REZENSION: Punkplay, Southwark Playhouse ✭✭✭✭

Punkplay

Southwark Playhouse

9. September 2016

4 Sterne

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Punk ist nicht mehr das, was er einmal war. Oder vielmehr: So, wie er in diesem Gebräu – à l’américain – serviert wird, führt er uns in ein Retro-Ghetto suburbaner Plackerei aus den schrecklichen Achtzigern und an einen Ort, der geografisch irgendwo an der US-Ostküste näher an Maine als an Florida liegt. Anderthalb Stunden verbringen wir in der Gesellschaft zweier miserabel gebildeter und ziemlich begriffsstutziger Teenagerjungs (der langgliedrige Matthew Castle und der aggressive Sam Perry), deren überhitzte Wortgefechte das bruchstückhafte Fundament dieser holterdiepolternden Parade von „jugendlichen Momenten“ bilden. Dazu kommen ein älterer Mann (Jack Sunderland) und ein Mädchen (Aysha Kala), die in verschiedenen Gestalten auftauchen und diese reichlich unverbundenen Jungtiere aus dem Zoo, der jenseits der Türen ihres tristen, suburbanen Verschlags stets auf sie wartet, gelegentlich miteinander verknüpfen (Bühnenbild: Cecile Tremolieres). Jede Szene vibriert vor der fiebrigen, erratischen Energie vereitelter Jugend – perfekt eingefangen in Tom Hughes’ souveräner, eklektischer Inszenierung.

Gregory S. Moss ist ein einfallsreicher Dramatiker, der eine Folge von Tableaus geschaffen hat, von denen jedes als „Cover“ eines anderen musikalischen „Tracks“ auf einer personalisierten Kassette verstanden werden kann – jener Art Mixtapes, die man sich in den längst vergangenen 1980ern typischerweise unter Freunden zusammenstellte. Die Szenen sind tatsächlich „Riffs“ auf echte Aufnahmen, und die Nerds unter uns (Hand hoch! – Schuldig!) werden einen Heidenspaß daran haben, ihren Ursprüngen nachzuspüren und die Erfindung des Autors zu sezieren, als wäre sie das Werk eines Walmart-T.-S.-Eliot. In der Zeit, bevor „Playlists“ per Fingertipp digital im- und exportiert werden konnten, konnten solche Artefakte nur entstehen, indem man mühsam Schallplatten herausfischte, den Tonarm in die richtige Rille setzte, damit die Nadel – durch ihr charakteristisches Oberflächenzischen und Knistern – die gewünschte Nummer einfing; am Ende musste der Arm wieder von Hand bewegt und das Band gestoppt werden, bevor es mit dem nächsten Stück weiterging. Riesiger Spaß! Ganze Wochenenden konnte man dem widmen, wenn man wollte.

Dieses Gefühl zäher, fummeliger Anstrengung durchzieht auch jeden Übergang zwischen den Szenen. Und wenn der Track erst einmal läuft, kann er mit überraschend geschmeidiger Leichtigkeit dahinziehen – so wie die Rollschuhe (und andere Räder) der Darsteller*innen, die sie in dieser Post-„Xanadu“-Welt von Ort zu Ort bringen.

Kein respektables bürgerliches Interieur der Epoche wäre ohne seine wunderschön drapierten Vorhänge vollständig (würden die Yankees sie „drapes“ nennen?) – und hier gibt es davon reichlich. Sie hängen, majestätisch, und beherrschen die Bühnenmitte in voller Pracht vom Boden bis zur Decke. Wir im Publikum warten darauf, dass etwas hinter ihnen hervorkommt; und das tut es. Wir warten – weiterhin erwartungsvoll – auf den magischen Moment, in dem sie sich teilen; und das tun sie. Und was sich dahinter zeigt, ist genau das, was wir erwarten würden – und es ist großartig. Die Darsteller*innen dürfen das tun, was jedes Drama über die Punk-„Bewegung“ von ihnen verlangt, und sie tun es äußerst unterhaltsam. Nein, ich werde euch die Spannung nicht verderben, indem ich jedes letzte Detail ausplaudere. Es ist einfach klasse. Alle Details stimmen, sie sind echt. Sogar die Programme im Zine-Stil.

Habe ich gerade schon wieder ein deutsches Wort benutzt? Nun ja – vielleicht, weil es in dieser sorgfältig durchdachten, kunstvoll zusammengesetzten Analyse einer vergangenen Rückblende jede Menge teutonische Einflüsse gibt. Das Nachglühen der 80er, „le style punk“ in den USA, wird hier – unter anderem – als expressionistischer Trick gezeigt. Während wir durch dieses 40. Jubiläumsjahr des „Aufbruchs im Westen“ der ungewaschenen Kids mit Sicherheitsnadel-Schmuck, furchtbar schlecht geschnittenem, gefärbtem Haar und Ragbag-Couture, geschrumpft-zu-nicht-passen (Reißverschlüsse nicht optional), rumpeln, sehen wir eine ganze Mode als anarcho-revivalistischem Aufblühen entstehen. Die Rückkehr des Irokesenschnitts. Amphetamines-R-Us.

Bereut jemand, der das hier liest, seine Punk-Vergangenheit? Wünscht sich jemand, er hätte eine Punk-Vergangenheit, die er bereuen könnte? Nun: Ich bin in einer Stadt aufgewachsen, die der hier gezeigten ziemlich ähnelt; ihr einzig wirklich herausragendes Ereignis war jene vergessene Woche, in der ein paar Freunde von mir zum üblichen Popkonzert im örtlichen Sportzentrum gingen und am nächsten Tag in der Schule berichteten, ihnen sei eine Band besonders aufgefallen, die „nicht sehr gut“ gewesen sei und The Jam hieß. Eine Woche später hatten wir unsere eigene „Punk“-Band: The Royal Family (immer noch auf Tour).

Der Rest ist, wie man so sagt, Teil der Geschichte vom Niedergang der westlichen Zivilisation. Passenderweise stand Amerika bei diesem Spiel nicht an vorderster Front, sondern musste diesem britischen Modus hinterherhecheln (wie es später auch am Broadway der Fall war, als er von jenen wilden Unruhestiftern Andrew Lloyd Webber und Cameron Mackintosh angegriffen wurde). Man könnte über diese ästhetische Revolution noch eine Menge Interessantes sagen, doch für mich war eines der größten prägenden Merkmale des Punk, dass er immer ganz genau wusste, wie und wann Schluss ist.

PUNKPLAY LÄUFT IM SOUTHWARK PLAYHOUSE BIS ZUM 1. OKTOBER 2016