RESEÑA: Farinelli y el Rey, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove y Sam Crane en Farinelli And The King. Foto: Marc Brenner Farinelli And The King

Sam Wanamaker Theatre

4 de marzo de 2015

4 estrellas

El Rey está en la cama, pescando. No busca halagos, sino peces. Bueno, un pez. En una pecera. ¿Está soñando? ¿Está loco? ¿Es bipolar? La Reina intenta calmarle, traspasar sus barreras, quererle, con cuidado, paciencia y comprensión, para que pueda salir de su oscuridad y volver a gobernar España, volver a ser el nieto del Rey Sol francés. Pero no consigue llegar a él. Tampoco su Consejo, que recurre al acoso y a las amenazas de destronarlo, en lugar del amor, el respeto o la comprensión, para sacarlo de su letargo. Ninguna táctica funciona.

Desesperada, la Reina se marcha. Mientras se consume de preocupación fuera de España, escucha cantar a la célebre superestrella de la ópera, Farinelli. Su voz celestial, etérea, apaciguadora e increíblemente musical la conmueve de un modo que apenas comprende. Se le ocurre un plan. ¿Podría la extraordinaria voz de Farinelli aliviar la mente atormentada de su marido, su Rey?

La respuesta puede encontrarse en el Sam Wanamaker Theatre, donde la nueva obra de Claire van Kampen, Farinelli And The King, vive su temporada de estreno, en una producción dirigida por John Dove. Es una pieza ligera, pero bastante hermosa, perfectamente adecuada a la grandeza íntima del espacio y, además, embriagadora: todo está medido con tal precisión que resulta hipnótica.

Las velas que iluminan el escenario bañan la función con un cálido resplandor ámbar perfectamente sintonizado con el corazón del relato. La música se interpreta con suntuosidad, con músicos talentosos (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson y Jonathan Byers) y William Purefoy, con una voz deliciosa como el castrato de todas las estaciones, el Farinelli del título. (Purefoy comparte el papel con Iestyn Davies).

Con el papel de Farinelli se emplea un recurso ingenioso. El talentoso Sam Crane asume el peso interpretativo, pero cuando llega el momento de cantar, se le une en escena o es sustituido por Purefoy, vestido para encajar al milímetro con Crane. Con inteligencia, este recurso separa la voz del hombre, replicando la dolorosa castración de Farinelli cuando era un niño de diez años. El hombre no podía tener esa voz; la voz es antinatural; la voz es de otro mundo. Tanto por los temas que la obra roza como por la teatralidad del juego escénico, esta dualidad en la representación de Farinelli es inspiradísima. Permite lo mejor de la interpretación y lo mejor del canto.

Purefoy posee un contratenor sólido, rico y ágil. Es un placer escucharlo. El timbre de su voz resulta seductor; lleno de tonos expresivos y ahumados, además de apoyaturas ágiles e impresionantes florituras. Los pasajes sostenidos están bien apoyados y energizados y no aparece esa indiferencia perezosa hacia la emisión que puede encontrarse en voces menos competentes de este tipo. Y menos mal, porque nada podría salvar esta obra si el canto del contratenor no fuese magnífico.

Sam Crane está en un momento formidable como la tímida superestrella de la ópera. Inseguro de sí mismo cuando no está con el vestuario, sobre el escenario y frente a una orquesta, el Farinelli de Crane es un alma dulce, bondadosa y atormentada. Queda claro que recuperaría sus testículos al instante si pudiera. Los oropeles de la fama y la riqueza no le atraen tanto como ser normal, formar parte de una familia, hacer algo bueno.

Crane lleva todo ese trasfondo a primer plano con una interpretación ganadora que depende tanto de cómo se coloca en escena o de la expresión de su rostro como de su dominio del texto. Es un trabajo complejo y lleno de capas, rebosante de matices y encanto; divertido y, a la vez, conmovedor. Su parlamento sobre su debut operístico en Londres es el punto álgido de la obra. Crane retrata con claridad el dolor y la soledad de una fama abrumadora.

Como Isabella, la segunda esposa de Felipe V, Melody Grove resulta encantadora en todos los sentidos. Demuestra sin esfuerzo su entrega y devoción por su marido, y uno apostaría por ella contra el Consejo del Rey cualquier día: puede parecer hermosa y recatada, pero el fuego de su pasión arde con intensidad. Su discurso sobre la gloria del trabajo vocal de Farinelli está servido con pericia y auténtico voltaje. La delicada y compleja relación entre Isabella y Farinelli se ilumina con ternura gracias a Grove y Crane, que están perfectamente compenetrados. Interpretaciones generosas, minuciosas y con mucha clase.

