REZENSION: Drunk Shakespeare, Roy Arias Stages ✭✭✭✭

Drunk Shakespeare

Roy Arias Stages

10. April 2015~

4 Sterne

Exzellenz im Theater zeigt sich in allen Formen und Größen, an den unterschiedlichsten Orten und auf verschiedenste Weise. Man findet sie in leuchtender, nachhallender Sprache, in herausfordernden, virtuosen Darbietungen (Schauspiel, Tanz, Gesang, Pantomime – die Liste ließe sich fortsetzen), in der glanzvollen Umsetzung der Vorstellungskraft einer Designerin oder eines Designers (Bühnenbild, Kostüm, Licht oder Ton) – oder darin, wie Kombinationen aus einigen oder all diesen Elementen dank einer Regie mit besonderer Vision zu unvergesslichen Ergebnissen führen.

Manchmal findet man sie an überraschenden Orten und auf überraschende Art.

An vielen Abenden in einer beliebigen Woche in New York – manchmal sogar zweimal an einem Abend – wird ein kleiner Raum auf einem der oberen Stockwerke der Roy Arias Stages in der West 43rd Street zum Treffpunkt der The Drunk Shakespeare Society, „ein Trinkclub mit einem Shakespeare-Problem“. Das sind derbe, rauhe und sehr witzige Abende, an denen eine Handvoll talentierter Schauspielerinnen und Schauspieler durch grobe Annäherungen an die Werke des Barden hastet, die Geschichten seiner Stücke so ungefähr erzählt – mit Schwerpunkt auf albernem Spaß statt auf komplexer Figurenanalyse.

Das Ergebnis ist frischer, frivol-unterhaltsamer und bisweilen interaktiver Theater-Unfug. Es wirkt zufällig und unsophisticated, ist aber tatsächlich das Resultat sorgfältiger, durchdachter Arbeit, hervorragender Improvisationskunst und eines genauen Verständnisses für Dynamik und Stärken jedes einzelnen Mitglieds der Truppe.

Zwei Dinge machen diese Truppe besonders beeindruckend. Erstens: Alles geschieht in unmittelbarer Nähe – der nächste Sitznachbar ist stets bequem in Armlänge – und das Publikum ist entweder schon angetrunken, gerade am Trinken oder zumindest gut gelaunt mit Alkohol vertraut. Beim Betreten des Raums bekommt jede Person einen Shot starken Schnapses zum Herunterkippen, und Getränke werden während des Abends gekauft und getrunken (und ausdrücklich zum Trinken ermuntert).

Das bedeutet, dass mit fortschreitendem Abend die Unberechenbarkeit der Publikumsneigung, dazwischenzurufen oder sogar mitzumachen, proportional zunimmt – je mehr der Alkoholpegel im Blut steigt. In gewisser Weise ist das natürlich ausgesprochen shakespearesk: Shakespeares Publikum konnte während der Aufführungen lautstark sein, und es konnte (und tat es auch) dabei trinken. In solchen Situationen müssen Schauspielerinnen und Schauspieler auf der Höhe ihres Könnens sein, damit der Schwung nicht verloren geht, die Erzählung nicht abgelenkt oder verwässert wird und das Publikum nicht zu ausgelassen wird.

Damit kommen wir zum zweiten Unterscheidungsmerkmal. Normalerweise muss ein Performer in Improvisationssituationen wie dieser wach und aufmerksam sein. Die besondere Komplikation hier: Mindestens eine Person aus dem Ensemble beginnt die Vorstellung damit, in rascher Folge fünf Shots zu kippen – als ersten Schritt der eigenen Performance – und trinkt im Laufe des Abends weiter. Am Ende der Nacht hat diese Person möglicherweise genug Alkohol intus, um ein Nashorn umzuhauen (erst recht an einem Tag mit zwei Shows, wie ich ihn erlebt habe) und muss dennoch kohärent und wirkungsvoll Text liefern und auf die sich ständig ändernden Umstände um sie/ihn herum reagieren.

