리뷰: 테너리 로즈메리 클루니 뮤지컬, 뉴 윔블던 극장 ✭✭✭

텐더리: 로즈메리 클루니 뮤지컬

뉴 윔블던 타임 앤 레저 스튜디오,

2017년 9월 6일

별점 3점

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로즈메리 클루니는 ‘쇼비즈니스에서의 삶’을 노래로 되짚는 백카탈로그(히트곡 모음) 뮤지컬의 중심 인물로는 꽤 이례적인 선택이다(그리고, 맞다, 그녀는 배우 조지의 실제 이모였다). 영국에서는 그녀가 그리 익숙한 이름이 아니며, 아마도 1954년 어빙 벌린의 대히트작인 영화 ‘화이트 크리스마스’에서 빙 크로스비의 상대역으로 출연한 것으로 가장 잘 알려져 있을 것이다. 이 영화는 해마다 크리스마스만 되면 가족들을 다시금 매료시키며, 노먼 록웰식 ‘이상적인 가정’이라는 할리우드의 기준을 애써 따라가려다 지쳐가는 사람들의 팽팽한 신경을 달래 주곤 한다. 그리고 어쩌면 이 작품의 매력 중 하나도 바로 여기에 있다. 우리는 매년 스스로에게 들려주는 ‘행복한 만족’의 신화 한가운데 있는 상징적 인물에게 한층 가까이 다가가게 되고, 언젠가—어쩌면—그 모든 것이 정말로 이루어질지도 모른다는 기대를 다시 품게 된다.

이 전기적 성격의 작품이 들려주는 이야기는, 로즈메리 클루니에게 그 꿈은 ‘이뤄지기도 했고, 이뤄지지 않기도 했다’는 것. 그녀 또래의 많은 성실하고, 술을 많이 마시던 사람들처럼, 클루니는 수십 년 동안 알코올 중독과 약물 의존의 굴곡을 아슬아슬하게 넘나들었다. 문제를 끝까지 부인한 채로 말이다. 그러다 결국 가장 ‘수지가 맞지 않는’ 방식으로 모든 것이 풀리기 시작했다. 스타덤과 부를 안겨준 그녀의 아름다운 목소리가 무너지기 시작했고, 그와 함께 현실을 붙잡는 힘도 흔들렸다. 정신적 붕괴가 뒤따랐고, 그 다음에는 인정과 수용이 왔다. 그리고 마침내 삶을 다시 추스르기 위해 어떤 변화를 받아들여야 하는지 마주하는 고통스러운 과정이 이어진다. 매우 익숙한 이야기다.

이 작품을 조금 다르게 만드는 것은 공동 저자인 자넷 예이츠 보그트와 마크 프리드먼이 택한 접근법이다. 두 사람의 기반은 뮤지컬 극작(‘Sleepy Hollow - A Musical Tale’, ‘How I Became A Pirate’ 등 여러 아동용 작품에서 대본·음악·가사를 공동 집필)에 있지만, 이번에는 훨씬 엄격한 규율을 받아들여 ‘연극…에 음악을 더한’ 형태로 써 내려간다. 액자 구조도 있다. 클루니(케이티 레이)는 괴로워하는 할리우드 인사들이 특히 사랑하는, 그 목가적 피난처—요양원—에 있다. 그곳에서 그녀는 전형적인 치료사(페드 잔니)에게 교과서 같은 면담을 받는다. 그 과정에서 클루니는 자신의 인기 히트곡들을 꽤 많이 다시 불러 들려주고, 무대 뒤편의 소규모 밴드가 친밀한 공간에서 그녀를 반주한다. 의사도 때때로 노래에 합류하며, 가끔은 ‘자신의’ 넘버를 갖기도 한다. 말하기—그리고 노래, 춤(안무: 치-산 하워드)—로 이어지는 ‘치료’가 효과를 낸다. 깔끔하게 쓰인 2인극으로, 대체로 그게 전부다.

