-Davies laut und schief, eine Figur, die ohne Einführung auftaucht und deren Rolle im Geschehen nie wirklich erklärt wird. Es ist ein bisschen wie eine Inszenierung von Gypsy, in der einem nie gesagt wird, dass Tulsa tanzen will: Man hat schlicht keine Ahnung, warum sie überhaupt Teil des Stücks ist.

Gute Unterstützung kommt von Anthony Calf, Martin Callaghan, Kate Coysten, Wayne Robinson und Emma Kate Nelson. Der Grossteil des restlichen Ensembles sollte zurückschalten, etwas mehr Wahrhaftigkeit finden – in den schnurrbartzwirbelnden Passagen ebenso wie in den hüftstossenden Segmenten.

Musicals werden nicht automatisch interessant, nur weil jemand „Fuck“ sagt, jemand anderes Sex simuliert und noch jemand nackt ist. Es braucht eine durchgehende Erzählspur, so dünn sie auch sein mag, einen Zweck, einen Punkt – und vor allem ein Herz.

Stephen Ward hat kein Herz und noch weniger ein tragfähiges Konzept oder eine Idee, die es zusammenhält. Als erster Workshop würde man das als wagemutig, aber verfehlt bewerten – mit sehr viel Arbeit am Buch, an den Texten, an der Orchestrierung und an der Partitur (in dieser Reihenfolge). Im West End, bei £67.50 pro Ticket, ist es eine Farce. Viva Forever! war besser als das – in jeder Hinsicht.