CRITIQUE : Quelque part en Angleterre, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭

Quelque part en Angleterre

New Wimbledon Studio

15 octobre 2016

4 étoiles

C'est la redécouverte la plus importante et excitante d'une comédie musicale britannique « perdue » depuis la reprise au King's Head Theatre en 1982 de « Mr Cinders » de Vivian Ellis (une production qui s'est ensuite transférée au West End, où elle a duré quinze mois et a continué à être relancée dans le monde entier).  Initialement écrite en 1987 pour les amateurs de haute qualité du Questors Theatre à Ealing, avec une musique de Gordon Caleb, figure mineure de l'industrie, des paroles de Caleb et Vincent McQueen, et un livret de Jean Caleb, elle a été jouée pendant une seule semaine et n'a incroyablement jamais été reprise depuis. Pourtant, elle continue de fasciner bon nombre des membres originaux de la troupe de 27, dont l'une – Sheila Daniels – a maintenant réussi à produire et diriger (enchantement) une production vitrine professionnelle, qui vient de vendre tous ses billets pour sa brève série au Studio entreprenant du New Wimbledon.

On peut comprendre pourquoi elle est populaire parmi le public. Dès le tout premier numéro, avec la population d'une petite ville « quelque part en Angleterre » (comme le disait l'expression vague des reportages de guerre) envoyant ses jeunes hommes combattre Jerry durant la guerre – et accueillant simultanément une base de l'armée américaine et sa population de GI, la musique magnifiquement construite, immédiatement mélodieuse et charmante, chaleureusement harmonieuse et rythmiquement intelligente, et les paroles parfaitement tournées sont directement attrayantes.  À partir du résumé du premier numéro, vous pouvez probablement deviner que le récit du spectacle est techniquement habile : les moyens minimums sont utilisés pour compresser le maximum de narration dans les numéros musicaux, clairement exposés par la chorégraphie toujours inventive de Madeline Eaton-Belton (habilement enrichie par deux membres principalement jeunes de la troupe, Ryan Ferrie et Aaron Jenson.)

Jusqu'ici tout est efficace, mais c’est dans le deuxième numéro, une valse nostalgique mais spirituelle pour deux des figures maternelles de la ville (Patsy Blower et Olivia Maffett), « Qu'est-ce qui a mal tourné ? », que nous réalisons que Gordon Caleb est un grand mélodiste, capable de toucher le cœur avec, comme l'aurait dit Cole Porter, un refrain constamment surprenant, utilisant les deux voix féminines pour créer des harmonies exquises.  L'analogie est pertinente.  Cette partition évoque brillamment les styles musicaux de l'époque dans une savante pastiche qui nous convainc néanmoins qu’elle appartient vraiment à l'époque et sonne toujours « vraie », plutôt qu'affectée, mais ensuite Caleb a vécu la période et a servi dans la RAF – c'est son son.  On peut en dire autant des paroles, qui – bien que d’une élégance et d’un raffinement exceptionnels – portent toujours une vérité évidente : nous croyons toujours aux personnages qui les chantent, et nous en venons de plus en plus à nous soucier d'eux.  Le livre atteint le même effet simple d'être immensément lumineux et plaisant et aussi captivant : bien que d'une minceur extrême en termes d'intrigue, il est écrit avec une telle habileté, et une telle parfaite compréhension de sa forme choisie – la comédie musicale – qu'on doit accepter ses personnages et situations pour ce qu'ils sont, et en effet venir à voir dans ses frivolités de sucre filé tant d’aspects de nous-mêmes.

Le troisième numéro, une pièce de choix pour les arrivées des GI, « Moi! Moi! Moi! », est une chanson à liste à la manière de Porter dont les paroles éblouissent et enchantent aussi fraîchement aujourd'hui que lorsqu'elles ont été écrites pour la première fois, ou en fait lorsque le génie comique de Cole brillait dans les années 1940.  L'intelligence de l'écriture flatte le public ; le spectacle nous dit que nous sommes égaux à sa flamboyance littéraire et sophistication, et la production fait tout le travail pour nous rendre le sens du texte clair.  À ce stade du spectacle, nous nous amusons vraiment, mais – comme toujours ici – encore mieux est sur le point d'arriver.

