RECENSIE: Somewhere in England, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭

Somewhere In England

New Wimbledon Studio

15 oktober 2016

4 sterren

Dit is de belangrijkste en meest opwindende herontdekking van een 'verloren' Britse musical sinds de heropvoering van Vivian Ellis' 'Mr Cinders' in het King's Head Theatre in 1982 (een productie die later naar West End verhuisde, daar vijftien maanden draaide en wereldwijd nog steeds heropvoeringen kent).  Oorspronkelijk in 1987 geschreven voor het hoogwaardige amateurtoneel van het Questors Theatre in Ealing, met muziek van Gordon Caleb, liedteksten van Caleb en Vincent McQueen en een script van Jean Caleb, speelde het destijds slechts één week en is het sindsdien – ongelooflijk genoeg – nooit meer opgevoerd. Toch is het veel leden van de oorspronkelijke cast van 27 blijven fascineren. Een van hen – Sheila Daniels – is er nu in geslaagd om een professionele showcase-productie te produceren en (betoverend) te regisseren, die zojuist de korte speelperiode in de ondernemende Studio van New Wimbledon volledig heeft uitverkocht.

Het is begrijpelijk waarom dit stuk zo populair is bij het publiek. Al vanaf het openingsnummer, waarin de inwoners van een stadje 'ergens in Engeland' (zoals de nietszeggende oorlogsverslaggeving het destijds omschreef) hun jonge mannen uitzwaaien om tegen de Duitsers te vechten – en tegelijkertijd een Amerikaanse legerbasis met haar GIs verwelkomen – zijn de prachtig gemaakte muziek (direct melodieus en charmant, warm harmonieus en ritmisch vernuftig) en de perfect afgewerkte teksten onmiddellijk aanstekelijk.  Uit de samenvatting van het openingsnummer kun je waarschijnlijk ook opmaken dat de storytelling in de show technisch zeer behendig is: met een minimum aan middelen wordt een maximum aan verhaal in de muzikale nummers gecomprimeerd, helder uiteengezet door de immer inventieve choreografie van Madeline Eaton-Belton (bekwaam aangevuld door twee castleden, Ryan Ferrie en Aaron Jenson).

Tot zover zeer effectief, maar in het tweede nummer – een nostalgische maar gevatte wals voor twee moeders uit het stadje (Patsy Blower en Olivia Maffett), 'What Went Wrong?' – beseffen we dat Gordon Caleb een groot componist is. Hij weet het hart te raken met, zoals Cole Porter het zou zeggen, een constant verrassend refrein, waarbij hij de twee vrouwenstemmen gebruikt voor prachtige harmonieën.  De vergelijking is passend.  Deze partituur roept op briljante wijze de muzikale stijlen van die tijd op in een meesterlijke pastiche die ons er niettemin van overtuigt dat het echt uit die periode komt en altijd 'echt' klinkt in plaats van gekunsteld. Maar Caleb heeft de periode dan ook zelf meegemaakt in de RAF – dit is zijn geluid.  Hetzelfde geldt voor de teksten, die – hoewel verbazingwekkend gepolijst en elegant – altijd een kern van waarheid bevatten: we geloven in de personages die ze zingen en gaan steeds meer om hen geven.  Het script bereikt hetzelfde eenvoudige effect: het is ontzettend vlot, plezierig en meeslepend. Hoewel het plot flinterdun is, is het met zoveel vakmanschap geschreven en met zo'n perfect begrip van de gekozen vorm – de musical comedy – dat je de personages en situaties voor lief neemt en in de ogenschijnlijke lichtvoetigheid toch veel van onszelf terugziet.

