리뷰: 이상한 나라의 앨리스 모험, 오페라 홀랜드 파크 ✭✭✭✭✭

오페라 홀랜드 파크의 이상한 나라의 앨리스. 사진: Alex Brenner

오페라 홀랜드 파크

18/07/15

별 5개

윌 토드와 매기 고틀리브가 만든 이 사랑스러운 오페라는 몇 해 전 오페라 홀랜드 파크에서 초연됐고, 2015년에는 정규 여름 시즌 레퍼토리로 다시 돌아왔다. 주요 넘버를 모두 담은 음반이 몇 달 전 발매돼 이곳에서 리뷰되기도 했다. 공연은 홀랜드 파크 메인 단지 뒤편 잔디밭 중 한 곳에서 진행됐는데, 네 개의 서로 다른 무대를 사용했고, 반복적으로(그리고 무척 귀에 감기는) 라틴풍 연결 시퀀스가 울리는 동안 성악가와 오케스트라, 관객이 무대 사이를 함께 이동하는 방식이었다. 출연진과 연주진은 2013년의 역할을 상당 부분 그대로 다시 맡았다. 등장인물과 주된 줄거리는 루이스 캐럴(올해로 탄생 150주년)을 바탕으로 하지만, 해리 포터 시리즈에서 영감을 받은 듯한 액자 장치도 더해져 있다. 이를 통해 앨리스(플루르 윈)는 빅토리아 시대의 옥스퍼드가 아니라 매력이라고는 없는 북부 도시 ‘그림소프’에 놓이고, 말하는 하얀 토끼(제임스 클레버턴)와 손을 잡자마자 그곳을 벗어나고 싶어 한다. 체셔 고양이 역의 카운터테너(마지드 엘-부슈라)와 노래하는 병(모드 밀러)을 만나는 장면으로 시작되는데, 이 ‘병’은 쿠네곤드에게도 콜로라투라로 한 수 보여줄 만큼 대단하다. 이렇게 우리는 순식간에 본격 궤도에 오른다. 이야기에 익숙한 인물들이 빠르게 줄줄이 등장하고, 대부분은 각자 아리아를 통해 캐릭터의 핵심을 선명히 보여준 뒤, 이후의 타블로에서도 다시 모습을 드러낸다. 대사는 캐럴의 원문을 현명하게 많이 가져왔고, 여기에 재치 있는 동시대적 언급들이 ‘요정 가루’처럼 흩뿌려져 있다(특히 학교 시험에 집착하는 요즘 문화에 대한 풍자는 험티 덤티와 트위들덤, 트위들디의 손에서 유독 설득력 있게 빛난다). 무대를 옮겨 다니며 진행될수록, 붉은 여왕(로버트 버트)과 그 부하들이 보여주는 ‘원더랜드의 악의’도 점점 더 선명해지고, 오페라 2막은 앨리스가 이 무작위적이고 무법한 권위주의에 맞서 원더랜드의 질서를 되찾겠다는 결심을 굳혀가는 과정에 집중한다. 여기서 중요한 전환점은 앨리스가 부르는 유일한 ‘긴 호흡’의 아리아, ‘I flew high in my dreams’다. 이는 Evening Primrose의 ‘I remember sky’를 떠올리게 하는, 확장감 있는 ‘꿈과 열망’의 손드하임 스타일 넘버에 가깝다. 그 뒤로 결말까지 악의 세력은 무너지고 원더랜드는 빠르게 회복되며, 앨리스는 미묘하게 달라진 채 그림소프로 돌아온다. 그렇다면 이 작품이 이렇게 잘 작동하는 이유는 무엇일까? 답의 일부는 원작에 충실하며 변화 자체를 위한 변화를 하지 않는 데 있다. 캐럴을 각색하려는 이라면, 그가 실제로는 저명한 수학자이자 논리학자였다는 사실을 기억하는 편이 좋다. 이 작품의 ‘추리’는 뒤집혀 있고 상식의 반대편에 서 있지만, 그 안에는 고유한 논리성이 살아 있어, 여기처럼 극도로 진지하게 펼쳐질 때 오히려 더 큰 재미가 된다. 캐럴(그리고 테니얼!)에 대한 또 다른 충성은 의상에서 드러난다. 사실감은 놀랍도록 치밀하고, 사실에서 벗어나야 할 때는 상상력까지 완전히 발휘한다. 예를 들어 애벌레 의상은 과장미가 절묘하고, 하얀 기사(화이트 나이트)의 갑옷은 번쩍이는 주방 도구 같은 일상적 소재를 기막히게 활용해 즉흥적으로 완성해냈다. 