KRITIK: Farinelli And The King, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove und Sam Crane in Farinelli And The King. Foto: Marc Brenner Farinelli And The King

Sam Wanamaker Theatre

4. März 2015

4 Sterne

Der König liegt im Bett und angelt. Nicht nach Komplimenten, sondern nach Fischen. Na ja, nach einem Fisch. In einem Goldfischglas. Träumt er? Ist er wahnsinnig? Ist er bipolar? Die Königin versucht, ihn zu beruhigen, hinter seine Mauern zu gelangen, ihn zu lieben – mit Fürsorge, Geduld und Verständnis –, damit er aus seiner Dunkelheit hervortreten und Spanien wieder regieren kann, wieder der Enkel des französischen Sonnenkönigs sein kann. Aber sie dringt nicht zu ihm durch. Genauso wenig wie sein Rat, der es lieber mit Schikanen und der Drohung der Absetzung versucht als mit Liebe, Respekt oder Verständnis, um ihn aus seiner Lethargie zu holen. Keine Taktik funktioniert.

In ihrer Verzweiflung reist die Königin ab. Während sie ausserhalb Spaniens grübelt, hört sie den berühmten Opernsuperstar Farinelli singen. Seine himmlische, ätherische, beruhigende, unglaublich musikalische Stimme berührt sie auf eine Weise, die sie kaum begreift. Da kommt ihr ein Plan. Könnte Farinellis aussergewöhnliche Stimme dem gequälten Geist ihres Mannes, ihres Königs, Linderung verschaffen?

Die Antwort gibt es im Sam Wanamaker Theatre, wo Claire van Kampens neues Stück Farinelli And The King in einer von John Dove inszenierten Produktion seine Premiere feiert. Es ist ein leichtgewichtiges, aber ausgesprochen schönes Stück – perfekt zugeschnitten auf die intime Pracht dieses Raums und geradezu berauschend, so präzise ist hier alles austariert.

Die Kerzen, die die Bühne beleuchten, tauchen das Geschehen in ein warmes, bernsteinfarbenes Licht, das genau auf den Kern der Erzählung abgestimmt ist. Die Musik wird opulent dargeboten, mit grossartigen Musikern (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson und Jonathan Byers), und William Purefoy mit herrlicher Stimme als der Castrato für alle Fälle: der titelgebende Farinelli. (Purefoy teilt sich die Rolle mit Iestyn Davies.)

Für die Farinelli-Rolle wird ein cleverer Kunstgriff genutzt. Der talentierte Sam Crane trägt die schauspielerische Last – doch sobald gesungen wird, wird er entweder auf der Bühne von Purefoy begleitet oder gleich von ihm ersetzt; Purefoy ist dabei so kostümiert, dass er Crane exakt entspricht. Dieser Einfall trennt klug die Stimme vom Mann und spiegelt Farinellis schmerzhafte Kastration als zehnjähriger Junge: Der Mann kann diese Stimme nicht haben; die Stimme ist unnatürlich; die Stimme ist nicht von dieser Welt. Sowohl hinsichtlich der Themen, die das Stück berührt, als auch in seiner Theatralik ist diese doppelte Darstellung Farinellis inspiriert. Sie ermöglicht bestes Spiel und besten Gesang.

Purefoy verfügt über einen kräftigen, reichen und beweglichen Countertenor. Ihm zuzuhören ist ein Vergnügen. Die Klangfarbe seiner Stimme ist betörend: voller expressiver, rauchiger Töne, dazu flinke Verzierungen und eindrucksvolle Koloraturen. Die langen, getragenen Passagen sind sauber gestützt und energetisch – ohne jene träge Gleichgültigkeit gegenüber der Tonbildung, die man bei weniger versierten Stimmen dieses Fachs bisweilen hört. Und das ist auch gut so: Nichts könnte dieses Werk retten, wenn der Countertenor-Gesang nicht grossartig wäre.

Sam Crane ist in Bestform als der schüchterne Opernsuperstar. Unsicher, wenn er nicht im Kostüm ist, nicht auf der Bühne steht und nicht vor einem Orchester, ist Cranes Farinelli eine sanfte, gütige und gequälte Seele. Man spürt: Er hätte seine Hoden im Handumdrehen zurück. Der Glanz von Ruhm und Reichtum reizt ihn weniger als Normalität – Teil einer Familie zu sein, etwas Gutes zu tun.

Crane bringt all das durch eine gewinnende Darstellung nach vorn, die ebenso sehr davon lebt, wie er steht und wie sein Gesicht „sitzt“, wie von seiner Sprachbeherrschung. Es ist ein komplexes, vielschichtiges Spiel, voller Nuancen und Charme – komisch und zugleich bewegend. Seine Rede über sein Operndebüt in London ist der Höhepunkt des Abends. Crane zeichnet eindrücklich den Schmerz und die Einsamkeit überwältigenden Ruhms.

Als Isabella, Philippe V.s zweite Ehefrau, ist Melody Grove in jeder Hinsicht bezaubernd. Ihre Hingabe und Treue zu ihrem Mann zeigt sie mühelos – und man würde jederzeit auf sie gegen den Königsrat setzen: Sie mag schön und zurückhaltend wirken, doch das Feuer ihrer Leidenschaft brennt tief. Ihre Rede über die Herrlichkeit von Farinellis Gesangskunst wird meisterhaft, mitreissend vorgetragen. Die zarte, vielschichtige Beziehung zwischen Isabella und Farinelli wird von Grove und Crane berührend erhellt – die beiden sind perfekt aufeinander eingespielt. Grosszügige, detailreiche und stilvolle Leistungen.