하지만 다소 예측 가능한 이 길 위에서도, 두 배우가 주역을 맡는 동시에 수많은 다른 역할을 번갈아 소화하는 모습을 보는 재미가 크다. 날렵한 조명 전환(알리 헌터의 세심한 디자인 덕분이다)만으로도 대개 인물을 바꾸고, 때로는 작은 의상 변화가 더해진다(전체 디자인: 안나 예이츠). 사이먼 홀트는 능숙하고 관용적인 사운드의 밴드로 전반을 반주한다(음향: 크리스 드로한). 연출가 타니아 아제베두는 모든 것을 영리하게 정리해 내며, 비교적 신예 프로듀서 조지프 호지스는 이 야심차고 도전적인 작품을 무대에 올리기 위해 그녀에게 손을 내밀었다. 성사시키기 까다로운 시도지만, 작품의 마음이 올바른 곳을 향하고 있다는 징후가 있고, 공연이 이어질수록 자신감과 유연함이 더해질 듯하다. 다만 프레스 나이트의 분위기는 다소 성실하지만 기계적으로 진행되는 느낌이 있었다. 그러다 클루니의 붕괴라는 결정적 사건이—인터벌 직전에—도달하자, 작품은 비로소 살아 움직이기 시작했다. 갑자기 장면의 흐름도, 대사의 걸음도 예측할 수 없게 됐다. 2막은 이런 극적 긴장 덕분에 크게 힘을 얻었고, 그 결과 작품 전체의 인상도 훨씬 좋아졌다.

이 작품의 성패는 두 배우에게 크게 달려 있다. 이번 캐스팅은 흥미로운 두 사람을 데려왔고, 이들은 작품에 매력적인 결을 더하지만, 언제나 가장 ‘딱 맞는’ 조합처럼 느껴지지는 않는다. 주연인 레이는 놀랄 만큼 닮은꼴이지만, 떠오르는 인물은 클루니라기보다—분명하게—그레이스 켈리다. 켈리보다 훨씬 훌륭하게 노래하지만, 그녀의 목소리 역시—다시 말해—다이너 쇼어에 주디 갈런드 특유의 풍성한 비브라토가 섞인 듯한 인상을 주며, 특히 감정 표현이 극대화되는 순간에 그렇다. 즉, 우리는 로즈메리 클루니의 ‘모사’가 아니라, 어떤 면에서는 그 시대의 여러 인물을 닮아 있는 하나의 캐릭터 창조를 보게 된다. 마찬가지로 의사 역의 잔니는 클루니 부인(어머니)이나, 술을 함께 마시는 동료 프랭크 시나트라, 바람기 많은 남편 호세 페레르까지—그리고 그 밖에도 더 많은 역할을—믿게 만들어야 한다. 그가 연기하는 인물들 대부분은 나이, 성별, 체형 등 거의 모든 면에서 그와 맞지 않고, 기껏해야 ‘분위기’ 정도만 공유한다. 지켜보는 재미는 크지만, 이것이 어떤 메시지를 위해서인지, 아니면 단순히 제작비를 아끼기 위한 선택인지가 다소 불명확하다.

그리고 또 하나의 선물은—공연 전·후반에 각각 한 곡씩—클루니의 커리어를 대표하는 스탠더드가 아니라, 이번 작품을 위해 새로 쓰인 완전히 새로운 두 곡이다. 그런데 이 공연을 보러 온 누구라도, 그 곡들이 무엇인지 맞히기 어렵다고 단언한다. 비교적 덜 알려진 초기 곡들도 포함돼 있고, 말년의 히트곡들조차 오늘날의 관객에게 꼭 익숙하다고 할 수는 없다. 정답은 프로그램에 나와 있다. 그리고 그 두 곡이 얼마나 훌륭한 노래인지 직접 알게 되면, 이 대단히 인상적인 팀의 작품을 더 많이 보고 듣고 싶어질 것이라고 확신한다. 이 새로운 글쓰기를 지지하고 선도해 온 만큼, ATG도 용기를 얻어 보그트와 프리드먼의 다른 작품들을 더 제작해 올리길 바란다. 이제는 제대로 들여다볼 때가 한참 지났다.

2017년 9월 23일까지

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