REZENSION: Other Desert Cities, Old Vic Theatre ✭✭

Other Desert Cities

Old Vic Theatre

21. März 2014

2 Sterne

Ein Theaterregisseur hat mehrere zentrale Aufgaben: ein Konzept bzw. eine Vision für den Text zu entwickeln und umzusetzen, die mit dem Text arbeitet und die Inszenierung relevant, verständlich und einnehmend macht; ein Team weiterer Kreativer anzuleiten, damit alle an der Umsetzung dieses Konzepts/dieser Vision mitwirken; die Figuren so gut zu verstehen, dass die Schauspieler sie erschaffen können; eine Besetzung auszuwählen, die das Erforderliche leisten kann; und aus allen Beteiligten die beste Arbeit herauszukitzeln, damit die Produktion im Einklang mit dem Konzept/der Vision aufblühen kann.

Meiner Ansicht nach ist die Besetzung immer der Schlüssel.

Die größte Vision/das beste Konzept der Welt zerschellt an den scharfen Klippen einer Fehlbesetzung. Ist jedoch gut besetzt, lassen sich Schwächen im Stück oder Brüche zwischen Text und Konzept/Vision überwinden. Großartiges Spiel kann so gut wie alles kaschieren.

Schlechtes Spiel leuchtet jede dunkle Ecke einer Inszenierung aus – oft mit einem harten, unnachgiebigen Licht.

Other Desert Cities von Jon Robin Baitz – dem Schöpfer der Fernsehserie Brothers and Sisters, der zweimal für den Pulitzer-Preis nominiert wurde, einmal für dieses Stück – läuft nun in Previews im Old Vic, in einer Inszenierung unter der Regie von Lindsay Posner.

Es ist nicht das beste Stück, das je geschrieben wurde, aber ein solides Werk von theatralischem Interesse. Es ist ein intimes Familiendrama über Geheimnisse, Lügen, Politik und Leidenschaft; außerdem wirft es (ziemlich kompromisslos) einen Blick auf die Politik der Republikanischen Partei in den USA, auf den Druck, die Anforderungen und das Sehnen, die das Schreiben mit sich bringt, sowie auf die Dinge, zu denen Liebe einen treiben kann – gute, schlechte und gleichgültige.

Seine größte Stärke liegt in den fabelhaft komplizierten und herrlich echten Figuren, die zu dieser wohl dysfunktionalsten aller Familien gehören: Polly, die eisige Matriarchin, die sich einst berühmt-berüchtigt Barbara Bush und ihrem Umfeld entgegenstellte; Lyman, der ehemalige Filmstar, der zum Politiker wurde und eine Portion Umgänglichkeit und Allgemeingültigkeit mitbringt; Silda, Pollys trockene alkoholkranke Schwester, deren Wut über ihre Abhängigkeit von der Schwester so grenzenlos ist wie das Universum; Trip, der sexsüchtige jüngere Sohn, der Fernsehunterhaltung fürs Massenpublikum macht, aber all die diplomatischen Fähigkeiten geerbt hat, die man braucht, um durch das Minenfeld zu manövrieren, das seine Familie ist; und Brooke, die depressive, begabte Autorin, die keinen guten Tag mehr hatte, seit man ihr vom Suizid ihres älteren Bruders erzählte – ihres besten Freundes.

An einem Weihnachtsfest kommt die Familie zu den Feierlichkeiten zusammen, als Brooke verkündet, sie habe ein Buch über den Tod ihres Bruders geschrieben – so, wie sie sich vorstellt, dass er sich zugetragen hat. Ihr Hass auf den Republikanismus verschmilzt mit ihrer idealisierten Vorstellung vom verlorenen Geschwister, um ihr persönliches Leiden zu lindern. Das Buch ist eine bösartige Attacke auf ihre Eltern, deren Freunde und Überzeugungen. Es droht, die Familie für immer zu zerschlagen. Und infolgedessen sagt man sich Wahrheiten, denen man sich zuvor nie gestellt – oder die man nie miteinander geteilt – hat.

Polly, Brooke und Silda sind drei wunderbare Frauenrollen; in New York wurden sie von Stockard Channing, Rachel Griffiths und Linda Lavin zum Leben erweckt.

Im West End lief es deutlich weniger gut.

Als die Besetzung für diese Produktion bekannt gegeben wurde, nahm ich an, Claire Higgins würde Polly spielen. Sie hat die Gravitas, die Stimme, den eisigen, vernichtenden Blick und die grundlegende Härte, die Polly braucht – denn seit dem Verlust ihres Ältesten hat Polly ihr Herz mit Stahl ummantelt, und diese Stärke, Isolation und Entschlossenheit sind essenziell für ihr Wesen. Doch nein: Hier spielt Sinéad Cusack die Rolle – eine Schauspielerin mit der stählernen Entschlossenheit eines Wackelpuddings und einem Blick, der ständig droht, sich in Tränen aufzulösen, statt Barbara Bush Paroli zu bieten.

Cusack ist als Polly komplett fehlbesetzt, und dadurch gerät das ganze Stück aus dem Gleichgewicht.

Cusack will geliebt werden; Polly nicht. Cusack jammert; Polly nicht. Cusack deutet voraus; Polly nicht. Cusack stößt ein Geräusch aus wie ein erschrockenes, tollwütiges Bandicoot, als Brooke ankündigt, sie werde ihr Buch veröffentlichen; Polly nicht. Cusack kann in High Heels nicht geradeaus gehen; Polly kann das.

