CRITIQUE : Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles par Opera Holland Park. Photo : Alex Brenner Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles

Opera Holland Park

18/07/15

5 Étoiles

Cette délicieuse opéra de Will Todd et Maggie Gottlieb a été créée à Opera Holland Park il y a quelques années, et est revenue au répertoire avec la saison estivale régulière en 2015. Un disque contenant tous les principaux morceaux a été publié il y a quelques mois et a été critiqué ici. Il a été joué sur l'une des pelouses derrière le complexe principal de Holland Park, utilisant quatre décors différents parmi lesquels les chanteurs, l'orchestre et le public ont migré sous couverture d'une séquence de liaison de style latin répétée (et très entraînante). Les comédiens et les musiciens reprennent en grande partie leurs rôles de 2013. Les personnages et l'histoire principale viennent de Lewis Carroll (qui a maintenant 150 ans) mais il y a aussi un dispositif de cadrage, apparemment inspiré des histoires de Harry Potter, qui place initialement Alice (Fflur Wyn) non pas dans l'Oxford victorien mais à Grimthorpe, une ville du Nord peu attrayante, d'où elle est très prête à s'échapper une fois qu'elle s'est alliée avec un Lapin Blanc parlant (James Cleverton). Après des premières rencontres avec un chat de Cheshire contre-ténor (Magid El-Bushra) et une bouteille chantante (Maud Millar) qui donnerait à Cunégonde une course colorature – nous sommes bien en chemin. Nous sommes présentés en succession rapide à tous les personnages familiers de l'histoire, dont la plupart ont leur propre aria pour établir les lignes principales de leurs caractères, et qui apparaissent à nouveau dans des tableaux ultérieurs. Une grande partie du dialogue est intelligemment tirée de Carroll, puis est parsemée de poussière de fée de diverses références contemporaines pleines d'esprit (la satire de l'actuelle culture obsessionnelle des tests scolaires étant particulièrement convaincante entre les mains de Humpty Dumpty et Tweedle Dum et Tweedle Dee). Au fur et à mesure que nous avançons à travers les décors, nous voyons qu'il y a beaucoup de « Malice au Pays des Merveilles » sous la forme de la Reine Rouge (Robert Burt) et de ses sbires, et la seconde moitié de l'opéra est consacrée à la détermination croissante d'Alice à affronter cet autoritarisme aléatoire et débridé et à restaurer l'ordre au Pays des merveilles. Un moment clé ici est l'aria réellement soutenue d'Alice - « J'ai volé haut dans mes rêves » - qui est très développée comme un numéro aspirationnel de Sondheim rappelant son « Je me souviens du ciel » de Evening Primrose. À partir de là jusqu'à la fin, les forces de la malice s'effondrent et le Pays des Merveilles est rapidement restauré avant qu'Alice ne soit renvoyée à Grimthorpe, subtilement changée. Alors pourquoi tout cela fonctionne-t-il si bien ? En partie, la réponse réside dans le fait de rester proche de l'original et de ne pas faire de changements pour le plaisir du changement. Toute personne adaptant Carroll ferait bien de se rappeler que dans la vraie vie, il était un mathématicien et un logicien de renom. Le raisonnement peut être inversé et l'opposé du sensé, mais il est toujours plein de sa propre logique qui devient d'autant plus amusante lorsque l'on joue sérieusement comme c'est le cas ici. Une autre forme de fidélité à Carroll (et Tenniel!) se retrouve dans les costumes qui sont magnifiquement détaillés dans leur authenticité et totalement imaginatifs lorsqu'il faut s'en écarter. Par exemple, le costume de la chenille est superbement exagéré, et l'armure du Chevalier Blanc est brillamment improvisée à partir du plus banal des équipements de cuisine brillants. Les décors sont lumineux, joyeux et solides, le meilleur étant probablement la table aux angles vifs pour le Thé de Fous. Un bon usage est également fait de l'environnement naturel - avec des personnages émergeant soudainement de la broussaille, et des arbres locaux intégrés à l'action également. La musique est également conçue pour bien fonctionner en plein air. Une grande partie est une sous-couche ingénieuse qui n'interfère pas avec la projection du texte au public. Mais il y a aussi beaucoup de variations stylistiques - beaucoup de rythmes latins, calypso et jazz et de nombreux échos de compositeurs familiers - par exemple, le Bernstein de West Side Story. Il y a beaucoup de pastiche ironique, toujours élégamment exécuté. L'orchestre de douze musiciens a beaucoup à faire: il nous emporte avec une ouverture dynamique qui situe la scène et il y a beaucoup de solos marquants dans ce qui suit. Ce n'est pas une tâche facile pour le chef d'orchestre Matthew Waldren de gérer ces forces disparates en plein air et en mouvement, mais il a défini des tempi vivants et a réussi à garder tout le monde ensemble sans aucun problème visible. Parmi les performances individuelles, Wyn doit prendre la première place pour sa projection claire du texte et des airs et sa caractérisation vive mais précise du rôle principal. Robert Burt a généré une tempête d'indignation synthétique et agitée en tant que Reine Rouge - très sœur de Miss Trunchbull. Keel Watson a joué à plein de son « Wonderland Blues », probablement le numéro musical individuel le plus mémorable du spectacle; et Victoria Simmonds a énergiquement dirigé, erré et a vanté les mérites en tant que Chapelier Fou avant de succomber aux charmes de la Duchesse féerique interprétée par Maud Millar. Le Lièvre de Mars, le Chevalier Blanc, le Loir et Humpty Dumpty ont tous reçu des portraits animés. Un quatuor de « Victoriens », ayant l'air de s'être échappé de Topsy, Turvy, a fourni un soutien, un commentaire et une orientation/coordination au public. Qu'en a pensé le public ? Les enfants semblaient totalement charmés par les festivités et il y avait plus de quelques adultes debout à l'arrière qui souriaient à travers les nombreuses lignes qui portaient un double sens pour les gens de différents âges, sans être des doubles sens. Je n'étais pas totalement convaincu par l'argument selon lequel le fait de se déplacer de décor en décor était nécessaire pour éviter que les enfants ne deviennent impatients et ennuyés. Il ne semblait y avoir aucun signe de cela depuis ma place, et d'une certaine manière, ces coupures et changements nuisent à la concentration et à la focalisation de deux façons spécifiques. Premièrement, il a fallu un certain temps pour que tout le monde se calme et se reconnecte avec la musique et les paroles; et deuxièmement, la succession de changements de scène a empêché les acteurs de s'engager vigoureusement et directement avec les membres du public. Les ingrédients proposés ici sont similaires à ceux que vous trouvez dans un très bon pantomime de Noël: la chance d'une interaction un peu plus poussée dans la tradition du panto aurait augmenté encore le plaisir du jeune public.

Mais ce n'est qu'un léger reproche. Si vous avez manqué cet opéra charmant cette fois-ci, réservez dès maintenant pour l'une des représentations au Linbury Studio Theatre début novembre. Vous ne le regretterez pas.

Pour plus d'informations, visitez www.operahollandpark.com