REZENSION: Gespenster, Almeida Theatre im Trafalgar Studios ✭✭✭✭✭

Will Keen als Pastor Manders und Lesley Manville als Helene Alving in Gespenster Almeida/Trafalgar Studios 12. Oktober 2013

Wenn Sie sich schon einmal gefragt haben: „Was macht einen guten Regisseur aus?“, dann könnte ein Besuch von Almeidas aktueller Inszenierung von Ibsens Gespenster, in der Regie von Sir Richard Eyre, einige Hinweise liefern.

Viele werden dazu unterschiedliche Ansichten haben, aber für mich sind die nötigen Eigenschaften ziemlich klar. Erstens braucht der Regisseur eine Idee. Die kann viele Formen annehmen: eine bestimmte Aussage treffen, ein besonderes Talent in einem anderen Licht zeigen, eine neue Lesart eines Textes anbieten, die moderne Relevanz eines „alten“ Stücks herausarbeiten, zeigen, was hätte sein können – oder was noch sein könnte. Doch jeder guten Inszenierung jedes Theatertexts liegt eine gute Idee zugrunde. Sir Richards Idee scheint hier zu sein, dass kalte Wut die schlimmste Art ist. Aus diesem einen Samen wächst alles Weitere: dass Sehen nicht unbedingt Glauben heißt, dass Fakten erst dann Fakten sind, wenn sie bewiesen werden, und dass Selbsttäuschung aus religiösen oder moralischen Gründen die größte zerstörerische Kraft ist, die man sich vorstellen kann. Kälte durchdringt diese Produktion in jeder Hinsicht und glitzert und funkelt wie eisige Diamanten – und schneidet, oft grausam, durch die Achterbahnfahrt des Grauens, die diese 90-minütige Fassung von Ibsens Text entfesselt.

Regina, das Hausmädchen, ist kalt zu ihrem Vater – und er zu ihr; der Pastor, der vorgibt, voller Liebe und Mitgefühl zu sein, bleibt zu allen kalt, besonders zu Mrs Alving; Mrs Alving ist die Personifizierung der Kälte, und eine zentrale Frage des Stücks ist, warum das so ist; Oswald ist am kältesten zu sich selbst, aber auch zu anderen – außer wenn das Feuer in seinen Lenden ihn zum Handeln antreibt.

Das Stück heißt zwar Gespenster, doch hier wirken die Beteiligten eher wie Zombies als wie Geister: lebendig, aber innerlich tot – oder, genauer gesagt, Eisschatten dessen, was sie hätten sein können. Die Kürze und die Konsequenz der Entscheidungen ergeben zwingendes, kraftvolles Theater.

Zweitens braucht ein guter Regisseur eine Besetzung, die die Idee tragen kann und mit ihm daran arbeitet, sie zu verwirklichen. Hier zeigt Sir Richard, welche Früchte ein richtig besetzter Baum tragen kann.

Alle fünf Darsteller liefern hervorragende Arbeit.

Lesley Manville war selten besser als hier: spröde, verzweifelt, gefangen – ihre Helene Alving ist ein pulsierender Strom arktischer Lava, der alle um sie herum verschlingt. Ihre äußere Fassade hochmoralischer Frömmigkeit bricht schließlich weg und gibt den gebrochenen, gequälten Golem im Inneren frei. Hat sie ihrem geliebten Kind bei der Geburt Syphilis übertragen – vielleicht nach einer heimlichen Affäre mit dem Pastor? Oder hat er sich angesteckt, weil er seine wilden Jahre auf denselben Feldern auslebte, die auch sein Vater frequentierte? Das Schöne an dieser Inszenierung ist: Die Antwort ist letztlich nicht entscheidend. So oder so entsteht die Tragödie aus der Kälte, die aus fehlender Ehrlichkeit erwächst.

