RESENHA: As Aventuras de Alice no País das Maravilhas, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

A produção de Alice's Adventures In Wonderland da Opera Holland Park. Foto: Alex Brenner Alice's Adventures In Wonderland

Opera Holland Park

18/07/15

5 estrelas

Esta deliciosa ópera de Will Todd e Maggie Gottlieb estreou na Opera Holland Park há alguns anos e regressou ao repertório na temporada regular de verão de 2015. Há alguns meses foi lançado um disco com os principais números, que foi analisado aqui. A obra foi apresentada num dos relvados por detrás do complexo principal de Holland Park, utilizando quatro cenários diferentes, entre os quais cantores, orquestra e público se deslocavam ao som de uma sequência de ligação em estilo latino, repetida (e muito pegajosa). O elenco e os músicos, em grande parte, retomam os seus papéis de 2013. As personagens e a linha narrativa principal vêm de Lewis Carroll (agora com 150 anos, ainda jovem), mas há também um dispositivo de enquadramento, aparentemente inspirado nas histórias do Harry Potter, que coloca inicialmente Alice (Fflur Wyn) não na Oxford vitoriana, mas em Grimthorpe, uma desagradável cidade do Norte, de onde ela está mais do que pronta para escapar assim que se alia a um Coelho Branco falante (James Cleverton). Depois dos primeiros encontros com um Gato de Cheshire em versão contratenor (Magid El-Bushra) e uma garrafa cantante (Maud Millar) que daria à Cunégonde uma corrida de coloratura à altura — estamos lançados. Somos apresentados, em rápida sucessão, a todas as personagens familiares da história, a maioria das quais tem a sua própria ária para estabelecer os traços principais do seu carácter, reaparecendo depois em quadros posteriores. Grande parte do diálogo é, sabiamente, retirada de Carroll e depois polvilhada com o pó de fada de várias referências contemporâneas espirituosas (a sátira à atual cultura obsessiva dos testes escolares é particularmente eficaz nas mãos de Humpty Dumpty e Tweedle Dum e Tweedle Dee). À medida que avançamos pelos cenários, percebemos que há bastante “Malícia no País das Maravilhas” sob a forma da Rainha Vermelha (Robert Burt) e dos seus capangas, e a segunda metade da ópera dedica-se à crescente determinação de Alice em enfrentar este autoritarismo arbitrário e desenfreado e restaurar a ordem no País das Maravilhas. Um ponto fulcral aqui é a única ária verdadeiramente prolongada de Alice — “I flew high in my dreams” — que é, em grande medida, um número expansivo e aspiracional à la Sondheim, reminiscente de “I remember sky”, de Evening Primrose. Daí até ao final, as forças da malícia desmoronam e o País das Maravilhas é rapidamente restaurado, antes de Alice regressar a Grimthorpe, subtilmente transformada. Então, porque funciona tudo isto tão bem? Em parte, a resposta está em manter-se próximo do original e não fazer alterações por fazer. Quem adaptar Carroll faria bem em lembrar-se de que, na vida real, ele era um matemático e lógico de relevo. O raciocínio pode estar invertido e ser o oposto do sensato, mas continua cheio de uma lógica própria, que se torna ainda mais divertida quando é levada a sério, como aqui acontece. Outra forma de fidelidade a Carroll (e a Tenniel!) está nos figurinos, brilhantemente detalhados na sua autenticidade e plenamente imaginativos quando precisam de se afastar dela. Por exemplo, o traje da lagarta é soberbamente exagerado, e a armadura do Cavaleiro Branco é uma improvisação genial a partir do mais banal equipamento de cozinha brilhante. Os cenários são luminosos, alegres e consistentes — sendo talvez o melhor deles a mesa de ângulos marcados do Chá do Chapeleiro Louco. Também se faz bom uso do ambiente natural, com personagens a emergirem de repente do arvoredo e árvores locais a serem integradas na ação. A música também é concebida para funcionar bem ao ar livre. Grande parte é um sublinhado astuto que não interfere com a projeção do texto para o público. Mas há também muita variação estilística — muitos ritmos latinos, calipso e jazz, e numerosos ecos de compositores familiares, por exemplo, o Bernstein de West Side Story. Há bastante pastiche com piscadela de olho, sempre executado com elegância. A orquestra de doze elementos tem muito que fazer: põe-nos em marcha com uma abertura viva, definindo o ambiente, e há muitos solos cheios de carácter no que se segue. Não é tarefa fácil para o maestro Matthew Waldren gerir estas forças díspares ao ar livre e em movimento, mas marcou tempos vivos e conseguiu manter todos juntos sem problemas visíveis. Entre as interpretações individuais, Wyn merece destaque pela projeção clara do texto e das melodias, e pela caracterização enérgica, mas precisa, do papel principal. Robert Burt gerou uma tempestade de indignação sintética e agitada como a Rainha Vermelha — muito na linha de uma irmã da Miss Trunchbull. Keel Watson tirou grande partido do seu “Wonderland Blues”, provavelmente o número musical individual mais memorável do espetáculo; e Victoria Simmonds comandou, ralhou e vociferou com energia como o Chapeleiro Louco, antes de sucumbir aos encantos da excêntrica Duquesa interpretada por Maud Millar. A Lebre de Março, o Cavaleiro Branco, o Leirão e Humpty Dumpty receberam retratos vivos. Um quarteto de “Vitorianos”, com aspeto de quem escapara de Topsy, Turvy, forneceu apoio e comentário e também orientação/coordenação ao público. E o que achou o público de tudo isto? As crianças pareceram totalmente encantadas com o desenrolar dos acontecimentos, e havia mais do que alguns adultos de pé ao fundo a sorrir de lado ao longo das muitas falas com um duplo sentido para pessoas de idades diferentes, sem serem propriamente double entendres. Não fiquei totalmente convencido pelo argumento de que a deslocação de cenário em cenário fosse necessária para evitar que as crianças ficassem inquietas e aborrecidas. De onde eu estava sentado, havia poucos sinais disso, e, em certos aspetos, o constante ir e vir foi contra a concentração e o foco de duas maneiras específicas. Em primeiro lugar, demorava algum tempo até que todos assentassem e voltassem a ligar-se à música e às letras; e, em segundo lugar, a sucessão de mudanças de cena impedia os intérpretes de se envolverem de forma vigorosa e direta com os membros do público. Os ingredientes aqui oferecidos são semelhantes aos que se encontram numa pantomima de Natal realmente boa: a possibilidade de uma interação ainda mais direta, à maneira da tradição da panto, teria aumentado ainda mais o prazer do público jovem.

Ainda assim, é apenas uma implicância. Se perdeu esta ópera encantadora desta vez, então reserve já para uma das récitas no Linbury Studio Theatre no início de novembro. Não se vai arrepender.

Para mais informações, visite www.operahollandpark.com