리뷰: 영국 어딘가, 뉴 윔블던 스튜디오 ✭✭✭✭

어딘가의 잉글랜드

뉴 윔블던 스튜디오

2016년 10월 15일

별 4개

1982년 킹스 헤드 시어터가 비비언 엘리스의 ‘Mr Cinders’를 부활시킨 이후(그 프로덕션은 웨스트엔드로 옮겨가 15개월간 공연했고 이후 전 세계에서 꾸준히 재공연됐다), ‘잃어버린’ 영국 뮤지컬의 재발견 중 이보다 더 중요하고 설레는 사례는 없었을 것이다.  1987년, 일링의 수준 높은 아마추어 극단 퀘스터스 시어터를 위해 처음 쓰였고, 음악은 업계에서 크게 알려지진 않았지만 탄탄한 작곡가 고든 케일럽이, 가사는 케일럽과 빈센트 맥퀸이, 대본은 진 케일럽이 맡았다. 단 1주만 공연된 뒤 믿기 어려울 만큼 지금껏 한 번도 재공연되지 않았다. 그럼에도 27명으로 구성됐던 초연 출연진 가운데 많은 이들의 마음을 오래도록 사로잡아 왔고, 그중 한 명인 실라 대니얼스가 마침내(매혹적으로) 프로듀싱과 연출을 모두 맡아, 뉴 윔블던의 진취적인 스튜디오에서 짧게 올린 프로페셔널 쇼케이스 프로덕션을 전 회차 매진시켰다.

관객들이 왜 이 작품을 좋아하는지 충분히 이해된다. ‘어딘가의 잉글랜드’라는 작은 마을의 주민들이 전쟁에서 ‘제리(독일군)’와 싸우러 떠나는 젊은이들을 배웅하는 동시에, 미군 기지와 GI들이 마을로 들어오는 상황을 그려내는 첫 곡부터, 정교하게 빚어진 음악은 듣자마자 멜로디가 착 감기고 매력적이며, 따뜻한 화성과 영리한 리듬을 갖추고 있고, 문장처럼 깔끔하게 다듬어진 가사는 곧장 마음을 끈다.  첫 곡의 내용만 봐도 이 작품의 스토리텔링이 얼마나 능숙한지 짐작할 수 있을 것이다. 최소한의 수단으로 최대한의 서사를 넘버들 안에 압축해 담아내고, 매들린 이튼-벨턴의 늘 기발한 안무가 이를 명료하게 펼쳐 보인다(주로 젊은 캐스트인 라이언 페리와 애런 젠슨이 능숙하게 안무에 힘을 보탠다).

여기까지도 충분히 설득력 있지만, 진짜로 ‘고든 케일럽이 대단한 멜로디 메이커’라는 걸 깨닫게 되는 건 두 번째 곡, 마을의 중년 여성 두 사람(패치 블로워, 올리비아 매핏)을 위한 향수 어린 동시에 재치 있는 왈츠 ‘What Went Wrong?’에서다. 콜 포터식으로 말하자면, 끊임없이 놀라움을 주는 후렴으로 심장을 건드릴 줄 알고, 두 여성 목소리를 활용해 정교한 화음을 만들어낸다.  이 비유는 정확하다.  이 악보는 그 시대의 뮤지컬 스타일을 능숙한 파스티시로 훌륭히 소환하면서도, ‘그럴듯한 흉내’가 아니라 정말 그 시대에 속한 음악처럼 항상 ‘진짜’로 들린다. 하지만 케일럽은 그 시절을 직접 살았고 RAF에서 복무했으니, 그 소리는 곧 그의 소리이기도 하다.  가사도 마찬가지다. 놀랄 만큼 세련되고 우아하지만 늘 진실의 울림을 품고 있어, 우리는 노래하는 인물들을 믿게 되고, 점점 더 그들에게 마음을 준다.  대본 역시 같은 효과를 낸다. 눈부시게 영리하고 즐거우면서도 몰입감이 있다. 줄거리는 종이장처럼 얇을지 몰라도, 이렇게 뛰어난 솜씨와 선택한 형식—뮤지컬 코미디—에 대한 완벽한 이해로 쓰였기에, 인물과 상황을 있는 그대로 받아들이게 되고, 솜사탕 같은 가벼움 속에서 우리 자신의 많은 모습을 발견하게 된다.