La séquence dans laquelle nous entendons certains habitants hostiles, « Yanks, Rentrez chez vous ! » (par les NIMBY zélés, M. Crowe (Derek Elwood) et Mme Johns (Annie Aldington)), suivie par une chorale féminine diégétique animant le thé de l'après-midi organisé par le vicaire (Tony Barber, recréant avec brio sa caractérisation originale de 1987) avec une parodie pastorale, « À la campagne », et couronnée par les plaintes des doughboys frustrés, « Nous voulons rentrer à la maison », est où Caleb démontre son contrôle absolu de sa forme.  Par un coup de génie totalement inattendu, les trois chansons ne sont pas seulement empilées les unes sur les autres mais entrelacées avec une habileté tout simplement mozartienne, les voix s’entrecroisant comme dans une finale symphonique : c'est un ensemble merveilleux.

Il enchaîne avec un duo amoureux léger, « Drôle de toi », pour Marjorie (la maîtresse d'école réprimée de Stephenie De Whalley) et Chuck (le Sam Landon affectueusement désinvolte).  Puis il change agréablement d'humeur pour son numéro de « mauvaise fille », « Eva », qui est un autre type de duo pour une autre paire de prétendus amants : la fille type Barbara Windsor, farceuse mais gentille du titre (magnifiquement comique et vivante Hannah Ponting), qui ne se contente pas d'un seul garçon (le caporal Frizelli, joué par le vrai Yank ici, Matt Fulbright… et non, je ne sais pas s'il a un lien de parenté avec le célèbre fondateur des bourses transatlantiques) – elle veut la liberté de les choisir tous, exhibant l'indépendance pleine de vivacité qu'elle arbore avec aplomb. C'est un monde, un peu comme celui de Mozart, où les femmes prennent toujours le dessus.

Nous entendons ensuite à nouveau les gars ; les plaintes exprimées de Joe (le splendide ténor à la voix de Dick Haymes de Ryan Ferrie) et du troisième GI, Elmer, (le gentleman du sud, Jensen) se fondent harmonieusement dans un autre morceau parfaitement caractérisé, « Elle dit oui, elle dit non ? », qui se révèle être un numéro de transition incroyablement bien conçu, commençant au milieu d'une scène, et nous déposant à sa conclusion au milieu de la scène suivante, sans aucune suggestion de coupure, montrant davantage la capacité technique incroyable de Caleb.  Et puis, pour la conclusion de l'acte 1, il nous livre encore un ensemble pour toute sa troupe avec un numéro de jive entraînant qui résonne frénétiquement dans les oreilles et les esprits du public tout au long de l'entracte.

J'ai passé autant de temps à analyser les différentes parties de la première moitié du spectacle pour une très bonne raison : je veux pouvoir trouver une réponse à la question, « Pourquoi une comédie musicale aussi bonne a-t-elle été ignorée pendant si longtemps ? »   Et si un spectacle comme celui-ci reste oublié et négligé, alors combien d'autres grands spectacles attendent-ils encore d'être découverts ?  Qui sait.

