CRITIQUE : Le Songe d'une nuit d'été à La Nouvelle-Orléans, Above The Arts ✭✭✭

E J Martins (Helena), Ruari Cannon (Démétrius) et Lawrence O'Connor (Quince). Photo : Annabelle Narey. Le Songe d'une nuit d'été à la Nouvelle-Orléans

Above The Arts Theatre

12/08/15

3 Étoiles

Le chef-d'œuvre précoce de Shakespeare fixe une barre très haute pour tout réalisateur abordant cette œuvre de manière nouvelle. À cette période de l'année, vous pouvez trouver de nombreux jardins de maisons de campagne ou parcs offrant un cadre à une production en plein air où l'enchantement principal est créé par le décor; et cette tradition de performance a bien sûr sa place. Cependant, après la célèbre production du ‘white box’ de Peter Brook pour le RSC en 1970, tout metteur en scène professionnel est plus ou moins obligé de trouver un nouveau concept qui évite le naturalisme au profit du symbolisme ou au moins d'un genre d'époque alternatif.

Dans cette nouvelle production Above the Arts, la metteure en scène Linnie Reedman et Ruby in the Dust Productions relocalisent l'action dans les clubs humides et les bayous de la Nouvelle-Orléans en tirant pleinement parti de la riche tradition jazz et blues de cette ville, et en particulier des chansons de Dr. John. Athènes devient Athènes, Géorgie de sorte qu'un élément de politique raciale entre également en jeu. Nous sommes plongés dans le monde du vaudou plutôt que dans une simple « magie », avec des artistes faisant double emploi en tant que chanteurs et instrumentistes. Cela fonctionne très bien dans l'ensemble, bien que le lieu soit à peine idéal pour une telle production où tant de genres de musique, de théâtre et de danse doivent se côtoyer dans un espace très confiné.

Silvana Maimone (Titania), Matt Jopling (Flûte), Sarah Ratheram (Étoile). Photo : Annabelle Narey

La scène est aménagée en traverse : à une extrémité un lit avec rideaux servant de lit de Titania, au centre un arbre avec une dispersion de coussins pour représenter la forêt, et à l'autre extrémité un piano qui est le point central de nombreux numéros musicaux. Presque toute la distribution chante et danse, et pour la plupart, les « artisans grossiers » font également office d'instrumentistes. Nous commençons avec une interprétation atmosphérique de « Marie Laveau » alors que Titania (Silvana Maimone) jette un sort vaudou, puis la pièce commence sérieusement avec un conflit interracial alors qu'Egeus (Matthew Woodyatt) tente d'empêcher le mariage d'Hermia avec Lysander (Jonathan Ajayi).

Ces thèmes dominent pendant les deux heures et demie suivantes. La magie du monde vaudou est à la fois attirante et menaçante, loin d'être bienveillante ; la musique capture l'enivrante langueur et la tentation et le potentiel de conflit d'une nuit dans le Big Easy, et la ville d'Athènes devient le lieu de l'inégalité sociale et raciale dont les marais et forêts sont à la fois le refuge et la source d'une solution. Dans l'ensemble, il s'agit d'une relocalisation conceptuelle bien pensée de la pièce, appliquée de manière cohérente tout au long de l'action. Cela ne s'estompe pas à un stade ultérieur, ce qui est souvent irritant dans les réinterprétations de Shakespeare qui retournent au naturalisme comme si la nouvelle idée avait été un stratagème tout du long. J'ai également été impressionné par la manière dont la metteure en scène a utilisé les artisans pour faire double emploi en tant que fées lors de la rêverie de Bottom et Titania, bien que la plupart des autres réjouissances féeriques aient été supprimées par la dramaturge, Henriette Rietveld, ce qui confère un ton plus sombre à l'ensemble, aussi bien dans la forêt qu'à Athènes. La distribution reprend souvent « Wrap Your Troubles in Dreams » de Louis Armstrong, mais les problèmes ne se dissipent jamais entièrement.