세 번째 곡은 GI들이 도착하며 펼치는 쇼피스 ‘Me! Me! Me!’로, 포터를 연상시키는 리스트 송이다. 가사는 처음 쓰였던 때는 물론, 1940년대 콜 포터의 코믹한 천재성이 빛나던 시절 못지않게 오늘날에도 눈부시고 즐겁게 다가온다.  글의 지성은 관객을 존중한다. 이 작품은 우리에게 “당신은 이 문학적 번뜩임과 세련됨을 충분히 따라올 수 있다”고 말하고, 프로덕션은 텍스트의 의미가 또렷이 전달되도록 필요한 작업을 모두 해낸다.  이쯤 되면 관객은 이미 즐거움에 흠뻑 젖어 있지만, 언제나 그렇듯 여기서는 더 좋은 게 곧이어 온다.

바쁜 참견쟁이 NIMBY들인 크로우 씨(데릭 엘우드)와 존스 부인(애니 올딩턴)이 불평을 쏟아내는 ‘Yanks, Go Home!’으로 시작해, 부목사가 주최한 애프터눈 티를 디제틱한 레이디스 합창단이 목가적 패러디 ‘In the Country’로 흥겹게 꾸미고(토니 바버가 1987년 초연 당시의 캐릭터 해석을 훌륭히 재현한다), 마지막으로 풀이 죽은 병사들이 ‘We Wanna Go Back Home’에서 투덜대는 대목에 이르면, 케일럽이 이 형식을 얼마나 완벽히 장악하고 있는지 확인하게 된다.  완전히 예상치 못한 천재적 한 수로, 이 세 곡은 단순히 차곡차곡 쌓이는 데 그치지 않고, 교향곡 피날레처럼 목소리가 드나들며 모차르트적 솜씨로 촘촘히 엮인다. 정말 멋진 셋피스다.

그 뒤를 잇는 것은 마조리(스티븐니 드 왈리가 연기한 억눌린 여교사)와 척(다정하게 태연한 샘 랜던)의 경쾌한 사랑 듀엣 ‘Funny Old You’다.  이어 그는 분위기를 기분 좋게 바꿔 ‘나쁜 여자’ 넘버 ‘Eva’를 선보이는데, 또 다른 ‘될 듯 말 듯한’ 연인 후보들을 위한 다른 결의 듀엣이다. 제목의 주인공은 바버라 윈저를 떠올리게 하는, 장난스럽지만 미워할 수 없는 소녀(코믹하고 생기 넘치는 해나 폰팅)로, 단 한 명의 남자에게 만족하지 않는다(진짜 미국인 배우 맷 풀브라이트가 연기한 프리젤리 상병… 그리고 아니, 그가 대서양 횡단 장학 프로그램의 유명한 창립자와 친척인지 나는 모른다). 그녀는 모두 중에서 고를 자유를 원하며, 당당한 독립심을 여유롭게 펼쳐 보인다.  여성들이 늘 결국 우위를 점하는, 모차르트의 세계를 조금 닮은 세계다.

다음으로 다시 남자들의 이야기가 이어진다. 조(라이언 페리가 딕 헤임스 같은 음색으로 들려주는 훌륭한 테너)와 세 번째 GI 엘머(남부 신사 같은 젠슨)의 대사로 된 불평이 자연스럽게 또 하나의 완벽히 성격화된 곡 ‘Will She, Won’t She?’로 이어진다. 이 곡은 놀랄 만큼 정교하게 만든 전환 넘버로, 한 장면 한가운데서 시작해 끊김의 기미조차 없이 다음 장면의 한복판에 우리를 내려놓는다. 케일럽의 압도적인 기술적 역량을 또 한 번 보여주는 순간이다.  그리고 1막의 결말로 그는 전 출연진을 위한, 추진력 있는 자이브 앙상블 넘버를 터뜨리는데, 그 광란의 리듬은 인터미션 내내 관객의 귀와 머릿속에 맴돈다.

내가 1막의 개별 요소들을 이렇게 길게 분석한 데에는 분명한 이유가 있다. ‘이렇게 좋은 뮤지컬이 왜 이렇게 오랫동안 외면받아 왔을까?’라는 질문에 답을 찾고 싶기 때문이다.   그리고 이런 작품이 잊힌 채 방치된다면, 세상 어딘가에는 또 얼마나 많은 훌륭한 작품이 발견을 기다리고 있을까?  누가 알겠는가.