Suffit-il de dire que la seconde moitié réserve des délices équivalents.  En ouvrant l'acte, le numéro-titre pour les Britanniques est un beau numéro qui aurait pu être un succès pour Vera Lynn.  Il y a le plaisantin « Compatibilité », le mûr réfléchissant « Grandir » qui explore les compromis moraux révélés par les réponses pragmatiques à la séparation et à la brièveté de la vie en temps de guerre (Patsy Blower est magnifiquement conflictuelle dans cette scène, en tant que mère du garçon qui était le prédécesseur de Joe dans les affections de Phyllis avant qu'il n'arrive et ne fasse également une si bonne impression sur elle), puis nous avons le spectaculaire « Faites-le pour l'Oncle Sam ! » pour les GI, une chanson qu'Irving Berlin aurait été ravi de revendiquer comme la sienne (ici menée par le superbe ténor de Fed Zanni, en tant que sergent Meyer).  Déchirée entre deux garçons, Phyllis (la douce voix de Kluane Saunders) doit écrire une lettre « Cher John... » dans « Je ne sais pas comment te le dire ».  Puis, dans un rebondissement évocateur des drames de Noel Coward, où la tentation est agitée devant les yeux d'une Anglaise respectable, qu'elle résiste alors, souvent à la dernière minute, et grâce à une intervention fortuite externe, le temps passe : une lettre rare arrive du bien-aimé, puis avant que nous le sachions, les GI partent pour ouvrir le second front en Normandie.  Pourtant, de manière évidente, sous la légèreté et la gaieté du monde de la comédie musicale que nous habitons, il y a des émotions plus sombres à l'œuvre, et elles atterrissent, de manière poignante, et donnent à cette œuvre profondeur et résonance.

Le groupe est sur scène tout au long, et habillé en uniforme de GI s’intègre parfaitement, surtout lorsqu’on leur demande d'être « en personnage » en tant qu'ensemble pour la scène de danse : les arrangements délicieux de John Spanyol sont en grande partie improvisés par lui et son combo de style jazz composé de Diccon Cooper (basse), Dave Tandy (batterie) et George Millard (anches et bois – il y a quelques moments à la Tommy Dorsey pour la clarinette !), et cette spontanéité apporte une fraîcheur supplémentaire au son.  Et les costumes – dont il y en a BEAUCOUP pour les dames – sont magnifiques.  Mais la mise en scène elle-même ne nécessite que cinq bancs immensément polyvalents, un panneau et une chaise, offrant une rapidité et une fluidité aux transitions qui semblent très contemporaines.  Le spectacle est éclairé par Jed Brook, et Christopher Gadd crée des ambiances sonores utiles, et la direction technique globale est assurée par Stuart French.

Daniels a efficacement resserré le script original et présente ici l’histoire comme une action fluide pour seulement 13 joueurs : bien que plusieurs années passent dans l'intrigue, elle parvient à rendre les lacunes invisibles, se concentrant toujours sur l'importance des relations entre les personnages.  Avec l'énorme succès de cet atelier à son actif, elle pourrait bien vouloir revisiter le script ou l'interprétation à nouveau, peut-être dans le but de pousser les choses encore plus loin, surtout dans le deuxième acte, lorsque les émotions deviennent les plus brutes et exposées – les spectateurs d'aujourd'hui veulent peut-être et ont besoin d'entendre davantage la lutte que vivent les personnages, entre les amants compromis, par exemple, et la colère d'Elmer pourrait être plus furieuse que le permet actuellement l'arrangement de son « Je me fais balader ». Dans un spectacle avec autant de douceur, nous avons aussi besoin d'une bonne dose de sel.  Il suffit de penser à la quantité de drame intense que le Théâtre National a tiré du script de Hammerstein pour « Oklahoma! », un spectacle pas célèbre pour son caractère dramatique, pour apprécier que sous le visage souriant des années 1940 il y a souvent beaucoup de douleur humaine.  Ce sont néanmoins des détails relativement mineurs, dans un spectacle qui est en très, très bonne forme.

D'autres travaux de Gordon Caleb incluent beaucoup de réalisations pour le City Varieties à Leeds, notamment « Strike a Light », qui porte sur la grève des allumières Bryant et May, et transféré au Piccadilly de Londres, et « Dearest Dracula » qui a été produit à Dublin.  Sur la base de cette excellente reprise, il mérite sûrement d'être mieux connu.   Entre-temps, voici cette formidable production d'une grande comédie musicale longtemps perdue et maintenant retrouvée.  Des intéressés ?

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