Edward Peel está debidamente arrogante e irritante como el puntilloso grande de España, De la Cuarda, el funcionario que desconfía de su monarca de mente confusa. Como el doctor Cervi y Metastasio, Huss Garbiya y Colin Hurley tienen poco material, pero ambos cumplen con solvencia, aportando un interés extra como excéntricos conocedores internos en una narración ligera de trama.

La obra de van Kampen es una preciosidad y toca temas sugerentes: el poder sanador de la música; la cuestión del “arte elevado” y el acceso de la comunidad a él; la belleza en formas antinaturales; la relación entre el dolor y la grandeza. Todo ello son facetas interesantes del diamante central en la corona de van Kampen: la relación única y peculiar entre Farinelli y Felipe. Ambos hombres sienten que están donde están por razones antinaturales: Farinelli por su castración, Felipe porque su abuelo, el Rey Sol, lo eligió para el cargo. Ambos sufren por la carga antinatural que llevan.

Del mismo modo, ambos llegan a valorar y a verse curados por las virtudes, logros y capacidades del otro. Hay una secuencia deliciosa en el segundo acto en la que Felipe se las ingenia para que Farinelli actúe para las comunidades locales del bosque donde han estado viviendo, en comunión con la naturaleza y la musicalidad de las esferas celestes. Es un momento importante para ambos: Felipe muestra que respaldará el interés de su esposa por la ópera y que la pondrá al alcance del público; Felipe sugiere que Farinelli debería volver a actuar en público y comprender por qué su don debe ser disfrutado por muchos; y Farinelli comprende que su labor de sanar al Rey ha llegado tan lejos como probablemente llegará.

En el programa, van Kampen dice: “El papel del Rey es muy particular, porque el actor tiene que habitar la mente y el cuerpo de un hombre profundamente perturbado, pero muy querido. Diría que recordar a Mark interpretando a Hamlet en 1988 y de nuevo en 2000 fue fundamental para mí a la hora de crear este papel; Hamlet se comporta de manera atroz con todo el mundo en la obra (excepto con Horacio) pero el público se preocupa por él de principio a fin. Ese es el genio de Shakespeare, claro, pero la capacidad de Mark para interpretar ese tipo de papeles (como con Johnny ‘Rooster’ Byron en Jerusalem en 2011) lo situó firmemente en mi mente en el corazón de esta obra.”

Sin duda. Rylance está casado con van Kampen y ella ha tenido muchos años para considerar y reflexionar sobre sus numerosas virtudes como actor. Todo eso se refleja con claridad en la escritura: el papel de Felipe está pensado para un actor mercurial y elegante, capaz de hacer pucheros como un niño de dos años y rugir como un tirano invasor, todo dentro de un retrato completo, complejo y en constante cambio de marchas de la disfunción.

Rylance es excelente en todos los sentidos, en particular en esa sensación de humilde tolerancia que sustenta los aspectos más racionales de su Felipe. Es muy divertido, pero también transmite con agudeza el dolor y la dificultad de la depresión. Hay momentos en los que Felipe se vuelve contra Isabella y la hiere, casi le rompe la muñeca o le muerde el labio; son instantes de pura ferocidad, impulsados por una ira incandescente nacida de la locura, y Rylance los resuelve magníficamente.

Con un toque ligero y un ojo abierto a las posibilidades cómicas, Rylance muestra con claridad la lucha del Rey entre la cordura y el deber. Rompe a menudo la cuarta pared, siempre con buen efecto, y su respuesta arrebatada a la música que crea Farinelli resulta verdaderamente inspiradora. Da gusto verle pisar las tablas (por fin) en el escenario del Sam Wanamaker.

Jonathan Fensom aporta un diseño ingenioso y bastante suntuoso para la producción. Su solución para las escenas del bosque en el segundo acto fue especialmente buena. El vestuario está maravillosamente detallado y es colorido: el vestido de Isabella en las escenas del bosque es de una belleza sobrecogedora.

La puesta en escena de Dove es delicada y preciosa. La obra no cambiará el mundo, ni necesariamente representa con fidelidad el verdadero cuadro histórico, pero es amable y desprende calidez y alegría. Buena narración, actuación soberbia y una musicalidad tremenda: un cóctel poderoso y un rato muy feliz en el teatro.

Farinelli And The King se trasladará al Duke Of York's Theatre el 14 de septiembre de 2015