Jack Lowden, so bemerkenswert als religiöser Kämpfer, der in Chariots of Fire für Olympia nicht von seinen Überzeugungen abrücken will, ist hier zugleich verletzlich und abstoßend als der dem Untergang geweihte Oswald. Mit außerordentlicher Detailgenauigkeit vermittelt er das Grauen eines Lebens, das die Mutter für ihn zugerichtet hat und gegen das er aufbegehren will – und lässt zugleich die Realität der Verwüstungen durch Syphilis spürbar werden. Er ist wirklich großartig.

Will Keen wirkt als Pastor zunächst etwas zu manieriert – doch bei näherem Nachdenken entpuppt sich gerade das als Schlüssel zu dem verschlossenen Herzen der Figur. Es markiert zudem einen Unterschied, in Haltung wie in sozialer Schicht, der am Ende ebenso schlicht wie genial ist. Keen ist als Pastor perfekt widerwärtig – und auf schöne Weise.

Brian McCardie und Charlene McKenna als Vater und Tochter/Haushaltshilfe/Nicht-Tochter/potenzielle künftige Ehefrau ihres Halbbruders sind beide in bestechender Form. Mühelos zeigen sie die Unterschiede und Gemeinsamkeiten zwischen dem, was sie für ihre Rolle im Haushalt der Alvings halten, und dem, was sich diese Rolle tatsächlich erweist. Ihre Kälte kommt aus einem anderen Ursprung als die der Alvings und des Pastors: Es ist die Kälte, die aus Armut und Verzweiflung geboren wird – und beide wollen ihr entkommen.

Besonders klug ist, wie das Spiel andeutet, dass Regina Helene ähnelt – in Erscheinung und Auftreten. Wessen uneheliches Kind ist sie, und aus welcher verbotenen Verbindung stammt sie?

Die letzten verzweifelten Momente zwischen Helene und Oswald, nachdem ihn die Blindheit überkommt und das, was von ihrem wahren Herzen übrig ist, sich dem stellen muss, was Helene über Jahre hinweg zugelassen hat, sind kraftvoll, schockierend und fesselnd. Einfach bemerkenswert anzusehen.

Das ist ein Ensemble hervorragender Schauspieler, das gemeinsam daran arbeitet, die Vision eines Regisseurs zu vollenden. So etwas findet man selten.

Drittens muss ein guter Regisseur dafür sorgen, dass Gestaltung und Ausführung der Inszenierung die Idee weder schmälern noch verschleiern oder überwältigen.

Tim Hatleys schlichtes, aber wirkungsvolles Bühnenbild ist für diese Produktion meisterhaft: Es etabliert den Glamour des Hauses Alving (zerfledderte, leicht abgenutzte Grandezza) und zeigt die Spuren der Zeit. Und indem es zwei Bereiche durch Glas trennt, ermöglicht es, dass Dinge zu sehen und nicht zu hören sind, zu hören und nicht zu sehen – oder nur Schatten, Vorzeichen oder mögliche Spiegelungen bleiben.

Auch das Bühnenbild ergibt in gewisser Weise keinen Sinn – so wie der Haushalt der Alvings keinen Sinn ergibt: Die Haupttür liegt nicht in der Nähe der Diele. Das wirkt zunächst merkwürdig, ist aber tatsächlich inspirierend, weil es auf subtile Weise den Wahnsinn im Zentrum von Helenes Welt spiegelt.

Peter Mumford liefert außergewöhnliches Lichtdesign: kalt, kalt, kalt – in jeder Hinsicht. Selbst wenn das Waisenhaus brennt, ist das Licht eisig, nicht glutrot.

Jeder Aspekt der Produktion spiegelt die zentrale Idee des Regisseurs.

Es ist schwer vorstellbar, eine bessere Inszenierung von Gespenster zu sehen als diese: Das ist schon etwas Besonderes. Und Sir Richard Eyre ist – zumindest bei dieser Gelegenheit – ein Regisseur von großer Vision und Fähigkeit.