CRITIQUE : Farinelli et le Roi, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove et Sam Crane dans Farinelli And The King. Photo : Marc Brenner Farinelli And The King

Théâtre Sam Wanamaker

4 mars 2015

4 Étoiles

Le roi est allongé, pêchant. Pas pour des compliments, mais pour des poissons. Enfin, un poisson. Dans un bocal à poissons rouges. Rêve-t-il ? Est-il fou ? Est-il bipolaire ? La reine tente de le calmer, de dépasser ses barrières pour l'aimer avec soin, patience et compréhension, afin qu'il puisse sortir de ses ténèbres et diriger à nouveau l'Espagne, devenir de nouveau le petit-fils du Roi Soleil français. Mais elle n'arrive pas à l'atteindre. Son Conseil non plus, qui tente l'intimidation et les menaces de destitution, plutôt que l'amour, le respect ou la compréhension, pour le sortir de sa torpeur. Aucune tactique ne fonctionne.

Désespérée, la reine s’en va. En s’inquiétant hors d’Espagne, elle entend chanter la superstar de l’opéra réputée, Farinelli. Sa voix céleste, éthérée, apaisante, incroyablement musicale, la touche d’une manière qu’elle comprend à peine. Elle a une idée. La voix extraordinaire de Farinelli pourrait-elle apporter un soulagement à l'esprit troublé de son mari, son roi ?

La réponse se trouve au Théâtre Sam Wanamaker, où la nouvelle pièce de Claire van Kampen, Farinelli And The King, connaît sa saison de première, dans une production dirigée par John Dove. C'est une pièce légère mais très belle, parfaitement adaptée à la grandeur intime de l'espace, et assez enivrante, tellement tout y est parfaitement dosé.

Les bougies qui illuminent la scène baignent les événements dans une lueur ambrée chaude parfaitement accordée au cœur du récit. La musique est somptueusement interprétée, avec des musiciens talentueux jouant (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson et Jonathan Byers) et William Purefoy dans une voix délicieuse en tant que Castrat pour toutes les saisons, le Farinelli titulaire. (Purefoy partage le rôle avec Iestyn Davies).

Une astuce intelligente est employée avec le rôle de Farinelli. Le talentueux Sam Crane prend en charge le fardeau de l'interprétation, mais lorsqu'il est temps de chanter, il est soit rejoint sur scène soit remplacé par Purefoy, habillé exactement pour correspondre à Crane. Astucieusement, cette astuce sépare la voix de l'homme, reproduisant la douloureuse castration de Farinelli à dix ans. L'homme ne pouvait pas avoir cette voix ; la voix est non naturelle ; la voix est hors de ce monde. Tant au niveau des thèmes abordés par la pièce qu'au niveau de la théâtralité du jeu, cette dualité dans la représentation de Farinelli est inspirée. Elle permet la meilleure interprétation et le meilleur chant.

Purefoy possède un contre-ténor fort, riche et agile. Il est un délice à entendre. Le timbre de sa voix est séduisant ; plein de tons expressifs et fumeux ainsi que de grâce-notes agiles et de somptueux ornements. Les passages soutenus sont correctement soutenus et énergiques et il n'y a aucune indifférence paresseuse à la production sonore que l'on peut trouver dans des voix moins compétentes de ce type. Ce qui est très bien, car rien ne pourrait sauver cette œuvre si le chant du contre-ténor n'était pas magnifique.

Sam Crane est en excellente forme en tant que superstar de l'Opéra réservée. Peu sûr de lui lorsqu’il n'est pas en costume, sur scène et devant un orchestre, le Farinelli de Crane est une âme douce, gentille et troublée. Il est clair qu'il reprendrait ses testicules à l'instant. Les pièges de la célébrité et de la richesse ne l’attirent pas autant que d’être normal, de faire partie d'une famille, de faire quelque chose de bien.

Crane met tout cet arrière-plan au premier plan avec une performance gagnante qui porte autant sur sa posture ou la composition de son visage que sur sa maîtrise de la langue. C'est une performance complexe et nuancée, remplie de nuances et de charme ; drôle autant qu'émouvante. Son discours sur ses débuts d'opéra à Londres est le point culminant de la pièce. Crane dépeint clairement la douleur et la solitude d'une célébrité écrasante.

En tant qu'Isabella, seconde épouse de Philippe V, Melody Grove est envoûtante de toutes les manières. Elle démontre son dévouement et sa dévotion à son mari sans effort, et vous parieriez sur elle contre le Conseil du Roi n'importe quel jour : elle peut sembler belle et timide, mais les feux de sa passion brûlent profondément. Son discours sur la gloire du travail vocal de Farinelli est livré avec expertise et excitation. La relation délicate et complexe entre Isabella et Farinelli est touchamment illuminée par Grove et Crane qui sont parfaitement en phase. Des performances généreuses, détaillées et élégantes.

