REZENSION: Ein Sommernachtstraum In New Orleans, Über The Arts ✭✭✭

E J Martins (Helena), Ruari Cannon (Demetrius) und Lawrence O'Connor (Quince). Foto: Annabelle Narey. Ein Sommernachtstraum in New Orleans

Above The Arts Theatre

12/08/15

3 Sterne

Shakespeares frühes Meisterwerk legt die Messlatte hoch für jede Regie, die sich dem Stoff neu nähert. Zu dieser Jahreszeit findet man in so manchem Landhausgarten oder Park eine Open-Air-Produktion, bei der die eigentliche Magie vor allem der Spielort selbst erzeugt – und diese Aufführungstradition hat selbstverständlich ihren Platz. Doch nach Peter Brooks berühmter „White-Box“-Inszenierung für die RSC im Jahr 1970 ist jede professionelle Regie mehr oder weniger dazu verpflichtet, ein neues Konzept zu finden, das Naturalismus zugunsten von Symbolik oder zumindest eines alternativen Zeitkolorits bzw. Genres meidet.

In dieser neuen Produktion im Above the Arts verlegen Regisseurin Linnie Reedman und Ruby in the Dust Productions die Handlung in die schwülen Clubs und Bayous von New Orleans und nutzen die reiche Jazz- und Bluestradition der Stadt voll aus – insbesondere die Songs von Dr. John. Aus Athen wird Athens, Georgia, wodurch auch eine Ebene von Rassenpolitik ins Szenario einzieht. Wir werden in eine Voodoo-Welt geführt statt in eine bloß „magische“, und die Darsteller*innen agieren zugleich als Sänger*innen und Instrumentalist*innen. Insgesamt funktioniert das sehr gut, auch wenn der Spielort kaum ideal ist für eine Produktion, in der so viele Musik-, Theater- und Tanzformen auf engstem Raum aufeinanderprallen müssen.

Silvana Maimone (Titania), Matt Jopling (Flute), Sarah Ratheram (Starveling). Foto: Annabelle Narey

Die Bühne ist als Traverse angelegt: an einem Ende ein verhängtes Bett, das als Titanias Laube dient, in der Mitte ein Baum mit verstreuten Kissen als Wald, und am anderen Ende ein Klavier, das den Mittelpunkt vieler Musiknummern bildet. Fast das gesamte Ensemble singt und tanzt, und meist übernehmen die „rüden Handwerker“ zudem die Instrumente. Wir beginnen mit einer atmosphärischen Version von „Marie Laveau“, während Titania (Silvana Maimone) einen Voodoo-Zauber wirkt, und dann setzt das Stück richtig ein – mit interrassischem Konflikt, als Egeus (Matthew Woodyatt) Hermias Heirat mit Lysander (Jonathan Ajayi) zu verhindern versucht.

Diese Themen dominieren die nächsten zweieinhalb Stunden. Die Magie der Voodoo-Welt ist zugleich verführerisch und bedrohlich, keineswegs harmlos; die Musik fängt die schwüle Trunkenheit, die Versuchung und das Konfliktpotenzial einer Nacht im Big Easy ein, und die Stadt Athen wird zum Schauplatz sozialer und rassischer Ungleichheit, zu der Sümpfe und Wälder sowohl Zuflucht als auch Quelle einer Lösung sind. Insgesamt ist dies eine durchdachte konzeptionelle Verlagerung des Stücks, die konsequent durch die Handlung gezogen wird. Sie verpufft nicht in späteren Szenen – was bei Shakespeare-Bearbeitungen, die irgendwann wieder in den Naturalismus zurückkippen, als wäre die neue Idee von Anfang an nur ein Trick gewesen, so oft unerquicklich ist. Beeindruckt hat mich auch, wie die Regie die Handwerker während Bottoms und Titanias Traumsequenz als Feen doppeln lässt, auch wenn die meisten anderen Feenstreiche von Dramaturgin Henriette Rietveld gestrichen wurden. Das sorgt insgesamt für einen deutlich dunkleren Ton – im Wald ebenso wie zurück in Athen. Das Ensemble greift immer wieder Louis Armstrongs „Wrap Your Troubles in Dreams“ auf, doch die Sorgen lösen sich nie ganz in Luft auf.