Cependant, il y a des problèmes d'exécution, sinon d'imagination. Le lieu lui-même convient bien mieux au théâtre intime à petite échelle qu'à une grande troupe en pleine action. L'emplacement près de Leicester Square est naturellement bruyant, même lorsque les fenêtres sont fermées, et il y avait un sentiment de contrainte physique qui a réduit l'impact des performances. Pour que cette pièce fonctionne, elle n'a pas besoin d'une forêt entière pour s'exprimer mais d'un espace studio plus grand, surtout si vous la mettez en scène en traverse ou en rond. Dans ces conditions, les couples querelleurs et les artisans en répétition avaient besoin de plus d'espace, et la nécessité pour les personnages de se précipiter par des portes proches a évoqué par moments l'esprit de la farce plutôt que les réjouissances féeriques ou vaudou.

Jonathan Ajayi en tant que Lysander. Photo : Annabelle Narey

De manière plus sérieuse, il y a eu plusieurs moments où l'expression du vers est tombée en dessous d'un niveau acceptable. Je peux facilement admettre que dans une adaptation de ce type, l'aptitude au chant et à la danse est aussi importante que la gestion technique du vers, mais elle ne peut pas s'y substituer. Dans la première moitié surtout, la livraison de certains des longs discours était inaudible ou négligée, ce qui noyait des points majeurs de l'intrigue et de la caractérisation. La seconde moitié était bien mieux projetée par tous ceux concernés, mais à ce stade, l'accent est mis sur l'action et la résolution de l'intrigue, donc il y a moins de sections de poésie à livrer. Le langage de la poésie de la pièce est tellement riche en métaphores et en peinture de scènes - semblable à un banc de poissons miroitant qui nage soudainement et à plusieurs reprises dans une baie. C'était donc une véritable opportunité manquée.

Sid Phoenix en tant que Puck. Photo : Annabelle Narey Dans l'ensemble, les amants étaient bien assortis, fougueux et distingués soigneusement les uns des autres. À l'exception de Lysander d'Ajayi, qui est joué comme un musicien noir, les trois autres sont des aristocrates de plantation. Les femmes sont particulièrement attachantes lorsqu'elles commencent à se disputer à propos de ‘glands’ et ‘poteaux de mai’. Parmi les autres performances individuelles, deux ressortent vraiment comme des réalisations pleinement formées et distinctives. Matthew Woodyatt est un excellent chanteur, acteur et trompettiste et possède ainsi toutes les compétences nécessaires pour jouer Bottom le Tisserand comme un apprenti théâtral exubérant et débordant de flair comique. Ses scènes avec Titania de Maimone sont moins convaincantes, mais cela est plus dû au fait que tant elle que David Monteith‘s Oberon sont plus royaux et autoritaires dans leur chant que dans leur jeu. La pièce dans la pièce a dépassé son accueil, mais c'est le cas dans la plupart des productions du Songe.

Alors que tous les autres artisans prennent leur moment avec brio et jouent de leurs instruments avec assez de compétence, la figure qui incarne le mieux l'esprit et l'ambition de cette production est Puck, joué par Sid Phoenix. Maquillé pour ressembler au Joker de Heath Ledger et arborant un haut-de-forme et une veste de costume, il possède mystère, grâce chorégraphique et esprit ludique, ainsi qu'un beau baryton, et une maîtrise naturelle du texte projeté avec l'un des accents du Sud les plus sûrs et convaincants de la production. C'est certainement un talent à surveiller à l'avenir.

Si cette performance n'a pas relevé tous les défis posés par Shakespeare et l'historique de production intimidant de la pièce, elle ne peut être blâmée pour son ambition et son audace. La troupe a pleinement gagné le droit d'être entendue et vue à nouveau dans ce concept de la pièce et l'on espère que ce sera bientôt et dans un lieu plus approprié.

Le Songe d'une nuit d'été à la Nouvelle-Orléans est à Above the Arts jusqu'au 29 août 2015