Edward Peel est convenablement arrogant et irritant en tant que grand seigneur pointilleux d'Espagne, De la Cuarda, le fonctionnaire qui se méfie de son monarque désorienté. En tant que Docteur Cervi et Metastasio, Huss Garbiya et Colin Hurley ont peu à exploiter, mais tous deux s'en acquittent bien, fournissant un intérêt supplémentaire en tant qu'initiés idiosyncratiques dans le récit léger en intrigue.

La pièce de van Kampen est une somptueuse confection et elle aborde des thèmes intéressants : le pouvoir de guérison de la musique ; la question de l’“art élevé” et l’accès de la communauté à celui-ci ; la beauté sous forme non naturelle ; la relation entre douleur et grandeur. Ce sont tous des aspects intéressants du joyau central dans la couronne de van Kampen : la relation unique et particulière entre Farinelli et Philippe. Les deux hommes se considèrent là où ils sont pour des raisons non naturelles : Farinelli à cause de sa castration, Philippe parce que le Roi Soleil grand-père l’a choisi pour son poste. Les deux hommes souffrent à cause du fardeau non naturel qu'ils portent.

De même, tous deux en viennent à apprécier et être guéris par les vertus, réalisations et capacités de l'autre. Il y a une séquence délicieuse dans le deuxième acte où Philippe s'arrange pour que Farinelli se produise pour les communautés locales de la forêt où ils ont vécu, communiant avec la nature et la musicalité des sphères dans les cieux. C’est un moment important pour les deux hommes : Philippe signifiant qu'il soutiendra l'intérêt de sa femme pour l'Opéra et le rendra accessible aux masses ; Philippe suggérant que Farinelli devrait se produire à nouveau en public et comprendre pourquoi son don devrait être apprécié par beaucoup ; et Farinelli comprenant que son travail pour guérir le roi est allé aussi loin qu'il le pouvait probablement.

Dans le programme, van Kampen dit : “Le rôle du Roi est très particulier en ce sens que l'acteur doit habiter l'esprit et le corps d'un homme sévèrement perturbé, mais qui est très aimé. Il me faut dire que se rappeler Mark jouer Hamlet en 1988 et de nouveau en 2000 a été essentiel pour moi pour créer ce rôle ; Hamlet se comporte d'une manière épouvantable avec tout le monde dans la pièce (sauf Horatio) mais le public se soucie de lui tout au long. C’est bien sûr le génie de Shakespeare, mais la capacité de Mark à jouer ces types de rôles (comme avec Johnny ‘Rooster’ Byron dans Jerusalem en 2011) l'a fermement placé dans mon esprit au cœur de cette pièce.”

Sans aucun doute. Rylance est marié à van Kampen et elle a eu de nombreuses années pour considérer et réfléchir à ses nombreux attributs d'acteur. Tout cela se reflète clairement dans l'écriture : le rôle de Philippe est pour un acteur mercuriel et gracieux, capable de minauder comme un enfant de deux ans et rugir comme un tyran envahisseur, le tout dans un portrait complet, complexe et constamment changeant d'une dysfonction.

Rylance est excellent de toutes les manières, particulièrement dans le sens de la tolérance humble qui sous-tend les aspects plus rationnels de son Philippe. Il est très drôle, mais aussi la douleur et la difficulté de la dépression sont acutellement transmises. Il y a des moments où Philippe se retourne contre Isabella et la blesse, lui brisant presque le poignet ou lui mordant la lèvre ; ce sont des moments purement sauvages, propulsés par une rage incandescente née de la folie et Rylance les réussit magnifiquement.

Avec une touche légère et un œil ouvert pour les possibilités comiques, Rylance montre clairement la lutte du roi avec la santé mentale et le devoir. Il brise souvent le quatrième Mur, toujours à bon effet, et sa réponse enthousiaste à la musique de Farinelli est tout à fait inspirante. C'est bon de le voir fouler les planches (enfin) sur la scène du Théâtre Sam Wanamaker.

Jonathan Fensom propose un design astucieux et assez somptueux pour la production. Sa solution pour les scènes de la forêt dans le deuxième acte était particulièrement bonne. Les costumes sont merveilleusement détaillés et colorés – la robe d'Isabella dans les scènes de la forêt est d'une beauté à couper le souffle.

La production de Dove est douce et somptueuse. La pièce ne changera pas le monde et ne représente pas nécessairement fidèlement le véritable tableau historique, mais elle est aimable et rayonne de chaleur et de joie. Une bonne narration, une interprétation superbe et une musicalité formidable – un cocktail puissant et un moment très heureux au théâtre.

Farinelli And The King sera transférée au Théâtre Duke Of York le 14 septembre 2015