CRÍTICA: Sonho de uma Noite de Verão em Nova Orleans, Above The Arts ✭✭✭

E J Martins (Helena), Ruari Cannon (Demétrio) e Lawrence O'Connor (Quince). Foto: Annabelle Narey. Sonho de uma Noite de Verão em Nova Orleães

Above The Arts Theatre

12/08/15

3 Estrelas

A obra-prima inicial de Shakespeare coloca a fasquia muito alta para qualquer encenador que a aborde de novo. Nesta altura do ano, não faltam jardins de casas senhoriais e parques que acolhem produções ao ar livre, em que a principal magia é feita pelo cenário; e essa tradição, claro, tem o seu lugar. No entanto, depois da célebre produção da RSC de Peter Brook, a ‘caixa branca’, em 1970, qualquer encenador profissional fica, mais ou menos, obrigado a encontrar um novo conceito que dispense o naturalismo em favor do simbolismo — ou, pelo menos, de um género e período alternativos.

Nesta nova produção no Above the Arts, a encenadora Linnie Reedman e a Ruby in the Dust Productions deslocam a ação para os clubes abafados e os pântanos (bayous) de Nova Orleães, tirando partido da riquíssima tradição de jazz e blues da cidade — e, em particular, das canções de Dr. John. Atenas passa a ser Athens, na Geórgia, introduzindo também um elemento de política racial no quadro geral. Entramos num universo de vodu, em vez de simples ‘magia’, com intérpretes que acumulam funções de cantores e músicos. No conjunto, resulta muito bem, embora o espaço esteja longe de ser o ideal para uma produção em que tantos géneros de música, teatro e dança têm de coexistir num local tão apertado.

Silvana Maimone (Titânia), Matt Jopling (Flauta), Sarah Ratheram (Starveling). Foto: Annabelle Narey

O palco está disposto em “traverse” (com o público frente a frente): numa ponta, uma cama com cortinas que serve de alcova de Titânia; ao centro, uma árvore com algumas almofadas espalhadas para sugerir a floresta; e, na outra ponta, um piano, ponto de foco de muitos números musicais. Quase todo o elenco canta e dança e, na maior parte do tempo, os ‘artesãos’ também assumem os instrumentos. Começamos com uma interpretação atmosférica de ‘Marie Laveau’, enquanto Titânia (Silvana Maimone) lança um feitiço de vodu; e, depois, a peça arranca a sério com conflito inter-racial, quando Egeu (Matthew Woodyatt) tenta impedir o casamento de Hérmia com Lisandro (Jonathan Ajayi).

Estes temas dominam as duas horas e meia seguintes. A magia do mundo do vodu é simultaneamente sedutora e ameaçadora, longe de ser benigna; a música capta a intoxicação quente, a tentação e o potencial de conflito de uma noite na Big Easy, e a cidade de Atenas torna-se o lugar onde se evidenciam a desigualdade social e racial — sendo os pântanos e as florestas tanto refúgio como fonte de solução. No conjunto, trata-se de uma relocalização conceptual da peça, bem pensada e aplicada de forma consistente ao longo da ação. Não perde fôlego mais adiante, como tantas vezes (e irritantemente) acontece em reinterpretações de Shakespeare que, a meio, voltam ao naturalismo, como se a nova ideia tivesse sido apenas um embuste. Também me impressionou a forma como a encenadora usou os artesãos para acumularem a função de fadas durante o devaneio de Bottom e Titânia, embora a maioria das outras travessuras das fadas tenha sido cortada pela dramaturgista, Henriette Rietveld — o que, sem dúvida, gera um tom geral mais sombrio, tanto na floresta como de regresso a Atenas. O elenco retoma frequentemente ‘Wrap Your Troubles in Dreams’, de Louis Armstrong, mas as preocupações nunca se dissipam por completo.

Ainda assim, há problemas de execução, se não de imaginação. O próprio espaço é muito mais adequado a teatro íntimo e de pequena escala do que a uma companhia relativamente numerosa em plena força. A localização perto de Leicester Square é naturalmente ruidosa, mesmo com as janelas fechadas, e sentiu-se uma limitação física às interpretações que lhes reduziu o impacto. Para esta peça funcionar, não precisa de uma floresta inteira para “respirar”, mas precisa de um estúdio maior — sobretudo se a opção for encenar em “traverse” ou em arena. Tal como estava, os casais em conflito e os artesãos em ensaio pediam mais espaço, e a necessidade de as personagens entrarem e saírem a correr por portas próximas convocou, por vezes, o espírito da farsa, em vez das folias feéricas ou dos rituais de vodu.

Jonathan Ajayi como Lisandro. Foto: Annabelle Narey

Mais grave: houve vários momentos em que a dicção do verso ficou abaixo de um nível aceitável. Concedo facilmente que, numa adaptação deste tipo, a capacidade de cantar e dançar é tão importante quanto o domínio técnico do verso — mas não o substitui. Na primeira parte, sobretudo, a entrega de alguns discursos mais longos foi inaudível ou desvalorizada, e pontos importantes de enredo e caracterização ficaram, por isso, abafados. A segunda parte foi muito melhor projetada por todos, mas, nessa fase, o foco desloca-se para a ação e a resolução do enredo, havendo menos blocos “de efeito” de poesia para dizer. A linguagem poética da peça é extraordinariamente rica em metáfora e pintura de cena — como um cardume cintilante que, de súbito e repetidamente, entra numa baía. Foi uma oportunidade realmente perdida.

Sid Phoenix como Puck. Foto: Annabelle Narey Em termos gerais, os amantes estavam bem emparelhados: aguerridos e cuidadosamente distintos entre si. Com a exceção do Lisandro de Ajayi, aqui interpretado como um músico negro, os outros três são aristocratas de plantação. As mulheres são particularmente cativantes quando começam a desentender-se por causa de ‘bolotas’ e ‘mastros de maio’. Entre as restantes interpretações individuais, houve duas que se destacaram como realizações plenamente construídas e muito próprias. Matthew Woodyatt é um excelente cantor, ator e trompetista e, por isso, tem todas as ferramentas para fazer de Bottom, o tecelão, um aspirante a ator fanfarrão, maior do que a vida, com grande sentido cómico. As suas cenas com a Titânia de Maimone são menos convincentes, mas isso deve-se mais ao facto de tanto ela como o Oberon de David Monteith serem mais régios e autoritários a cantar do que a representar. A peça-dentro-da-peça prolongou-se além do necessário — mas isso acontece na maioria das produções do Sonho.

Embora os outros artesãos aproveitem bem os seus momentos e toquem com competência suficiente, a figura que melhor personifica o espírito e a ambição desta produção é Puck, interpretado por Sid Phoenix. Maquilhado para lembrar o Joker de Heath Ledger e com cartola e colete, tem mistério, graça coreográfica e humor brincalhão de sobra, além de um belo barítono e uma relação natural com o texto, projetado com um dos sotaques sulistas mais seguros e convincentes da produção. É, sem dúvida, um talento a acompanhar no futuro.

Se este espetáculo não superou todos os obstáculos colocados por Shakespeare e pela intimidadora história de encenações da peça, não lhe falta ambição nem ousadia. A companhia ganhou plenamente o direito de voltar a ser ouvida e vista nesta leitura da obra — e espera-se que isso aconteça em breve, e num espaço maior e mais adequado.

Sonho de uma Noite de Verão em Nova Orleães está em cena no Above The Arts até 29 de agosto de 2015