Edward Peel ist als pedantischer Grandseigneur Spaniens, De la Cuarda – der Funktionär, der seinem wirrköpfigen Monarchen misstraut – angemessen arrogant und unerquicklich. Als Doktor Cervi und Metastasio haben Huss Garbiya und Colin Hurley wenig Material, schlagen sich aber beide gut und sorgen als eigensinnige Eingeweihte in dieser handlungsarmen Erzählung für zusätzliche Akzente.

Van Kampens Stück ist eine wunderschöne Konfektion und berührt interessante Themen: die heilende Kraft der Musik; die Frage nach „Hochkultur“ und dem Zugang der Gemeinschaft dazu; Schönheit in unnatürlicher Gestalt; das Verhältnis von Schmerz und Grösse. All das sind spannende Facetten des zentralen Juwels in van Kampens Krone: die einzigartige, eigentümliche Beziehung zwischen Farinelli und Philippe. Beide Männer glauben, aus unnatürlichen Gründen dort zu sein, wo sie sind: Farinelli wegen seiner Kastration, Philippe, weil der Grossvater, der Sonnenkönig, ihn für sein Amt auserkoren hat. Beide leiden an der unnatürlichen Last, die sie tragen.

Gleichzeitig lernen beide, die Vorzüge, Leistungen und Fähigkeiten des anderen zu schätzen – und werden durch sie geheilt. Es gibt eine reizvolle Sequenz im zweiten Akt, in der Philippe es einfädelt, dass Farinelli für die Gemeinschaften in der Nähe des Waldes auftritt, in dem sie gelebt haben – im Austausch mit der Natur und der „Sphärenmusik“ des Himmels. Das ist ein wichtiger Moment für beide Männer: Philippe signalisiert, dass er das Operninteresse seiner Frau unterstützt und es für alle zugänglich macht; Philippe legt nahe, dass Farinelli wieder öffentlich auftreten und verstehen sollte, warum viele sein Geschenk geniessen dürfen; und Farinelli erkennt, dass seine Arbeit, den König zu heilen, vermutlich so weit gediehen ist, wie es überhaupt möglich ist.

Im Programmheft sagt van Kampen: „Die Rolle des Königs ist eine ganz besondere, denn der Schauspieler muss den Geist und Körper eines Mannes bewohnen, der schwer gestört ist, aber sehr geliebt wird. Ich muss sagen, dass die Erinnerung daran, wie Mark 1988 und erneut 2000 den Hamlet spielte, für mich grundlegend war, um diese Rolle zu erschaffen; Hamlet verhält sich im Stück allen gegenüber furchtbar (ausser Horatio), aber das Publikum sorgt sich die ganze Zeit um ihn. Das ist natürlich Shakespeares Genie, doch Marks Fähigkeit, solche Rollen zu spielen (wie auch Johnny ‘Rooster’ Byron in Jerusalem 2011), hat ihn in meinem Kopf ganz fest ins Zentrum dieses Stücks gesetzt.“

Keine Frage. Rylance ist mit van Kampen verheiratet, und sie hatte viele Jahre Zeit, über seine zahlreichen Qualitäten als Schauspieler nachzudenken. Das spiegelt sich klar im Text: Die Rolle des Philippe verlangt nach einem launischen, eleganten Schauspieler – einem, der wie ein Zweijähriger kichern und wie ein einfallender Tyrann brüllen kann, und das alles innerhalb eines vollständigen, komplexen und ständig umschaltenden Porträts der Dysfunktion.

Rylance ist in jeder Hinsicht hervorragend, besonders in jenem Gefühl demütiger Nachsicht, das die rationaleren Seiten seines Philippe trägt. Er ist sehr komisch, zugleich wird der Schmerz und die Schwierigkeit einer Depression eindringlich vermittelt. Es gibt Momente, in denen Philippe sich gegen Isabella wendet und sie verletzt, ihr fast das Handgelenk bricht oder ihr in die Lippe beisst; das sind rein wilde Augenblicke, angetrieben von glühender, aus Wahnsinn geborener Wut – und Rylance gelingt das grandios.

Mit leichter Hand und offenem Blick für komische Möglichkeiten zeigt Rylance klar den Kampf des Königs mit Verstand und Pflicht. Er durchbricht häufig die vierte Wand – stets mit guter Wirkung –, und seine verzückte Reaktion auf Farinellis Musik ist ausgesprochen inspirierend. Schön, ihn (endlich) auf der Sam-Wanamaker-Bühne die Bretter betreten zu sehen.

Jonathan Fensom liefert ein kluges und ziemlich opulentes Bühnenbild für die Produktion. Seine Lösung für die Waldszenen im zweiten Akt war besonders gelungen. Die Kostüme sind wunderbar detailreich und farbenprächtig – Isabellas Kleid in den Waldszenen ist atemberaubend schön.

Doves Inszenierung ist sanft und prachtvoll. Das Stück wird die Welt nicht verändern und zeichnet auch nicht zwingend ein historisch getreues Bild, aber es ist liebenswürdig und strahlt Wärme und Freude aus. Gutes Erzählen, grossartiges Schauspiel und enorme Musikalität – ein starkes Gemisch und eine sehr beglückende Zeit im Theater.

Farinelli And The King wird am 14. September 2015 ins Duke of York’s Theatre wechseln