RECENSIONE: Farinelli e il Re, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove e Sam Crane in Farinelli And The King. Foto: Marc Brenner Farinelli And The King

Sam Wanamaker Theatre

4 marzo 2015

4 stelle

Il Re è a letto e sta pescando. Non complimenti, ma pesci. Anzi, un pesce. In una boccia per pesci rossi. Sta sognando? È folle? È bipolare? La Regina cerca di calmarlo, di superare le sue barriere, di amarlo con cura, pazienza e comprensione, affinché possa uscire dalla sua oscurità e tornare a governare la Spagna, a essere di nuovo il nipote del Re Sole di Francia. Ma non riesce a raggiungerlo. Non ci riesce neppure il suo Consiglio, che prova con prepotenze e minacce di detronizzazione, invece che con amore, rispetto o comprensione, per scuoterlo dal suo torpore. Nessuna tattica funziona.

Disperata, la Regina parte. Mentre si strugge lontano dalla Spagna, sente cantare Farinelli, la celebre superstar dell’opera. La sua voce celestiale, eterea, rasserenante e incredibilmente musicale la tocca in un modo che lei stessa fatica a comprendere. Le viene un’idea. Potrebbe la straordinaria voce di Farinelli dare sollievo alla mente tormentata di suo marito, il Re?

La risposta si trova al Sam Wanamaker Theatre, dove il nuovo testo di Claire van Kampen, Farinelli And The King, debutta in prima assoluta, in un allestimento diretto da John Dove. È un’opera minuta ma davvero bellissima, perfetta per la grandiosità intima dello spazio, e sorprendentemente inebriante: tutto è calibrato con una precisione impeccabile.

Le candele che illuminano la scena avvolgono lo spettacolo in una calda luce ambrata perfettamente in sintonia con il cuore del racconto. La musica è eseguita con splendore, con musicisti di talento (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson e Jonathan Byers) e William Purefoy in ottima forma vocale nel ruolo del “castrato per tutte le stagioni”, il Farinelli del titolo. (Purefoy si alterna nel ruolo con Iestyn Davies).

Per il personaggio di Farinelli viene adottata una trovata davvero intelligente. Il talentuoso Sam Crane si assume il peso della recitazione, ma quando arriva il momento di cantare, viene affiancato in scena o sostituito da Purefoy, in costume identico a quello di Crane. Con acume, questa scelta separa la voce dall’uomo, rispecchiando la dolorosa castrazione di Farinelli a dieci anni. L’uomo non potrebbe avere quella voce; la voce è innaturale; la voce è ultraterrena. Sia per i temi toccati dal testo sia per la teatralità dell’interpretazione, questa dualità nella rappresentazione di Farinelli è ispirata. Consente il miglior lavoro d’attore e il miglior canto.

Purefoy ha un controtenore solido, ricco e agile. È un piacere ascoltarlo. Il timbro è seducente: pieno di sfumature espressive e vellutate, ma anche di agili note di abbellimento e fioriture notevoli. Le frasi sostenute sono ben appoggiate e energizzate e non c’è traccia di quella pigra noncuranza nella produzione del suono che si sente in voci meno esperte di questo tipo. E per fortuna: nulla potrebbe salvare questo lavoro se il canto del controtenore non fosse magnifico.

Sam Crane è in splendida forma nei panni della superstar dell’opera, schiva e riservata. Insicuro quando non è in costume, in scena e davanti a un’orchestra, il suo Farinelli è un’anima gentile, buona e tormentata. È chiaro che vorrebbe riavere i testicoli all’istante. Gli orpelli di fama e ricchezza lo attirano meno del poter essere normale, far parte di una famiglia, fare qualcosa di buono.

Crane porta tutto questo in primo piano con un’interpretazione irresistibile, fatta tanto di postura e di espressioni quanto di padronanza del testo. È una prova complessa e stratificata, ricchissima di nuance e fascino; divertente e al tempo stesso toccante. Il suo racconto del debutto operistico a Londra è l’apice dello spettacolo. Crane rende con chiarezza il dolore e la solitudine di una fama travolgente.

Nei panni di Isabella, seconda moglie di Filippo V, Melody Grove è incantevole sotto ogni aspetto. Dimostra con naturalezza la propria dedizione e devozione al marito, e scommettereste su di lei contro il Consiglio del Re in qualsiasi momento: può apparire bella e remissiva, ma il fuoco della sua passione brucia in profondità. Il suo discorso sulla gloria dell’arte vocale di Farinelli è reso con perizia e con un’intensità entusiasmante. Il rapporto delicato e complesso tra Isabella e Farinelli è illuminato con commovente sensibilità da Grove e Crane, perfettamente in sintonia. Interpretazioni generose, curate e di grande classe.

