CRÍTICA: Farinelli e o Rei, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove e Sam Crane em Farinelli And The King. Foto: Marc Brenner Farinelli And The King

Sam Wanamaker Theatre

4 de março de 2015

4 estrelas

O Rei está na cama, a pescar. Não elogios, mas peixe. Bem, um peixe. Numa taça de peixinho dourado. Estará a sonhar? Estará louco? Será bipolar? A Rainha tenta acalmá-lo, ultrapassar as suas barreiras, amá-lo, com cuidado, paciência e compreensão, para que ele possa emergir da sua escuridão e voltar a governar Espanha, voltar a ser o neto do Rei Sol francês. Mas ela não consegue chegar até ele. Nem o seu Conselho, que tenta a intimidação e as ameaças de destituição, em vez de amor, respeito ou entendimento, para o tirar da sua apatia. Nenhuma táctica resulta.

Em desespero, a Rainha afasta-se. Enquanto se inquieta fora de Espanha, ouve o célebre superastro da ópera, Farinelli, cantar. A sua voz celestial, etérea, apaziguadora, incrivelmente musical, toca-a de formas que ela mal compreende. E surge-lhe um plano. Poderá a voz extraordinária de Farinelli trazer alívio à mente atribulada do seu marido, o seu Rei?

A resposta encontra-se no Sam Wanamaker Theatre, onde a nova peça de Claire van Kampen, Farinelli And The King, se estreia nesta temporada, numa produção encenada por John Dove. É uma peça leve, mas bastante bela, perfeitamente adequada à grandeza íntima do espaço, e absolutamente inebriante, tão certeiro é tudo o que a compõe.

As velas que iluminam o palco banham a acção numa luz quente, âmbar, perfeitamente afinada com o coração da narrativa. A música é interpretada de forma sumptuosa, com músicos talentosos a tocar (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson e Jonathan Byers) e William Purefoy com uma voz deliciosa como o Castrato para Todas as Estações, o próprio Farinelli. (Purefoy partilha o papel com Iestyn Davies).

Há uma ideia engenhosa na forma como o papel de Farinelli é usado. O talentoso Sam Crane assume o peso da interpretação, mas quando chega o momento de cantar, é acompanhado em palco — ou substituído — por Purefoy, vestido de modo a combinar na perfeição com Crane. De forma inteligente, este artifício separa a voz do homem, replicando a dolorosa castração de Farinelli quando tinha dez anos. O homem não podia ter aquela voz; a voz é antinatural; a voz é de outro mundo. Tanto nos temas que a peça aborda como na teatralidade da encenação, esta dualidade na representação de Farinelli é inspirada. Permite a melhor interpretação e o melhor canto.

Purefoy tem um contratenor forte, rico e ágil. É um prazer ouvi-lo. O timbre da sua voz é sedutor; cheio de tons expressivos e enfumados, bem como de notas de graça ágeis e floreios impressionantes. As passagens sustentadas são devidamente apoiadas e energizadas e não há qualquer daquela indiferença preguiçosa na produção sonora que se encontra em vozes menos competentes deste tipo. O que ainda bem, porque nada poderia salvar esta obra se o canto do contratenor não fosse magnífico.

Sam Crane está em excelente forma como o superastro da ópera, tímido e reservado. Inseguro quando não está em figurino, em palco e diante de uma orquestra, o Farinelli de Crane é uma alma gentil, bondosa e atormentada. É evidente que ele recuperaria os seus testículos num instante. Os adornos da fama e da riqueza não lhe interessam tanto como ser normal, fazer parte de uma família, fazer algo de bom.

Crane traz tudo isto para primeiro plano com uma interpretação cativante que depende tanto da forma como se mantém em cena ou de como compõe o rosto como do seu domínio da linguagem. É um trabalho complexo e cheio de camadas, a transbordar de nuance e encanto; tão divertido quanto comovente. O seu discurso sobre a estreia operática em Londres é o ponto alto da peça. Crane retrata com clareza a dor e a solidão de uma fama avassaladora.

Como Isabella, segunda esposa de Filipe V, Melody Grove é encantadora em todos os sentidos. Demonstra a sua dedicação e devoção ao marido com uma naturalidade desarmante, e apostaríamos nela contra o Conselho do Rei em qualquer dia: pode parecer bela e recatada, mas os fogos da sua paixão ardem fundo. O seu discurso sobre a glória do trabalho vocal de Farinelli é proferido com mestria e arrebatamento. A delicada e intrincada relação entre Isabella e Farinelli é iluminada com ternura por Grove e Crane, que estão em perfeita sintonia. Interpretações generosas, detalhadas e cheias de classe.

