CRITIQUE : Tenderly, le musical sur Rosemary Clooney, au New Wimbledon Theatre ✭✭✭

Tenderly Le Musical de Rosemary Clooney

New Wimbledon Time and Leisure Studio,

6 septembre 2017

3 étoiles

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Rosemary Clooney est un choix inhabituel de chanteuse pour faire le point central d'une comédie musicale sur le show-business (et oui, elle était la tante réelle de l'acteur George). Elle n'est vraiment pas très connue ici, probablement mieux connue pour avoir joué face à Bing Crosby dans le succès retentissant de 1954 d'Irving Berlin, 'White Christmas', un film qui continue de charmer et envoûter les familles en période de Noël, apaisant les nerfs tendus des personnes tentant en vain de vivre selon les standards de Hollywood de la domestique pittoresque de Norman Rockwell. Et c'est peut-être l'un des attraits de ce spectacle : nous nous rapprochons d'un pilier central du mythe du contentement que nous nous racontons chaque année, espérant - peut-être - qu'un jour cela se réalisera.

Eh bien, ce que ce travail biographique a à nous dire, c'est que pour Rosemary Clooney elle-même, cela s'est réalisé, et pas tout à fait. Comme beaucoup de personnes travailleuses et buveuses de son époque, elle a slalomé à travers les hauts et les bas de l'alcoolisme et de la dépendance aux médicaments pendant des décennies, niant toujours qu'il y avait un problème, jusqu'à ce que tout commence à s'effondrer de manière très peu rentable : sa magnifique voix, son ticket pour la célébrité et la richesse, a commencé à se désintégrer, et avec elle, sa prise sur la vie réelle. Une dépression mentale s'ensuivit ; la reconnaissance et l'acceptation vint ensuite ; et enfin, le processus douloureux de confronter les changements nécessaires à apporter pour reconstituer sa vie. Une histoire très familière.

Ce qui rend cette pièce un peu différente, c'est l'approche adoptée par les auteurs jumeaux, Janet Yates Vogt et Mark Friedman. Bien que leur expérience soit dans le théâtre musical ('Sleepy Hollow - A Musical Tale', 'How I Became A Pirate' et une poignée d'autres histoires pour enfants, pour lesquelles ils partagent l'écriture du livre, de la musique et des paroles), pour ce travail, ils ont adopté une discipline beaucoup plus stricte d'écriture d'une pièce... avec musique. Il y a un dispositif de cadrage : Clooney (Katie Ray) est dans ce refuge idyllique tant aimé des stars hollywoodiennes en détresse, un sanatorium. Là, elle subit un interrogatoire type par un thérapeute standard (Fed Zanni). En chemin, elle revisite un grand nombre de ses succès les plus populaires : et il y a un petit orchestre à l'arrière de la scène intime pour l'accompagner. Le docteur se joint également de temps en temps, obtenant parfois son propre numéro. La thérapie par la parole - et le chant, et la danse (chorégraphie par Chi-San Howard) - fait son effet. Et voilà, pour une pièce à deux mains habilement écrite.

Mais sur ce parcours plutôt prévisible, il y a un grand plaisir à voir les deux acteurs prendre ces rôles principaux et assumer également de très nombreux autres rôles ; un changement d'éclairage rapide (grâce au design méticuleux d'Ali Hunter) est généralement tout ce qu'ils ont pour changer de personnage, bien qu'il y ait parfois une légère modification de costume (le design global est d'Anna Yates). Simon Holt accompagne le tout avec son orchestre capablement idiomatique (son par Chris Drohan). Tout est très intelligemment organisé par la réalisatrice, Tania Azevedo, vers qui le relativement nouveau producteur Joseph Hodges s'est tourné pour amener ce travail ambitieux et stimulant sur scène. C'est un acte difficile à réaliser, mais il y a des signes que son cœur est à la bonne place et au fur et à mesure de la progression de la représentation, il gagnera probablement en assurance et en fluidité. Comme les choses étaient à la nuit de la presse, il y avait une sensation plutôt méthodique à la soirée. Jusqu'à ce que l'événement dramatique crucial de la dépression de Clooney arrive - peu avant l'entracte, et alors la pièce prend réellement vie. Soudainement, nous ne pouvions plus prévoir le déroulement des scènes ni la direction des répliques. Le second acte en a énormément bénéficié de cet intérêt théâtral, et en conséquence, l'impact global de la pièce s'est considérablement amélioré.

Une grande partie du succès de l'œuvre repose sur les deux interprètes. Ici, le casting nous a donné deux personnes intéressantes, qui apportent des qualités engageantes à la production, bien qu'elles ne semblent pas toujours être les plus adéquates. Dans le rôle principal, Ray présente une ressemblance étonnante ; mais ce n'est pas Clooney qu'elle rappelle, mais plutôt - et avec insistance - Grace Kelly. Elle chante beaucoup mieux que Miss Kelly n'aurait jamais pu le faire, mais sa voix - encore une fois - nous rappelle plutôt une combinaison de Dinah Shore mêlée au vibrato prodigieux de Judy Garland, surtout dans les moments les plus expressifs. Donc, en d'autres termes, nous n'obtenons pas une imitation de Rosemary Clooney, mais plutôt la création d'un personnage qui ressemble à certains égards à plusieurs personnalités de son époque. De même, dans le rôle du Docteur, Zanni doit nous convaincre qu'il est soit Mme Clooney, la mère, soit même Frank Sinatra, le compagnon buveur, soit Jose Ferrer, le mari volage, et il doit créer de nombreux autres rôles en plus, dont la plupart ne correspondent ni en âge, ni en sexe, ni en physique ou en à peu près tout autre chose que l'ambiance. C'est un plaisir à observer, mais il est un peu flou de savoir si cela est fait pour faire passer un message ou simplement par commodité économique.

Maintenant, un autre régal nous est offert sous la forme de deux chansons - une dans chaque moitié du spectacle - qui ne sont pas des standards de la carrière de la chanteuse, mais sont en fait des œuvres entièrement nouvelles écrites pour l'occasion. Et je défie quiconque d'assister à ce spectacle et de deviner lesquelles des chansons elles sont. Il y a ici quelques numéros moins connus des débuts de la chanteuse inclus, et même le matériel de parade des succès de ses dernières années n'est pas nécessairement largement connu du public théâtral d'aujourd'hui. Le programme vous donnera la réponse. Et lorsqu'ils découvriront par eux-mêmes quelles magnifiques chansons elles sont, je suis sûr qu'ils voudront voir et entendre beaucoup plus de cet équipe extrêmement impressionnante. Ayant championné et lancé cette nouvelle écriture, ATG se sentira peut-être encouragé à monter des productions d'autres œuvres de Vogt et Friedman. Nous sommes depuis longtemps en retard pour bien les examiner.

Jusqu'au 23 septembre 2017

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