Edward Peel è adeguatamente arrogante e irritante nei panni del puntiglioso notabile di Spagna, De la Cuarda, il funzionario che diffida del suo sovrano confuso. Nei ruoli del dottor Cervi e di Metastasio, Huss Garbiya e Colin Hurley hanno poco materiale, ma se la cavano bene entrambi, aggiungendo un tocco d’interesse come eccentrici “addetti ai lavori” in una narrazione leggera sul piano della trama.

Il testo di van Kampen è una deliziosa raffinatezza e tocca temi stimolanti: il potere curativo della musica; la questione dell’“alta arte” e dell’accesso della comunità ad essa; la bellezza in forma innaturale; il rapporto tra dolore e grandezza. Sono tutti aspetti interessanti che ruotano attorno al gioiello centrale della corona di van Kampen: la relazione unica e peculiare tra Farinelli e Filippo. Entrambi gli uomini ritengono di essere dove sono per ragioni innaturali: Farinelli per via della castrazione, Filippo perché il nonno Re Sole lo ha scelto per quell’incarico. Entrambi soffrono per l’innaturale fardello che portano.

Allo stesso modo, entrambi finiscono per apprezzare ed essere guariti dalle virtù, dai traguardi e dalle capacità dell’altro. C’è una sequenza deliziosa nel secondo atto in cui Filippo escogita di far esibire Farinelli per le comunità del luogo, vicino alla foresta dove hanno vissuto, in comunione con la natura e con la musicalità delle sfere celesti. È un momento importante per entrambi: Filippo che sancisce il proprio sostegno all’interesse della moglie per l’opera, rendendola accessibile a un pubblico più ampio; Filippo che suggerisce a Farinelli di tornare a esibirsi in pubblico e di capire perché il suo dono debba essere condiviso da molti; e Farinelli che comprende come il suo lavoro nel curare il Re sia arrivato fin dove probabilmente poteva arrivare.

Nel programma di sala, van Kampen scrive: “Il ruolo del Re è molto particolare, perché l’attore deve abitare mente e corpo di un uomo gravemente disturbato, ma amatissimo. Devo dire che ricordare Mark nei panni di Amleto nel 1988 e poi di nuovo nel 2000 è stato determinante per me nel creare questo ruolo; Amleto si comporta in modo terribile con tutti nel dramma (tranne che con Orazio) ma il pubblico continua a volergli bene fino alla fine. È il genio di Shakespeare, certo, ma la capacità di Mark di interpretare quel tipo di ruoli (come con Johnny ‘Rooster’ Byron in Jerusalem nel 2011) lo ha collocato con forza nella mia mente al centro di questo spettacolo.”

Senza dubbio. Rylance è sposato con van Kampen e lei ha avuto molti anni per osservare e riflettere sui suoi numerosi pregi d’attore. Tutto questo emerge chiaramente nella scrittura: il ruolo di Filippo è pensato per un interprete mercuriale e aggraziato, capace di fare smorfie come un bimbo di due anni e ruggire come un tiranno invasore, il tutto all’interno di un ritratto completo, complesso e in continuo cambio di marcia della disfunzione.

Rylance è eccellente sotto ogni aspetto, soprattutto in quel senso di umile tolleranza che sostiene i lati più razionali del suo Filippo. È molto divertente, ma riesce anche a trasmettere con precisione il dolore e la difficoltà della depressione. Ci sono momenti in cui Filippo si scaglia contro Isabella e la ferisce, quasi spezzandole il polso o mordendole il labbro: sono istanti di pura ferocia, spinti da una rabbia incandescente nata dalla follia, e Rylance li rende in modo magnifico.

Con tocco leggero e uno sguardo attento alle possibilità comiche, Rylance mostra con chiarezza la lotta del Re tra sanità mentale e dovere. Rompe spesso la quarta parete, sempre con ottimo effetto, e la sua risposta estatica alla musica di Farinelli è davvero ispirante. È un piacere vederlo calcate le scene (finalmente) sul palcoscenico del Sam Wanamaker.

Jonathan Fensom firma una scenografia intelligente e piuttosto sontuosa per l’allestimento. La sua soluzione per le scene nella foresta del secondo atto è stata particolarmente riuscita. I costumi sono meravigliosamente curati e colorati – l’abito di Isabella nelle scene nella foresta è di una bellezza mozzafiato.

La regia di Dove è delicata e splendida. Lo spettacolo non cambierà il mondo e non pretende necessariamente di restituire con fedeltà il quadro storico reale, ma è gradevole e irradia calore e gioia. Una bella storia, recitazione superba e una musicalità straordinaria: un cocktail potente e una serata davvero felice a teatro.

Farinelli And The King si trasferirà al Duke Of York's Theatre il 14 settembre 2015