무대는 밝고 명랑하며 견고한데, 그중에서도 ‘모자장수의 티 파티’ 장면에 쓰인 날카롭게 각이 진 테이블이 가장 돋보인다. 자연 환경도 훌륭하게 활용된다. 관목 숲에서 인물이 갑자기 튀어나오고, 공원 나무들 자체가 액션에 끌려 들어온다. 음악 역시 야외 공연에 맞게 영리하게 설계돼 있다. 상당 부분은 관객이 가사를 듣는 데 방해가 되지 않는 치밀한 언더스코어로 구성돼 있다. 동시에 스타일 변화도 풍성하다. 라틴, 칼립소, 재즈 리듬이 넘치고, 익숙한 작곡가들의 그림자도 곳곳에서 느껴지는데, 예컨대 West Side Story의 번스타인이 떠오르는 순간들이 있다. ‘혀를 내두를’ 만큼 재치 있는 패스티시가 많지만, 언제나 우아하게 소화된다. 12인조 오케스트라도 할 일이 많다. 활기찬 서곡으로 장면을 열어젖히고, 이어지는 음악에는 개성 넘치는 솔로가 풍부하게 배치돼 있다. 야외에서, 그것도 이동하며 이 다양한 요소를 통솔해야 하는 지휘자 매슈 월드런에게 결코 쉬운 작업이 아니었을 텐데, 그는 경쾌한 템포를 설정하고 눈에 띄는 문제 없이 모두를 단단히 묶어냈다. 개별 연기 가운데서는, 가사와 선율의 전달이 또렷하고 주인공의 기질을 생기 있게, 그러면서도 정확하게 잡아낸 플루르 윈이 단연 돋보인다. 로버트 버트는 붉은 여왕으로서 인공적이고 분주한 분노의 폭풍을 일으켰는데, 미스 트런치불의 자매 같은 인상이다. 킬 왓슨은 ‘Wonderland Blues’를 한껏 즐기며 펼쳐 보였고, 아마도 이 공연에서 가장 기억에 남는 단일 음악 넘버일 것이다. 빅토리아 시먼즈는 모자장수로서 호령하고, 부산 떨고, 허세를 부리며 에너지 넘치게 밀어붙이다가, 모드 밀러가 연기한 기묘하게 요정 같은 공작부인의 매력에 결국 무너진다. 3월 토끼, 하얀 기사, 기숙사쥐, 험티 덤티 역시 생동감 있는 초상으로 그려졌다. Topsy, Turvy에서 막 빠져나온 듯한 ‘빅토리아 시대 사람들’ 4인조는 반주와 해설, 그리고 관객에 대한 안내/동선 조율을 맡아 전체를 받쳐줬다. 관객 반응은 어땠을까? 아이들은 진행 내내 완전히 매료된 듯했고, 뒤쪽에 서 있던 어른들 중에도 적지 않은 이들이, 노골적인 이중적 의미의 농담에 기대지 않으면서도 연령대에 따라 다른 의미로 들리는 수많은 대사를 음흉하게(?) 웃으며 즐기고 있었다. 다만 무대에서 무대로 옮겨 다니는 방식이 ‘아이들이 지루해하지 않게’ 하기 위해 필요하다는 주장에는 전적으로 동의하기 어려웠다. 내가 앉아 있던 자리에서는 아이들이 산만해지는 기색이 거의 보이지 않았고, 오히려 이 잦은 이동과 전환이 집중과 몰입을 두 가지 측면에서 방해하는 면이 있었다. 첫째, 모두가 자리를 잡고 음악과 가사에 다시 연결되는 데 시간이 걸린다는 점, 둘째, 연속적인 장면 전환이 배우들이 관객 개개인과 더 적극적이고 직접적으로 호흡하는 것을 막는다는 점이다. 이 작품의 재료는 크리스마스 시즌에 보는 정말 잘 만든 영국식 판토마임과 비슷하다. 판토 전통의 ‘한층 더 과감한’ 관객 참여가 조금만 더 있었다면, 어린 관객의 즐거움은 한층 더 커졌을 것이다.

그래도 이는 기껏해야 사소한 흠일 뿐이다. 이번에 이 매력적인 오페라를 놓쳤다면, 11월 초 린버리 스튜디오 시어터 공연 중 한 회차를 지금이라도 꼭 예매하시길. 후회하지 않을 것이다.

자세한 정보는 www.operahollandpark.com