Het derde nummer, een showstuk voor de aankomst van de GIs genaamd 'Me! Me! Me!', is een list-song in de stijl van Porter, waarvan de tekst vandaag de dag nog even fris en verrukkelijk is als toen hij werd geschreven, of toen Coles komische genie schitterde in de jaren 40.  De intelligentie van het schrijven vleit het publiek; de show vertelt ons dat we opgewassen zijn tegen de literaire glans en verfijning, en de productie doet al het werk voor ons om de betekenis van de tekst duidelijk te maken.  We vermaken ons op dit punt uitstekend, maar – zoals gebruikelijk hier – het beste moet nog komen.

In de sequentie waarin we kritische lokale bewoners horen, 'Yanks, Go Home!' (door de bemoeizieke types Mr Crowe (Derek Elwood) and Mrs Johns (Annie Aldington)), gevolgd door een dameskoor dat de middagthee bij de dominee (Tony Barber, die zijn oorspronkelijke vertolking uit 1987 briljant herhaalt) opvrolijkt met een pastorale parodie 'In the Country', en afgesloten door de klachten van de gefrustreerde soldaten 'We Wanna Go Back Home', laat Caleb zien dat hij zijn vak volledig beheerst.  In een totaal onverwachte geniale zet worden de drie nummers niet alleen op elkaar gestapeld, maar met haast Mozartiaanse behendigheid door elkaar geweven, waarbij de stemmen in en uit elkaar vloeien als in een symfonische finale: het is een prachtig pronkstuk.

Hij vervolgt dit met een luchtig liefdesduet, 'Funny Old You', voor Marjorie (de gereserveerde schooljuf van Stephenie De Whalley) en Chuck (de aandoenlijk nonchalante Sam Landon).  Daarna verandert hij prettig van toon voor zijn 'bad girl' nummer, 'Eva', een duet van een ander kaliber voor een paar twijfelende geliefden: de Barbara Windsor-achtige, ondeugende maar lieve Eva (een magnifiek komische en levendige Hannah Ponting), die geen genoegen neemt met slechts één jongen (Korporaal Frizelli, gespeeld door de enige echte Amerikaan in de cast, Matt Fulbright... en nee, ik weet niet of hij familie is van de oprichter van de beroemde beurzen) – ze wil de vrijheid om uit hen allemaal te kiezen, een onafhankelijkheid die ze met verve uitdraagt.  Dit is een wereld, vergelijkbaar met die van Mozart, waarin de vrouwen uiteindelijk de touwtjes in handen hebben.

Vervolgens horen we de mannen weer; de gesproken klachten van Joe (de tenor Ryan Ferrie met een stem als Dick Haymes) en de derde GI, Elmer (de zuidelijke gentleman Jensen), vloeien naadloos over in weer een perfect gekarakteriseerd lied, 'Will She, Won't She?'. Dit blijkt een ongelooflijk goed gemaakte transitie te zijn, die begint in de ene scène en ons aflevert aan het einde van de volgende, zonder enige merkbare onderbreking – wederom een bewijs van Calebs verbluffende technische kunnen.  Voor de afsluiting van de eerste akte tovert hij nog een ensemble-nummer uit de hoge hoed met een stuwende jive die nog de hele pauze in de oren en hoofden van het publiek blijft nagolven.

Ik heb de individuele onderdelen van de eerste helft zo uitgebreid geanalyseerd met een goede reden: ik wil een antwoord vinden op de vraag: 'Waarom is een musical die zó goed is, zo lang genegeerd?'   En als een show als deze vergeten en verwaarloosd blijft, hoeveel andere geweldige shows liggen er dan nog te wachten op ontdekking?  Wie zal het zeggen.