Edward Peel é devidamente arrogante e irritante como o meticuloso grande de Espanha, De la Cuarda, o funcionário que desconfia do seu monarca de mente confusa. Como Doutor Cervi e Metastasio, Huss Garbiya e Colin Hurley têm pouco com que trabalhar, mas ambos se saem bem, acrescentando algum interesse extra como insiders idiossincráticos numa narrativa leve de enredo.

A peça de van Kampen é uma bela iguaria e toca em temas interessantes: o poder curativo da música; a questão da “alta cultura” e do acesso da comunidade a ela; a beleza em forma antinatural; a relação entre dor e grandeza. Todos estes são facetas interessantes da joia central da coroa de van Kampen: a relação única e peculiar entre Farinelli e Filipe. Ambos os homens consideram estar onde estão por razões antinaturais: Farinelli por causa da sua castração, Filipe porque o avô, o Rei Sol, o escolheu para o cargo. Ambos sofrem por causa do fardo antinatural que carregam.

Da mesma forma, ambos passam a apreciar e a ser curados pelas virtudes, feitos e capacidades um do outro. Há uma sequência deliciosa no segundo acto em que Filipe engendra uma forma de fazer Farinelli cantar para as comunidades locais junto à floresta onde têm vivido, em comunhão com a natureza e com a musicalidade das esferas no céu. É um momento importante para ambos: Filipe a indicar que apoiará o interesse da esposa pela ópera e a torná-la acessível ao povo; Filipe a sugerir que Farinelli deve voltar a cantar em público e compreender porque é que o seu dom deve ser desfrutado por muitos; e Farinelli a perceber que o seu trabalho de curar o Rei chegou tão longe quanto provavelmente iria.

No programa, van Kampen diz: “O papel do Rei é muito particular, na medida em que o actor tem de habitar a mente e o corpo de um homem profundamente perturbado, mas muito amado. Tenho de dizer que lembrar-me de Mark a fazer Hamlet em 1988 e novamente em 2000 foi determinante para eu criar este papel; Hamlet comporta-se de forma terrível com todos na peça (excepto Horácio), mas o público preocupa-se com ele do princípio ao fim. Isso é o génio de Shakespeare, claro, mas a capacidade de Mark para interpretar esse tipo de papéis (como com Johnny ‘Rooster’ Byron em Jerusalem em 2011) colocou-o, de facto, firmemente no meu pensamento, no coração desta peça.”

Sem dúvida. Rylance é casado com van Kampen e ela teve muitos anos para considerar e reflectir sobre os seus muitos atributos enquanto actor. Tudo isto se reflecte claramente na escrita: o papel de Filipe é para um actor mercurial e gracioso, capaz de fazer beicinho como uma criança de dois anos e rugir como um tirano invasor, tudo dentro de um retrato completo, complexo e em constante mudança de engrenagem da disfunção.

Rylance é excelente em todos os aspectos, sobretudo naquele sentido de tolerância humilde que sustenta os lados mais racionais do seu Filipe. É muito engraçado, mas a dor e a dificuldade da depressão são transmitidas com precisão. Há momentos em que Filipe se vira contra Isabella e a fere, quase lhe partindo o pulso ou mordendo-lhe o lábio; são momentos puramente selvagens, impulsionados por uma raiva incandescente nascida da loucura, e Rylance executa-os magnificamente.

Com um toque leve e um olhar atento para as possibilidades cómicas, Rylance mostra com clareza a luta do Rei entre a sanidade e o dever. Quebra frequentemente a quarta parede, sempre com bom efeito, e a sua resposta extasiada à música que Farinelli cria é bastante inspiradora. É bom vê-lo pisar as tábuas (finalmente) no palco do Sam Wanamaker.

Jonathan Fensom assina um desenho cénico inteligente e bastante sumptuoso para a produção. A sua solução para as cenas na floresta no Acto Dois foi especialmente boa. Os figurinos são maravilhosamente detalhados e coloridos — o vestido de Isabella nas cenas da floresta é de cortar a respiração.

A encenação de Dove é delicada e deslumbrante. A peça não vai mudar o mundo e também não pretende necessariamente representar fielmente o verdadeiro quadro histórico, mas é afável e irradia calor e alegria. Boa narrativa, interpretação soberba e uma musicalidade tremenda — um cocktail poderoso e um tempo muito feliz no teatro.

Farinelli And The King será transferida para o Duke Of York's Theatre a 14 de setembro de 2015