말하자면, 2막도 똑같은 만큼의 즐거움을 선사한다.  막을 여는 영국인들을 위한 타이틀 넘버는 베라 린이 불렀어도 히트했을 법한 아름다운 곡이다.  장난스러운 ‘Compatability’, 전시의 이별과 삶의 덧없음 앞에서 실용적 선택이 만들어내는 도덕적 타협을 성찰하는, 사려 깊고 성숙한 ‘Growing Up’이 이어진다(패치 블로워는 이 장면에서 훌륭하게 갈등하는데, 필리스가 조를 만나기 전 마음을 줬던 소년의 어머니로서, 조가 나타나 필리스에게도 좋은 인상을 남기기 전의 복잡한 감정을 설득력 있게 드러낸다). 그리고 GI들을 위한 놀라울 만큼 운동량이 큰 ‘Do It For Uncle Sam!’이 나오는데, 어빙 벌린이 자기 곡이라고 해도 기꺼이 인정했을 법한 넘버다(여기서는 마이어 상사 역의 페드 잔니가 뛰어난 테너로 이끈다).  두 남자 사이에서 갈등하는 필리스(달콤한 음색의 클루안 손더스)는 ‘I Don’t Know How To Tell You’에서 이른바 ‘디어 존…’ 편지를 써야 한다.  이어 노엘 카워드의 드라마를 떠올리게 하는 반전이 나타난다. 단정한 영국 여성 앞에 유혹이 아슬아슬하게 드리워지고, 그녀는 종종 막판에, 운 좋게도 외부의 개입 덕분에, 그것을 뿌리친다. 시간이 흐르고, 연인에게서 드문 편지가 도착하더니, 어느새 GI들은 노르망디에서 제2전선을 열기 위해 떠난다.  하지만 분명히, 우리가 머무는 뮤지컬 코미디의 가벼움과 명랑함 아래에는 더 어두운 감정들이 움직이고 있으며, 그것들이 결정적인 순간에 정확히 착지해 이 작품에 깊이와 울림을 더한다.

밴드는 내내 무대 위에 있고, GI 차림으로 갖춰 입은 모습도 완벽히 어울린다. 특히 댄스 장면에서 앙상블로 ‘캐릭터’를 요구받을 때 더욱 그렇다. 음악감독 존 스패니얼의 맛있는 편곡은 그와 그의 재즈 콤보—디콘 쿠퍼(베이스), 데이브 탠디(드럼), 조지 밀라드(리드/목관: 클라리넷에 토미 도시를 연상시키는 순간도 몇 번 있다!)—가 상당 부분 즉흥으로 만들어내며, 그 자발성이 사운드에 한층 신선함을 더한다.  그리고 의상—특히 여성들을 위한 의상이 ‘정말 많이’ 나오는데—눈이 부시게 아름답다.  하지만 무대 구성 자체는 다섯 개의 믿을 수 없을 만큼 다재다능한 벤치, 패널 하나, 의자 하나만으로도 충분하다. 전환이 빠르고 유연해 매우 현대적으로 느껴진다.  조명은 제드 브룩이 맡았고, 크리스토퍼 개드는 유용한 사운드스케이프를 만들며, 전체 테크니컬 디렉션은 스튜어트 프렌치가 담당한다.

대니얼스는 원고를 효율적으로 다듬어, 13명의 배우만으로도 유려한 액션으로 이야기를 제시한다. 줄거리에서는 몇 해가 흘러가지만, 그 공백이 보이지 않도록 만들며 언제나 인물들 사이 관계의 중요성에 관객의 시선을 집중시킨다.  이 워크숍이 큰 성공을 거둔 만큼, 그녀는 대본이나 해석을 다시 한 번 돌아보고, 특히 2막에서 감정이 가장 날것으로 드러나는 지점들을 더 밀어붙이고 싶어질지도 모른다. 어쩌면 오늘의 관객은 인물들이 겪는 संघर्ष(예컨대 타협 속에 엮인 연인들 사이의 갈등)도 더 듣고, 더 필요로 할 것이다. 또한 엘머의 분노는 현재의 ‘I Get The Run Around’ 편곡이 허락하는 것보다 더 격렬해질 수도 있다. 이렇게 달콤함이 많은 쇼일수록, 우리에겐 소금 한 줌의 강한 맛도 필요하다.  거친 작품으로 유명하진 않은 ‘Oklahoma!’에서조차, 내셔널 시어터가 해머스타인의 대본으로부터 얼마나 강렬한 드라마를 끌어냈는지 떠올리기만 해도, 1940년대의 미소 아래에는 종종 많은 인간적 고통이 숨어 있음을 알 수 있다.  다만 이런 점들은, 전반적으로 매우, 매우 좋은 상태에 올라 있는 작품에서는 비교적 사소한 디테일에 속한다.

고든 케일럽의 다른 작품으로는 리즈의 시티 버라이어티스에서 올렸던 ‘Strike a Light’(브라이언트 앤 메이 성냥공장 여성 노동자 파업을 다룬 작품으로 런던 피카딜리로도 이전했다)와, 더블린에서 제작된 ‘Dearest Dracula’ 등이 있다.  이번 훌륭한 부활 공연을 보건대, 그는 분명 더 잘 알려질 가치가 있다.   한편, 여기에는 오래도록 잃어버렸다가 이제 다시 찾아낸 훌륭한 뮤지컬 코미디의 멋진 프로덕션이 있다.  누가 받아갈까?

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