Allerdings gibt es Probleme in der Umsetzung, wenn auch nicht in der Fantasie. Der Spielort ist deutlich besser geeignet für kleines, intimes Theater als für ein größeres Ensemble in voller Fahrt. Die Lage nahe dem Leicester Square ist selbst bei geschlossenen Fenstern naturgemäß laut, und es gab ein Gefühl körperlicher Enge, das die Wirkung der Darbietungen schmälerte. Damit dieses Stück funktioniert, braucht es keinen ganzen Wald zum Atmen – wohl aber einen größeren Studioraum, besonders wenn man es als Traverse oder „in the round“ spielt. So wie es war, hätten die streitenden Paare und die probenden Handwerker mehr Bewegungsfreiheit gebraucht, und die Notwendigkeit, Figuren ständig durch nahe Türen hinein- und herausjagen zu lassen, rief stellenweise eher den Geist der Farce herauf als Feen- oder Voodoo-Exzesse.

Jonathan Ajayi als Lysander. Foto: Annabelle Narey

Schwerer wiegt, dass es mehrere Momente gab, in denen die Versbehandlung unter ein akzeptables Niveau fiel. In einer Adaption dieser Art räume ich gern ein, dass Gesangs- und Tanzqualitäten ebenso wichtig sind wie die technische Versbehandlung – aber sie ersetzen sie nicht. Gerade in der ersten Hälfte waren einige der längeren Reden unverständlich oder wurden weggeworfen, wodurch zentrale Punkte von Handlung und Figurenzeichnung verwischt wurden. Die zweite Hälfte war von allen Beteiligten deutlich besser getragen, doch zu diesem Zeitpunkt hat sich der Fokus bereits auf Aktion und Auflösung verlagert, sodass es weniger „Set-Pieces“ poetischer Passagen zu sprechen gibt. Die Sprache der Dichtung ist überreich an Metaphern und Bildmalerei – wie ein schimmernder Fischschwarm, der plötzlich und immer wieder in eine Bucht zieht. Das war eine echte verpasste Chance.

Sid Phoenix als Puck. Foto: Annabelle Narey Im Großen und Ganzen waren die Liebenden gut aufeinander abgestimmt, temperamentvoll und sauber voneinander unterschieden. Mit Ausnahme von Ajayis Lysander, der als schwarzer Musiker angelegt ist, sind die anderen drei Plantagenaristokrat*innen. Besonders die Frauen sind fesselnd, wenn sie sich über „Eicheln“ und „Maibäume“ in die Haare bekommen. Unter den weiteren Einzelleistungen ragten zwei als vollständig ausgearbeitete, unverwechselbare Gestaltungen heraus. Matthew Woodyatt ist ein hervorragender Sänger, Schauspieler und Trompeter und bringt damit alles mit, um Bottom den Weber als großspurigen, larger-than-life Möchtegern-Thespian mit komischem Biss zu spielen. Seine Szenen mit Maimones Titania überzeugen weniger, was jedoch eher daran liegt, dass sowohl sie als auch David Monteiths Oberon in ihrem Gesang königlicher und autoritativer wirken als in ihrem Spiel. Das Spiel im Spiel überzog seine Zeit – doch das ist in den meisten Dream-Produktionen so.

Während die übrigen Handwerker ihre Momente gut treffen und ihre Instrumente mit ausreichender Sicherheit spielen, verkörpert die Figur, die Geist und Anspruch dieser Produktion am besten auf den Punkt bringt, Puck – gespielt von Sid Phoenix. Geschminkt wie Heath Ledgers Joker und mit Zylinder und Weste ausgestattet, besitzt er reichlich Geheimnis, choreografische Eleganz und verspielten Witz, dazu einen feinen Bariton sowie einen natürlichen Zugriff auf den Text – getragen von einem der sichersten und überzeugendsten Südstaaten-Akzente der Produktion. Das ist zweifellos ein Talent, das man künftig im Blick behalten sollte.

Auch wenn diese Vorstellung nicht alle Hürden nahm, die Shakespeare und die einschüchternde Aufführungsgeschichte des Stücks aufstellen, kann man ihr Ehrgeiz und Wagemut nicht absprechen. Das Ensemble hat sich das Recht redlich verdient, mit diesem Konzept wieder gehört und gesehen zu werden – und man hofft, dass dies bald geschieht, in einem größeren, passenderen Spielort.

Ein Sommernachtstraum in New Orleans läuft im Above The Arts bis zum 29. August 2015