Cusacks Unfähigkeit, auch nur in die Nähe der echten Polly zu kommen, wird umso tragischer durch Higgins’ Anwesenheit, die als Silda verschwendet wird. Nicht, dass sie keine gute Silda wäre – das ist sie –, aber sie hätte eine großartige Polly sein können, und ehrlich gesagt hätte Cusack ihr gegenüber vermutlich eine gute Silda abgegeben.

Higgins ist hier am besten, wenn sie schweigt, beobachtet oder nachdenkt. Der Blick unverfälschter Begierde, den sie der Whiskeyflasche schenkt. Der gequälte Schmerz, als sie mit ansieht, wie Brooke hört, wie ihre Mutter ihr Verlassenwerden in Aussicht stellt. Der merkwürdig weit zurückliegende, ferne Blick, den sie Lyman hin und wieder zuwirft. Die diebische Freude, mit der sie sich anschickt, Trip wegen seines Joints anzuspringen. Jedes Element von Silda ist da: Alles, was Higgins wirklich braucht, um zu glänzen, ist eine gute Polly.

Martha Plimpton tut sich schwer, Brooke zu finden – vor allem, weil sie keine Polly hat, an der sie sich richtig reiben kann. Aber sie findet sie, und der Beginn des zweiten Akts, wenn sie und Daniel Lapaines Trip intensiv über ihre Eltern sprechen, ist der Höhepunkt der Produktion. Sie funktionieren als Bruder und Schwester und zünden aneinander Funken; sie ermöglichen einander, die beste Arbeit zu leisten. An dieser Stelle singt das Stück wirklich.

Plimpton meistert die letzte Szene mit großer Souveränität – besser sogar, als es Rachel Griffiths am Broadway gelang. Vielleicht kann Plimpton wegen Cusacks falscher Polly Brooke Schichten von Wärme verleihen, die glaubhaft und nachvollziehbar sind. Was auch immer der Grund ist: Ihre pikante Rede bei der Buchpremiere hat es in sich.

Lapaine ist als Trip tatsächlich durchweg hervorragend. Es ist eine schwierige Rolle, weil er relativ wenig zu tun hat, außer der Vermittler zwischen Eltern und Schwester zu sein und der Kumpel für Schwester und Tante. Gleichzeitig gelingt es ihm aber, ganz ohne Text, auf komplexe und faszinierende Weise die Qual zu vermitteln, die er im Schatten eines verlorenen älteren Bruders und einer trauernden älteren Schwester erlitten hat. Dieser Trip ist es gewohnt, aus dem Scheinwerferlicht der Familie herauszubleiben – ja, er zieht es sogar vor –, und es gibt keinerlei Eindruck, er hätte ein verwöhntes Leben geführt. So bildet Lapaines Trip einen scharfen Kontrast zu Brooke und ist doch eindeutig ihr glühender Bewunderer. Eine ausgezeichnete Leistung.

Es gibt im zweiten Akt einen Moment, wenn Lyman über das Überleben spricht und etwas sagt wie: „Es war ja nur Schauspielern, und das fiel mir leicht.“ Wenn Peter Egan diese Worte hier spricht, klingen sie zumindest ironisch – und erschreckend unzutreffend. Denn das Einzige, was Peter Egan nicht kann, ist, Lyman Wyeth zu spielen – weder leicht noch überhaupt. Wie Cusack ist auch er komplett fehlbesetzt. Er kann weder kontrollierte Wut, simmernde Unruhe, offene Rage noch gebrochene Verzweiflung – all das muss Lyman an der einen oder anderen Stelle ausstrahlen. Es gibt keine durchgehende Linie für diesen Lyman: alles wirkt stückwerkhaft, schlechtes Spiel inklusive schwerfälligem Stapfen, Aufstampfen und hängenden Hundeblicken. Sein Abgang mit „Kein Kommentar“ ist zum Fremdschämen.

Er trottet über die Bühne wie ein bemitleidenswerter Paddington Bär, mit lauter trübseligen Mienen blanker Idiotie. Kein Anzeichen eines ehemaligen Staatsmanns, eines wohlhabenden Unternehmers, eines weltgewandten Mannes oder auch nur eines Vaters und Ehemanns. Er ist ein Stück Marzipan, überspült von einem Meer klebriger Sentimentalität und übertriebener, selbstverkleinernder Belanglosigkeit. Es ist grausam, ihm dabei zuzusehen, wie er in der Rolle untergeht.

Posner muss hier die Verantwortung tragen. Das ist die falsche Besetzung für dieses Stück – und wenn er das anders sieht, sollte er dieses Stück nicht inszenieren. Ebenso erlaubt (oder verlangt) er, dass Cusack und Egan zweimal auf das verborgene Geheimnis hinweisen, das im Herzen der auseinanderbrechenden Familiendynamik liegt. Dafür gibt es keine Notwendigkeit; im Gegenteil, es läuft dem Wesen der Figuren und der Situation völlig zuwider. Und dem Drama. Das Publikum muss nicht „vorbereitet“ werden auf das, was passiert; viel besser ist es, wenn es einfach passiert. Der Schock soll so fallen, wie er fallen muss – angesichts der Art dieser wunderschön geschriebenen Figuren. Ein guter Regisseur würde genau das tun.

Der Old Vic ist wieder im In-the-Round-Modus, und dadurch entsteht eine größere Intimität im Spiel. Mit dieser Besetzung erweist sich das als fatal; die Distanz eines Guckkastens hätte Cusack und Egan vielleicht geholfen, doch so ist jede ihrer Bewegungen schonungslos offengelegt.

Das ist eine schlecht besetzte und konzeptionell schwache Produktion eines interessanten zeitgenössischen Dramas. Es hätte hier deutlich besser sein müssen.

Aber es lohnt sich wegen Lapaine, Plimpton und Higgins.

Wenn doch nur Claire Higgins Polly gespielt hätte...