RESEÑA: Las Aventuras de Alicia en el País de las Maravillas, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Alice's Adventures In Wonderland de Opera Holland Park. Foto: Alex Brenner Alice's Adventures In Wonderland

Opera Holland Park

18/07/15

5 estrellas

Esta deliciosa ópera de Will Todd y Maggie Gottlieb se estrenó en Opera Holland Park hace un par de años y regresó al repertorio con la habitual temporada de verano de 2015. Hace unos meses se publicó un disco con todos los números principales, que reseñamos aquí. La representación tuvo lugar en uno de los prados detrás del complejo principal de Holland Park, utilizando cuatro escenografías distintas entre las que cantantes, orquesta y público iban desplazándose al abrigo de una secuencia de enlace recurrente (y muy pegadiza) de estilo latino. El reparto y los músicos, en gran medida, retoman sus papeles de 2013. Los personajes y la línea argumental principal proceden de Lewis Carroll (ahora con 150 años recién cumplidos), pero también hay un recurso de encuadre, aparentemente inspirado en las historias de Harry Potter, que al principio sitúa a Alice (Fflur Wyn) no en el Oxford victoriano, sino en Grimthorpe, una ciudad del Norte poco atractiva, de la que está deseando escapar en cuanto hace equipo con un Conejo Blanco parlante (James Cleverton). Tras los primeros encuentros con un Gato de Cheshire contratenor (Magid El-Bushra) y una botella cantante (Maud Millar) que le disputaría a Cunégonde el cetro de la coloratura—ya estamos en marcha. Se nos presentan, en rápida sucesión, todos los personajes familiares del cuento, la mayoría con su propia aria para perfilar los rasgos principales de su carácter, y que vuelven a aparecer en tableaux posteriores. Gran parte del diálogo se toma acertadamente de Carroll, y luego se espolvorea con el polvillo mágico de ingeniosas referencias contemporáneas (especialmente eficaz la sátira de la actual cultura obsesiva de los exámenes escolares, en manos de Humpty Dumpty y Tweedle Dum y Tweedle Dee). A medida que avanzamos por las distintas escenografías, comprobamos que también hay bastante “maldad en el País de las Maravillas” en forma de la Reina Roja (Robert Burt) y sus secuaces, y la segunda mitad de la ópera se dedica a la creciente determinación de Alice por plantar cara a este autoritarismo arbitrario y desbocado y devolver el orden a Wonderland. Un punto clave es la única aria realmente sostenida de Alice—“I flew high in my dreams”—que es, muy claramente, un amplio número aspiracional a lo Sondheim, que recuerda a su “I remember sky” de Evening Primrose. De ahí hasta el final, las fuerzas de la maldad se desmoronan y Wonderland se restaura con rapidez antes de que Alice regrese a Grimthorpe, sutilmente cambiada. Entonces, ¿por qué funciona todo tan bien? En parte, la respuesta está en mantenerse cerca del original y no introducir cambios por el mero hecho de cambiar. Cualquiera que adapte a Carroll haría bien en recordar que en la vida real fue un matemático y lógico notable. El razonamiento puede estar invertido y ser lo contrario de lo sensato, pero sigue estando lleno de una lógica propia que resulta aún más divertida cuando se interpreta con total seriedad, como ocurre aquí. Otra forma de fidelidad a Carroll (¡y a Tenniel!) llega con el vestuario, brillantemente detallado en su autenticidad y plenamente imaginativo cuando necesita apartarse de ella. Por ejemplo, el traje de la oruga es magníficamente excesivo, y la armadura del Caballero Blanco está ingeniosamente improvisada a partir del más cotidiano menaje brillante de cocina. Las escenografías son luminosas, alegres y con cuerpo; probablemente la mejor sea la mesa de ángulos pronunciados para la merienda del Sombrerero Loco. Además, se aprovecha muy bien el entorno natural: personajes que emergen de pronto de la maleza y árboles del lugar incorporados a la acción. La música también está concebida para funcionar al aire libre. Mucha de ella es un subrayado sutil que no interfiere con la proyección del texto hacia el público. Pero también hay una gran variedad estilística: abundan los ritmos latinos, calipso y jazz, y muchos ecos de compositores conocidos—por ejemplo, el Bernstein de West Side Story. Hay mucho pastiche con guiño, siempre resuelto con elegancia. La orquesta de doce músicos tiene mucho que hacer: nos pone en marcha con una obertura animada que sitúa la escena y después ofrece numerosos solos con personalidad. No es tarea fácil para el director Matthew Waldren manejar estas fuerzas dispares al aire libre y en movimiento, pero marcó tempi vivos y logró mantenerlo todo unido sin problemas visibles. Entre las interpretaciones individuales, Wyn merece un lugar destacado por la claridad con la que proyecta texto y melodías, y por una caracterización del papel protagonista animosa pero precisa. Robert Burt desató una tormenta de indignación sintética y ajetreada como la Reina Roja—muy hermana de la señorita Trunchbull. Keel Watson sacó un gran partido a su “Wonderland Blues”, probablemente el número musical individual más memorable del espectáculo; y Victoria Simmonds mandó, se afanó y bramó con energía como el Sombrerero Loco antes de sucumbir a los encantos de la etérea Duquesa interpretada por Maud Millar. La Liebre de Marzo, el Caballero Blanco, el Lirón y Humpty Dumpty recibieron retratos llenos de vida. Un cuarteto de “victorianos”, como si se hubieran escapado de Topsy, Turvy, aportó apoyo, comentario y orientación/coordinación para el público. ¿Qué le pareció todo esto al público? Los niños parecían completamente encantados con lo que veían, y no fueron pocos los adultos de pie al fondo que recorrían la función con media sonrisa ante las muchas frases con doble lectura para personas de distintas edades, sin llegar a ser doble sentido. No me convenció del todo el argumento de que moverse de una escenografía a otra fuera necesario para evitar que los niños se inquietaran y se aburrieran. Desde donde yo estaba sentado, apenas se apreciaban señales de ello, y en cierto modo tanto ir y venir jugó en contra de la concentración y el foco de dos maneras concretas. En primer lugar, a todos les llevaba un tiempo asentarse de nuevo y reconectar con la música y la letra; y, en segundo lugar, la sucesión de cambios de escena impedía que los intérpretes se relacionaran con vigor y de forma directa con los miembros del público. Los ingredientes que se ofrecen aquí se parecen a los de una muy buena pantomima navideña: un poco más de interacción plena al estilo de la tradición de la panto habría aumentado aún más el disfrute del público joven.

Aun así, no deja de ser una objeción menor. Si esta vez te has perdido esta encantadora ópera, reserva ya para una de las funciones en el Linbury Studio Theatre a principios de noviembre. No te arrepentirás.

Para más información visita www.operahollandpark.com