RECENSION: Stephen Ward, Aldwych Theatre ✭

Alexander Hanson & Charlotte Blackledge i Stephen Ward. Foto: Nobby Clarke Stephen Ward

Aldwych Theatre

20 december 2013

1 stjärna

Jag medger gärna att jag är ett fan av Andrew Lloyd Webbers tidiga verk (Joseph; Superstar; Evita; Cats; Song and Dance; Starlight Express; Phantom) och faktiskt en hel del av de senare också (Beautiful Game; Whistle Down The Wind; Aspects of Love; Sunset Boulevard). Han är en kompositör som är kapabel till anmärkningsvärda melodier och geniala tongångar. Nu spelas hans senaste verk, Stephen Ward, i regi av Sir Richard Eyre på Aldwych Theatre. Manus och libretto står Christopher Hampton och Don Black för, och båda förtjänar en offentlig tillrättavisning: detta är det sämsta manus och de sämsta sångtexter jag någonsin skådat i en föreställning.

Pjäsen har ingen aning om vad den håller på med: den berättar ingen historia väl eller med känsla. Du vet lika mycket om Stephen Ward och hans roll i Profumo-skandalen när den sista ridån faller som när orkesterns första toner ljöd.

Man får aldrig veta vad som motiverade huvudpersonerna i skandalen, vilka nyckelpunkterna var, varför regeringen föll, varför etablissemanget vände sig mot Ward, vad som hände med Keeler och Rice Davies eller vad som orsakade Profumos eget fall. Det är mycket ytligt flängande fram och tillbaka, men ingen röd tråd, inget narrativt driv. Och det finns ingen känsla av ett genomtänkt koncept eller konstnärlig idé.

Rob Howells bedrövliga scenografi och kostymer hjälper inte till; designen motarbetar aktivt varje form av tidsanda eller dramatik. Det är ridåer, projektioner, endimensionella kulisser och enstaka soffor, stolar eller bord. Det är så fantasilöst det kan bli; till och med en enkel amatörteater skulle skämmas över denna scenografi.

Det finns fem riktigt bra låtar: Super-Duper Hula-Hooper; This Side of the Sky; You've Never Had It So Good; I'm Hopeless When It Comes To You och Too Close To The Flame – men det är också allt. Resten av musiken är snudd på löjeväckande i nästan alla avseenden. Och dödligt tråkig. Och pretentiöst självgod och ooriginal.

Det är dock svårt att avgöra om det mest beror på orkestreringen, som är direkt usel, och som Sir Andrew själv står för. Vanligtvis överlåter han orkestreringen till andra, vilket ärligt talat är ett klokt drag. Och även om orkestern inte kan klandras, och Graham Hurman dirigerade med pondus och en tydlig koppling till musiken, är det enkla faktumet att orkestreringen berövar musiken dess potential – och en del av musiken har inte mycket till potential till att börja med.

Hurman ser vad musiken skulle kunna vara och agerar därefter; att se honom i diket antyder en musik som är funkigare, mer levande och mer spännande än den som sköljer över en från scenen. Man skulle hellre vilja höra det Hurman känner än det man faktiskt lyssnar på. Den oundvikliga känslan är att detta är ett bra soundtrack, utan texter, för en TV-serie eller film, men det orkar inte bära upp ett sceniskt verk.

Ensemblen sjunger för kraftigt och ropar alldeles för ofta, vilket är märkligt eftersom de alla uppenbarligen kan sjunga – och det riktigt bra. Ibland är de så högljudda att texterna drunknar, vilket kanske är en välsignelse, men det är bäst om publiken får avgöra det själv.

Eyres regi gör att det hela rör sig framåt i snigelfart: första akten känns som tre timmar fast den bara är en. Men å andra sidan är det svårt att tro att någon regissör skulle kunna få detta narrativ och dessa texter att gnistra och glänsa.

Stephen Mears koreografi är så förtjusande och smart som man förväntar sig, och detta gäller särskilt orgiesekvensen i You've Never Had It So Good, men också överallt där hans handlag syns.

Bland de medverkande sticker Joanna Ridings strama Valerie och Daniel Flynns pompösa, driftstyrda Profumo ut. Ridings solo i andra akten är det närmaste partituret kommer Lloyd-Webber-magi, men tyvärr når det inte hela vägen fram.

Alexander Hansen är elegant men i slutändan ljummen som Ward, delvis på grund av manuset men också för att han inte ger karaktären tillräcklig energi. Man förstår aldrig varför han gör som han gör. Det är dock svårt att inte tycka synd om honom, eftersom det är tydligt att han tappert kämpar för att bära den omöjliga börda som det kreativa teamet har lagt på hans axlar.

Charlotte Spencer har drag av en ung Diana Rigg i sitt utseende, men likheten med storheten slutar där; hennes Christine Keeler är ett lika tomt ark som Patrick Bateman i American Psycho. Noll värme och ännu mindre empati. Hon sjunger bra i början av föreställningen, men det tappar snabbt. Charlotte Blackledge är högljudd och sjunger falskt som Mandy Rice-Davies, en karaktär som dyker upp utan introduktion och vars roll i händelseförloppet aldrig förklaras ordentligt. Det är lite som en uppsättning av Gypsy där man aldrig får veta att Tulsa vill dansa: man har helt enkelt ingen aning om varför hon är med i pjäsen.

Stabila insatser görs av Anthony Calf, Martin Callaghan, Kate Coysten, Wayne Robinson och Emma Kate Nelson. Större delen av den övriga ensemblen behöver tona ner sina prestationer och hitta lite realism i de mest melodramatiska eller krystade partierna.

Musikaler blir inte intressanta bara för att någon säger "Fuck", någon annan simulerar sex och en tredje är naken. Det krävs en röd tråd i berättelsen, hur tunn den än må vara, ett syfte, en poäng och, viktigast av allt, ett hjärta.

Stephen Ward saknar hjärta och har ännu mindre av ett bärande koncept. Som en första workshop skulle detta bedömas som äventyrligt men missriktat, med massor av arbete kvar på manus, text, orkestrering och partitur (i den ordningen). I West End, för £67.50 per biljett, är det en parodi. Viva Forever! var bättre än det här – på alla sätt.