ANMELDELSE: The Clown Of Clowns, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

The Clown Of Clowns

Arcola Studio 2

04/08/15

5 stjerner

Dobbeltforestillinger kan ofte være problematiske. Det er sjelden de utgjør en harmonisk kombinasjon: den ene kan rett og slett virke som et utyll for den andre – en lettvekter for å forlenge kvelden – eller så drar temaene i ulike og forvirrende retninger. En altfor skarp kontrast mellom komedie og tragedie kan også etterlate en emmen smak, som for mange forskjellige drinker i et bryllup. Det er en av de store bragdene med The Clown of Clowns at kveldens to halvdeler er perfekt integrert og tilbyr mange belysende berøringspunkter og innsikter. Første halvdel er viet en fremføring av Schoenbergs Pierrot Lunaire, et verk for sopran og kammerensemble som fortsatt klarer å overrumple og utfordre publikum over hundre år etter premieren. Det er verdt å stoppe opp litt for å vurdere nøyaktig hva utfordringene består i. Det gjøres mye ut av atonaliteten og bruken av Sprechgesang (rytmikk og tonehøyde er fastlagt, men holdes ikke), men faktisk er dette de minste utfordringene. Man venner seg til lydbildet etter hvert, ikke minst fordi bruken av tradisjonelle virkemidler som kanon, fuge og danseformer gjør det lettere å dekode. Vanskeligere å få grep om er de i utgangspunktet gåtefulle tekstene – 21 symbolistiske dikt – og sjangeren de tilhører: melodrama. Dette er i dag et tapt og fremmed territorium for oss. Selv om Pierrot-figuren, den melankolske klovnen, er en velkjent figur, kaster den franske poesien (av Albert Giraud, oversatt til tysk av Otto Hartleben) oss inn i en verden av mørke og truende assosiasjoner som samtidig er frustrerende abstrakte.

Det finnes ingen spesifikk narrativ, bare en serie antydninger som utforsker de ødeleggende konsekvensene av en uhemmet jakt på begjær som leder ut i utskeielser. Bilder knyttet til den sanselige appellen fra drikke, dans, musikk, smykker, parfyme og fine klær utforskes sammen med en rekke symbolsk betydning knyttet til månen, sykdom, natten, religion og – selvfølgelig – døden. Det er en gjennomgående tone av nostalgi og anger over tapt kjærlighet, lykke og hjemland. Selv om noe av dette kommer frem i de nyttige parallelltekstene i programmet, er det vi går helt glipp av i dag måten verket er ment som både en hyllest til og en undergraving av melodramaet – talt tekst med instrumentalt akkompagnement. Vi kjenner til melodramaet, om i det hele tatt, som en viktig forløper til filmmusikk; men det Schoenberg gjør her, er å ta en sliten, selvtilfreds borgerlig sjanger og forme den om til et dristig verktøy for tysk ekspresjonisme.

Følgelig må ethvert forsøk på å tolke dette verket på nytt gjenvinne følelsen av retning og risiko i den emosjonelle kommunikasjonen som ligger i dets kjerne. Her fungerer konseptet til kunstnerisk leder Leo Geyer og regissør Joel Fisher ekstremt godt. De fem instrumentalistene er plassert bakerst på scenen, og for hver av de 21 satsene er det en parallell serie med ballettlignende interaksjoner på scenen. Disse foregår enten mellom sangeren Emma Stannard, kledd i moderne stil som om hun nettopp har gått ut av et maleri av Klimt, og Pierrot (Matt Petty), kledd i hvit kjeledress, eller mellom Petty og de to andre hovedkarakterene Pierrot forbindes med i commedia dell’arte-tradisjonen – Columbine (Amelia O’Hara) og Cassander (Peter Moir), eller bare Pierrot alene. Hver bevegelse fokuserer ikke på å definere handlingen, men heller på å definere følelsen som er kjernen i hvert dikt. Dette viste seg å være både opplysende og smakfullt uforpliktende. Pierrot er et krevende verk å lykkes med i en konsertfremføring, for ikke å snakke om i en scenisk versjon, og alle utøverne fortjener stor ros. Stannard var fullstendig inne i rollen så vel som teknisk sikker, og instrumentalistene var skarpe og presise i sitt samspill. På en svært begrenset plass skisserte danserne, og Petty fremfor alt, gripende figurer med både teknisk dyktighet og sjelden poetisk ynde, samtidig som de fant øyeblikk av vold og tap av kontroll som eksternaliserte versenes ustabile og ubehagelige natur. Pettys arbeid fanget sårbarheten, selvforakten og det undertrykte raseriet hos Pierrot med stor presisjon takket være koreografien til Alfred Taylor Gaunt, som traff spikeren på hodet når det gjaldt å tolke verket gjennom bevegelse. Leo Geyer dirigerte med autoritet og full kontroll over et enormt krevende partitur. Selv om den bare varte i 40 minutter, var denne første halvdelen følelsesmessig uttømmende, og det var vanskelig å forestille seg hvordan man kunne følge opp dette. Andre halvdel – en «sirkus-ekstravaganza» kalt Sideshows, med tekst av Martin Kratz tonesatt av Geyer med jazzinspirert musikk – var imidlertid en ren fryd. Geyer dukket opp igjen i full sirkusdirektøruniform, og musikerne tok på seg kostymer (i ett tilfelle drag) og dukket opp som Honker, Scraper, Mrs Scraper og Tickler. Musikken var faktisk like kompromissløs for lytteren som Schoenbergs, men humøret, brioen og stilen til utøverne, danserne og sangeren (Rachel Maby) skapte karakterene på mest effektivt vis. I rask rekkefølge opplevde vi klovner, en spåkone, en dansende bjørn som rømte fra kontroll, en slange som ble svært effektivt sjarmert av klarinettist Antanas Makṧtutis, og barneartisten Delilah med sin skjeggete mor. Tradisjonelle konvensjoner fra sirkus, ballett og orkesternormer ble herlig undergravd, samtidig som man trakk tråder tilbake til karakterer og stemninger fra kveldens første del.

Denne forestillingen er et samarbeidsprosjekt mellom to ulike ensembler – Constella Ballet and Orchestra på den ene siden, og Khymerikal på den andre. Det er en bekreftelse på troen alle de involverte har på det frigjørende og gjensidig forsterkende forholdet mellom dans og samtidsmusikk. Synergien og tolkningssamarbeidet mellom de to kunstformene ble manifestert på en storslått måte. Kvelden som helhet ga en fantastisk oppmuntrende start på Grimeborn-festivalen på Arcola. Vi fikk ny innsikt i et gammelt verk som gjorde det langt mindre skremmende og mer tilgjengelig enn vanlig; og i andre halvdel fikk den muntre, elleville siden ved klovnens og sirkusets liv fritt spillerom i et helt nykomponert stykke. Tradisjon og dens undergraving, de to styrende prinsippene for Grimeborn, var i dette tilfellet i perfekt balanse.

Finn ut mer om Grimeborn-festivalen