Het volstaat te zeggen dat de tweede helft evenveel moois biedt.  De akte opent met het titelnummer voor de Britten, een prachtig lied dat een hit van Vera Lynn had kunnen zijn.  Er is het grappige 'Compatability', het bedachtzame, volwassen 'Growing Up' dat de morele compromissen verkent die horen bij scheiding en de vergankelijkheid van het leven in oorlogstijd (Patsy Blower is briljant in haar innerlijke strijd als de moeder van de jongen die Joe's voorganger was in Phyllis' hart). En dan krijgen we het verbluffend atletische 'Do It For Uncle Sam!' voor de GIs, een nummer dat Irving Berlin met trots het zijne had genoemd (hier geleid door de uitstekende tenor Fed Zanni als Sergeant Meyer).  Verscheurd tussen twee jongens moet Phyllis (met de zachte stem van Kluane Saunders) een afscheidsbrief schrijven in 'I Don't Know How To Tell You'.  Dan volgt een wending die doet denken aan de drama's van Noël Coward, waarbij een fatsoenlijke Engelse vrouw in verleiding wordt gebracht, om die vervolgens – vaak op het laatste moment door extern ingrijpen – te weerstaan. De tijd verstrijkt, er komt een zeldzame brief van het thuisfront, en voor we het weten vertrekken de GIs om het tweede front in Normandië te openen.  Onder de lichtheid en vrolijkheid van deze musicalwereld spelen duidelijk donkerdere emoties mee, die veel indruk maken en het werk diepgang en resonantie geven.

De band staat de hele tijd op het toneel en past in hun GI-uniformen perfect in het geheel, vooral wanneer ze 'in karakter' meedoen aan de dansscène.  De heerlijke arrangementen van muzikaal leider John Spanyol zijn grotendeels door hem en zijn jazz-combo (Diccon Cooper op bas, Dave Tandy op drums en George Millard op rietblazers – er zijn wat Tommy Dorsey-achtige momenten op klarinet!) geïmproviseerd, wat de sound extra frisheid geeft.  En de kostuums – waarvan er VEEL zijn voor de dames – zijn prachtig.  Het decor zelf vereist slechts vijf veelzijdige bankjes, een paneel en een stoel, wat de overgangen een snelheid en souplesse geeft die heel eigentijds aanvoelt.  De belichting is van Jed Brook, Christopher Gadd verzorgt de soundscape en de technische leiding is in handen van Stuart French.

Daniels heeft het originele script efficiënt aangescherpt en presenteert het verhaal hier als een vlotlopend geheel voor slechts 13 spelers.  Hoewel er in het plot meerdere jaren voorbijgaan, weet ze de tussenliggende periodes onzichtbaar te maken, waarbij de focus altijd op de personages en hun onderlinge relaties blijft liggen.  Met het grote succes van deze workshop op zak, wil ze het script of de interpretatie wellicht nog eens tegen het licht houden, misschien om de grenzen nog verder te verleggen.  Vooral in de tweede akte, wanneer de emoties het meest rauw en bloot komen te liggen – mogelijk wil en moet het publiek van vandaag meer horen van de strijd die de personages doormaken, bijvoorbeeld tussen de geliefden in hun morele spagaat. Ook zou de woede van Elmer feller mogen zijn dan het huidige arrangement voor 'I Get The Run Around' toelaat. In een show met zoveel zoetigheid hebben we ook een flinke snuf zout nodig.  Denk aan het intense drama dat het National Theatre uit Hammersteins script voor 'Oklahoma!' haalde, een show die ook niet bekendstond om zijn rauwe randje, om te beseffen dat er onder de glimlach van de jaren 40 vaak veel menselijk leed schuilgaat.  Dit zijn echter kleine details in een show die er verder ontzettend goed voorstaat.

Het overige werk van Gordon Caleb bevat veel producties voor de City Varieties in Leeds, waaronder 'Strike a Light' (over de staking van de match girls bij Bryant & May), dat naar het Piccadilly Theatre in Londen verhuisde, en 'Dearest Dracula' dat in Dublin werd geproduceerd.  Op basis van deze uitstekende heropvoering is hij het zeker waard om beter te leren kennen.   Ondertussen hebben we hier deze geweldige productie van een prachtige, lang verloren gewaande en nu herontdekte musical comedy.  Wie durft?

LEES MEER OVER SOMEWHERE IN ENGLAND