Dass die vielen Aufgaben trotz ständiger Unterbrechungen und fortgesetzten Alkoholkonsums so schlüssig und unterhaltsam bewältigt werden, ist ein Maß für die Hingabe der Schauspielerinnen und Schauspieler (oder vielleicht für ihre Alkoholtoleranz).

Die Vorstellung, die ich gesehen habe, bestand aus fünf Darstellenden – vier Männern und einer Frau –, die eine betrunkene Zusammenfassung von Macbeth lieferten. Trotz all der Kapriolen (und davon gab es viele) wurde der Grundzug von Macbeth mit zwingender Klarheit erzählt: Wer die Geschichte nicht kannte, wäre nicht verwirrt gewesen. Noch wichtiger: Wer sie kannte, konnte die albernen Einfälle genießen, mit denen Shakespeares Text ausgeschmückt oder auf die Schippe genommen wurde.

Schlüsselmomente, die im Gedächtnis bleiben, sind unter anderem: Duncan wird aus freiwilligen Zuschauenden ausgewählt, die echtes Geld bezahlen, um zum König gekrönt zu werden; Lennox wird zum Handschuhpuppen-Status degradiert – zugleich eine Kritik an der Rolle und eine clevere Lösung für ein Problem, das durch die Größe des Ensembles entsteht; der Moment, in dem der angetrunkene Macbeth feststellt, dass ihm kurz vor dem Mord an Duncan der Requisitendolch fehlt; die Debatte mit dem Publikum, welchen Namen Fleance statt Fleance bekommen soll, weil der Darsteller sich weigert, eine derart dämlich benannte Figur zu spielen (Denis war die Lösung); die Persiflage auf Sleep No More; der finale Kampf zwischen Macbeth und MacDuff als Dance-Off.

Es gibt Imitationen, körperliche Challenges, Geschäftsordnungsrufe, Eingriffe, hier und da eine Massage oder einen Zungenkuss für Publikumsgäste, Schauspielerinnen und Schauspieler, die andere zum Lachen im Spiel bringen (corpsen) oder Zuschauende erröten lassen wollen. Es wirkt wie ein völliges Durcheinander, aber es ist offensichtlich ein gut einstudiertes, gut durchdachtes Unternehmen. Nummern innerhalb des entschärften Textes sind klar präzise geschliffen, doch der Zufall und die eigenwillige Reaktion eines bestimmten Publikums können ausgeklügelte Pläne mühelos über Bord werfen: Hier zum Beispiel durchkreuzte Duncans dringender Harndrang eine Weile lang Macbeths Vorhaben.

Ein Teil des Ensembles sind ganz klar die „Wächter“ – dafür da, dass der Laden nicht entgleist. Caitlin Morris und Whit Levenberger erfüllten diese Aufgabe bewundernswert und spielten zudem eine Reihe von Figuren mit Finesse und sichtbarer Freude. Andere Ensemblemitglieder sind da, um zu provozieren, alles durcheinanderzuwirbeln, neue komische Möglichkeiten zu schaffen. Josh Hyman und Damiyr Shuford hatten hier offensichtlich einen Riesenspaß – Shufords shakespearesker „Moondance“ wird mir noch lange im Gedächtnis bleiben.

Im Zentrum dieser speziellen Show (man gewinnt den Eindruck – vielleicht zu Unrecht –, dass verschiedene Ensemblemitglieder in unterschiedlichen Stücken unterschiedliche Hauptfiguren übernehmen; dass die Hauptrollen rotieren) war Adam Thomas Smith hervorragend. Es braucht gute oder großartige Schauspieler, um überzeugend schlecht zu spielen. Smith zeigte sein Können, als er – als Herausforderung – Hamlets „Sein oder Nichtsein“-Monolog vortrug.

Das Ganze macht großen Spaß. Es macht Appetit – sowohl darauf, eine Macbeth-Inszenierung zu sehen, in der wirklich etwas auf dem Spiel steht, als auch darauf, diese Darstellenden in einer Produktion mit einer anderen, nicht alkoholgetriebenen Agenda zu erleben. Außerdem bekommt man Lust auf mehr von diesen Shakespeare-verliebten Trinkern – wenn sie Macbeth so komisch hinbekommen, was würden sie dann erst aus der Komödie der Irrungen machen?

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