CRITIQUE : Drunk Shakespeare, Roy Arias Stages ✭✭✭✭

Drunk Shakespeare

Roy Arias Stages

10 avril 2015

4 étoiles

L'excellence dans le théâtre se présente sous toutes ses formes et tailles, dans divers lieux et modes. On la trouve dans l'écriture lumineuse et résonnante, dans la performance audacieuse et virtuose (jeu, danse, chant, mime, la liste est longue), dans la réalisation éclatante de l'imagination d'un designer (décor, costume, éclairage ou son) ou dans la manière dont la combinaison de certains ou tous ces éléments produisent des résultats inoubliables grâce à un metteur en scène de vision exceptionnelle.

Parfois, elle se découvre dans des lieux et des façons surprenantes.

Nombreuses soirées en ce moment, au cours d'une semaine donnée à New York, parfois deux fois en une soirée, un petit espace sur l'un des étages supérieurs des Roy Arias Stages de West 43rd Street accueille les réunions du Drunk Shakespeare Society, "un club de boisson avec un problème Shakespeare". Ce sont des soirées grivoises, brutales et très drôles où une poignée de comédiens talentueux sautent à travers des approximations des écrits du Barde, racontant en quelque sorte les histoires de ses pièces mais en mettant l'accent sur le plaisir frivole plutôt que sur l'étude complexe des personnages.

Le résultat est frais, frivole et quelque peu interactif, une folie théâtrale. Cela semble désordonné et peu sophistiqué mais c'est en réalité le fruit d'un travail minutieux, d'une improvisation excellente et d'une compréhension approfondie des dynamiques et attributs de chaque membre de la troupe de performers.

Deux choses distinguent cette troupe comme particulièrement impressionnante. Premièrement, tout ce qu'ils font est réalisé avec le membre de l'audience le plus proche bien à portée de main, soit ivre, soit en train de boire ou joyeusement familiarisé avec l'alcool - chacun reçoit un verre de liqueur forte à boire en entrant dans l'espace, et les boissons sont achetées et consommées (et encouragées à être consommées) tout au long de la soirée.

Cela signifie que, au fil de la soirée, l'imprévisibilité de la propension du public à interrompre ou même participer à la thespianisme joculaire augmente proportionnellement tandis que le niveau d'intoxication de leur organisme s'élève. D'une certaine manière, bien sûr, c'est véritablement shakespearien - son public était capable d'être vocal pendant les représentations et pouvait et buvait effectivement pendant celles-ci. Dans de telles situations, les acteurs doivent être au sommet de leur jeu, pour éviter que l'élan soit perdu, que le récit soit distrait ou obscurci et éviter que le public devienne trop bruyant.

Ce qui nous amène au deuxième point de différenciation. Ordinairement, un interprète doit être alerte et vigilant dans des situations d'improvisation comme celle-ci. Mais la complication unique ici est qu'au moins un des acteurs commence les festivités en buvant une série de cinq shots en succession rapide comme première étape de sa performance et, au fur et à mesure que les choses avancent, consomme plus d'alcool au cours de la soirée. À la fin de la nuit, cet acteur pourrait avoir consommé suffisamment d'alcool pour faire tomber un rhinocéros (surtout lors d'un jour de deux spectacles, comme je l'ai vu) mais doit néanmoins livrer dialogue de manière cohérente et efficace et réagir aux circonstances changeantes autour de lui/elle.

C'est une mesure de l'engagement des acteurs (ou de leur tolérance à l'alcool peut-être) à quelle ingénieuse les multiples tâches peuvent être réalisées de manière cohérente et engageante, malgré la consommation constante d'alcool.

La performance que j'ai vue mettait en scène cinq acteurs, quatre hommes et une femme, faisant une synthèse ivre de Macbeth. Malgré toutes les frasques, et il y en avait beaucoup, le fil général de Macbeth était raconté avec une clarté captivante : ceux qui ne connaissaient pas l'histoire n'auraient pas été confus. Plus important encore, ceux qui le savaient pouvaient apprécier les frasques utilisées pour embellir ou faire sourire sur le texte de Shakespeare.

Les points clés qui restent en mémoire incluent : Duncan étant choisi parmi les participants du public disposés à payer de l'argent réel pour être couronné roi ; Lennox réduit au statut de marionnette à gant, à la fois une critique du rôle et une solution habile à un problème causé par la taille du casting ; le moment où Macbeth intoxiqué a réalisé qu'il était sans son poignard accessoire au moment où il s'apprêtait à lancer le meurtre de Duncan ; le débat avec le public sur quel nom donner à Fleance au lieu de Fleance parce que l'acteur s'opposait à jouer un personnage avec un nom aussi ridicule (Denis fut la solution) ; la parodie de Sleep No More ; le combat final entre Macbeth et MacDuff étant un concours de danse.

Il y a des imitations, des défis physiques, des points d'ordre, des interventions, des massages ou des bisous dans le coude pour les membres de l'audience, des acteurs essayant de faire rougir d'autres acteurs ou des membres du public. Cela ressemble à du grand n'importe quoi, mais c'est évidemment un effort bien répété, bien réfléchi. Des ensembles au sein du texte abrégé ont clairement été précisément affinés, mais le hasard et la réponse idiosyncratique d'une audience particulière peuvent bouleverser avec dextérité les plans : ici, par exemple, le besoin de Duncan d'uriner a frustré les plans de Macbeth pour un temps.

Certains des membres du casting sont clairement les gardiens - destinés à garder les roues en marche. Caitlin Morris et Whit Levenberger ont joué ces rôles admirablement, tout en jouant une gamme de personnages avec finesse et joie. D'autres membres du casting sont là pour provoquer, mélanger les choses, créer de nouvelles possibilités comiques. Josh Hyman et Damiyr Shuford se sont beaucoup amusés ici : il faudra du temps avant que j'oublie le Shakespearian Moondance de Shuford.

Au cœur de ce spectacle particulier (on a la sensation, peut-être à tort, que différents membres du casting jouent différents personnages centraux dans différents spectacles ; que les interprètes principaux tournent) Adam Thomas Smith était excellent. Il faut de bons ou grands acteurs pour convaincre en tant que mauvais. Smith a révélé son talent en livrant, en guise de défi, le monologue de Hamlet Être ou ne pas être.

L'ensemble de l'expérience est amusant. Cela ouvre l'appétit - à la fois pour voir une production de Macbeth où les enjeux sont réels et pour voir ces acteurs dans une production avec un programme différent, non motivé par l'alcool. Par ailleurs, cela vous donne envie de voir plus de ces ivrognes dévoués à Shakespeare - s'ils ont pu rendre Macbeth aussi amusant, que pourrait-il faire avec La Comédie des erreurs ?

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