곧 다가오는 공연: 프렐류드, 트리스탄 베이츠 극장

줄리언 이브스가 트리스탄 베이츠 극장에서 새로운 작가들을 선보이는 프렐류드(Prelude)를 살펴본다

프렐류드

트리스탄 베이츠 극장,

2018년 6월 18일

조엘 피셔는 렉시 클레어의 새로운 뮤지컬 씨어터 창작 쇼케이스를 트리스탄 베이츠 극장으로 초대한 것은 지극히 현명한 선택이었다. 최근 Above the Arts에서 이를 본 그는, 이 공연이 더 넉넉한 공간과(그리고 비교도 안 될 만큼 더 나은 음향을 갖춘) 자신의 극장에서 훨씬 빛을 발하리라는 걸 알고 있었기 때문이다.  실제로 그랬다. 이 새로운 목소리들이 그에 걸맞은 대접을 받는 공간에서 울려 퍼지는 것을 듣는 일은 그야말로 순수한 기쁨이었다.

공연만큼이나 글도 그랬다. 이곳에는 런던의 주요 드라마 스쿨들에서 모인 젊은 재능이 대거 자리하고 있었다.  요즘 우리는 이런 훈련에 접근하기가 얼마나 어려운지에 대해 자주 듣는다. 감당하기 힘든 비용과 부족한 지원금 탓에, 누누이 이야기되듯 그 길을 갈 수 있는 사람들의 범위가 점점 더 제한되고 있다는 것이다.  게다가 새 작품을 쓸 때는 대체로 사람들이 자신이 아는 것, 혹은 최소한 개인적 경험으로 이해할 수 있는 것에 대해 쓰기 마련이다.  작가들의 사회적·문화적·문학적 배경이 이렇게 비슷하다면, 시각과 관심사, 신념이 어느 정도 획일화되는 것은 피할 수 없다.  따라서 여기서 제시된 결과물 속에 그 유사성이 꽤 강하게 반영돼 있는 것을 발견한 것도 놀랄 일은 아니었다.

물론 이는 이 무대만의 문제가 아니라, 업계 전반의 교육·훈련 구조와도 맞닿아 있다.  공연 예술 전반의 프로듀서들은 수년째, 나라가 실제로는 사회적으로도 민족적으로도 더 다양해지고 있는 바로 그 시점에, 점점 더 좁아지는 사회적(그리고 민족적) 범위의 신인 재능 풀에서 벗어나기가 얼마나 어려운지 우리에게 환기해 왔다.  영국에서 가장 큰 사회적 다양성을 지닌 수도에서, 이곳에 집중된 드라마 스쿨들은 자신들이 섬기려는 사회와 점점 더 동떨어져 보인다.

여기서도 마찬가지였다.  우리는 이 사회 집단의 특유한 열정과 고민에서 비롯된 이야기들을 많이 들었다.  대체로 요약하면 이렇게다. ‘나는 내가 원하는 만큼 인기 있고, 성공하고, 부자가 될 수 있을까?’  이 행사를 지켜보는 느낌은 두 시간짜리 셀피를 보는 것과 비슷했다.  하지만 팔 한 뼘 너머에 거대한 세상이 존재한다는 감각은 어디에 있었을까?  그것은 답답할 정도로 좀처럼 보이지 않았다.

이 숨 막히는 동질성의 굴레를 가장 잘 벗어날 수 있을 듯 보인 한 작가는 해리 스타일이었다. 그는 유머 감각이 있고 우리를 웃게 만드는 능력을 지녔다는 점에서 두드러졌다. 자신을 가능한 한 진지하게 받아들이려는 듯 보이는 작가들이 많은 가운데, 이는 대단히 신선했다.  그의 작품은 아직 톤이 매우 ‘학부생’ 같고, 에든버러 프린지로 향할 예정인데, 그곳에서 서둘러 즐기고 싶어 하는 젊은 학생 관객들을 즐겁게 해줄 것이다.  하지만 가사와 음악 모두에서 드러나는 그의 쓰기 솜씨는 기억에 남을 만했고, 자신만의 목소리를 찾아가며 다양한 스타일을 소화해 나가고 있었다.  무엇보다도, 그는 이날 무대의 우울할 만큼 다수의 팀들이 채택한 거의 만연한 ‘가짜 미국식’ 억양을 과감히 피했다는 점이 가장 반가웠다.

영국인들이 미국인처럼 들리려고 할 때의 문제는, 아주아주 소수만이 그걸 제대로 해낸다는 점이다.  Spotlight는 이 반쪽짜리 능력을 ‘General American’이라고 부르는데, 마치 목소리의 소리를 제너럴 모터스나 제너럴 일렉트릭과 비교할 수라도 있다는 듯하다.  유감스럽게도 말해 두자면, 그런 억양은 존재하지 않는다. 영국식 훈련을 받은 공연자들의 즉흥적인 발성 속에서나 어설프게 나타날 뿐이다. 미국 억양은 모두 매우 구체적이다.  대충 흉내 내서는 통하지 않는다.  제대로 해야 한다.  그리고 할 수 없다면, 시도하지 말아야 한다.  그런데 엘리자베스 시대 인물들이 이런 말도 안 되는 소리를 내는 걸 보게 됐을 때는, 정말 믿기 어려울 지경이었다.  그러니까, ... 왜?

마찬가지로, 이번에 제시된 음악적 팔레트도 안전하게만 갔고, 웨스트엔드와(특히) 브로드웨이에서 이미 확고한(그리고 찬사를 받는) 크리에이터들이 만든 현재의 흥행작 관습을 그대로 따랐다.  사실 내 귀가 번쩍 뜨이며 정말로 신선하고 색다른 무언가를 감지한 순간은 단 한 번뿐이었는데, 그 장면은—안타깝게도—토머스 라이얼스의 마지막 넘버가 끝나기 직전, 클로징 바에서야 찾아왔다. 그때 그는 갑자기, 그리고 예상 밖으로, 서로를 선명하게 병치한 맛있을 만큼 풍부하고 복잡한 화음들을 우리에게 던져 주었다.  길게 반복되는, 닳고 닳은 진행과 상투로 지배된 저녁 공연 속에서 이 효과는 유난히 도드라졌다.  이 젊은 재능들이 자신들의 재능을 믿고, 남의 스타일과 버릇에서 벗어나 과감히 자유로워지길 바라게 됐다.

앞으로 그들 중 누가 그렇게 해내는지 지켜볼 일이다.