KRITIK: Stitching, White Bear Theatre ✭✭✭

Stitching

White Bear Theatre

1. Oktober 2015

3 Sterne

HINWEIS: Diese Kritik enthält Spoiler.

2009 wurde Stitching auf Malta aus folgenden Gründen verboten:

1. Das Stück lästerte gegen die Staatsreligion (Katholizismus).

2. Das Stück zeigte eine obszöne Missachtung gegenüber den Opfern von Auschwitz.

3. Es biete einen „enzyklopädischen Überblick über gefährliche sexuelle Perversionen, die in sexuelle Knechtschaft führen“.

4. Eine der Figuren hielt eine „Lobrede“ auf Fred und Rose West.

5. Das Stück bezieht sich auf Entführungen, sexuelle Übergriffe und die Ermordung von Kindern.

Allein diese Liste zu lesen, reicht aus, um sich am liebsten in Chlorbleiche zu baden. Doch es schockiert nicht einfach um des Schocks willen. Die Zuschauer, die während der Aufführungsserie 2002 beim Edinburgh Fringe den Saal verliessen, veranlassten den Autor Anthony Neilson zu der Aussage:

„Es tut mir leid, dass Zuschauer hinausgegangen sind, aber ich kann nicht für Feiglinge schreiben. Wenn mich etwas schockiert, gehe ich nicht einfach weg, ich frage mich, warum es mich schockiert. Es ist nicht mein Job, dem Publikum zu sagen, dass eine Rose schön ist. Das weiss jeder. Mein Job ist es zu sehen, ob es einen Weg gibt, einen Haufen Scheisse schön zu machen.“

Der besagte „Haufen Scheisse“ ist die dysfunktionale Beziehung eines jungen Paares, Abby (Sarah Harkins) und Stu (Adam Howden). Die Handlung springt zwischen zwei Phasen ihres Lebens; in der einen beraten sie, ob sie das Kind behalten sollen, das Abby in sich trägt, in der anderen verstricken sie sich in einen sich zuspitzenden sexuellen Machtkampf, in dem Abby als Sexarbeiterin agiert und Stu als ihr zunehmend besessener Kunde.

Gerade diese zweite Phase zog den Zorn der maltesischen Regierung auf sich: Abby und Stu erkunden sexuelle Macht und Perversion in einer Reihe intensiver Gespräche und körperlicher Begegnungen. Das Spiel, das sie spielen, ist seelenzerstörend, aber süchtig machend, und diese Momente etablieren die existenzielle Schwärze im Kern der Figuren. Mit jedem Sprung in ihr chaotisches emotionales Schlachtfeld lassen sie erahnen, wie sehr sie wollen, dass alles endet. Und es endet – allerdings erst nach der Selbstverstümmelung, auf die der Titel des Stücks anspielt.

In der anderen Lebensphase nehmen Abby und Stu die tieferliegenden Probleme ihrer Beziehung auseinander, oft mit makaber-komischem Effekt. In der Eröffnungsszene schreiben sie einander Aussagen auf grosse Papierblöcke und stellen Fragen – offenbar eine ihrer gängigen Strategien – bis Stu schliesslich notiert, dass „all unsere Probleme auf Kommunikation hinauslaufen“. Später hat Stu einen seltenen glücklichen Moment, als er zu Queens „I Want To Break Free“ singt und tanzt, nur damit Abby die Musik ohne Vorwarnung ausschaltet und sie als „Scheisse“ abtut.

Stitching ist am stärksten, wenn es die Banalität des Scheiterns des Paares als Partner auslotet: Sie streiten über Antworten in einem Kompatibilitäts-Quiz und fragen sich, ob ihre ständigen Kämpfe sie zu furchtbaren Eltern machen werden. Es fällt schwer, diese Versionen von Abby und Stu mit ihren tabubrechenden, oft alptraumhaften Gegenstücken in Verbindung zu bringen. Die Unterscheidung wird durch eine späte Wendung deutlich, die zeigt, dass ihr bizarres Spiel etwas Sühnehaftes hat. Entgegen der bisherigen Andeutung finden ihre sexuellen Begegnungen erst nach der Geburt ihres Sohnes Daniel statt – der bei einem Unfall starb, für den Abby sich verantwortlich fühlt.

Viel hängt an der Glaubwürdigkeit dieser Enthüllung – und insbesondere an der Idee, dass die erfundene Sexarbeiterin/Kunde-Dynamik einen Einblick in die Trauer des Paares gibt. Doch die Ursache des Todes ihres Sohnes wird nicht geklärt, die Ursprünge ihres Spiels werden nicht thematisiert, und wir erleben nie, dass das Paar in einem klaren Moment über sein gemeinsames Trauma spricht. So erscheint Trauer letztlich als nichts weiter als eine bösartige Kraft, die sich in ihre zerbrochenen Psychen einklinkt – ein Eindruck, den eine verstörende Traumsequenz stützt, in der Stu über die Bühne huscht und verkündet, es sei „Daniels Zeit“. Zugleich wirft die Idee, Abby und Stus düstere sexuellen Exzesse seien eine Art Inszenierung, etliche Fragen zur Aufrichtigkeit ihrer finsteren Offenbarungen auf – was eher frustrierte als faszinierte. Motive wie Steigerung und Besessenheit werden stark an das Trauerkonzept des Stücks gekettet, das meines Erachtens auf unbefriedigenden Grundlagen gebaut ist.

Sarah Harkins und Adam Howden sind faszinierende Bühnenpräsenzen; unter der Regie von Pip Minnithorpe spielen sie wie eingesperrte Tiere, die um das schmutzige Bett kreisen, in dem der Grossteil der Handlung stattfindet. Das minimalistische Bühnenbild und die grosse Nähe zwischen Publikum und Darstellenden – die Inszenierung ist in der Arena, und man ist nie mehr als ein paar Meter von den Schauspielern entfernt – tun dem Stück sehr gut, weil sie uns nahtlos in den unumkehrbaren Kreislauf aus Vorwürfen und Wut hineinziehen. Jack Weirs Lichtdesign schuf wirkungsvoll eine Aura heranrückender Dunkelheit, und die Musik in den Szenenübergängen war passend gewählt, auch wenn die Bekanntheit einiger Songs gelegentlich nicht recht zur selbstgewählten Isolation des Paares zu passen schien.

Harkins’ Abby balanciert glaubhaft zwischen Impulsivität und Pragmatismus, was sie zu einer fesselnd sprunghaften Figur macht. Howden wiederum überzeugt sehr als emotional verkümmerter Stu, und in seinen besten Momenten deutet er geschickt die schwierige Kindheit an, die seine Haltung zu Sex und Elternschaft prägt. Angesichts der späten Enthüllung gibt es vielleicht zu wenige zärtliche Momente zwischen den beiden, und bisweilen wirkt die Intensität ihrer Streitgespräche etwas gleichförmig. Dennoch empfinde ich grosse Bewunderung für die Leidenschaft und Hingabe, mit der Harkins und Howden einige sehr schwierige Szenen bewältigen. Besonders ein längerer Abschnitt, in dem sie einander an den Haaren ziehen und einander bitter ins Ohr flüstern, muss sich vollkommen verheerend angefühlt haben – zugleich war es ein höchst effektives Mittel, um beider Haltung zur sexuellen Knechtschaft zu zerlegen. Letztlich verliess ich den Abend zwar leicht verärgert über die Mehrdeutigkeiten, die Abbys und Stus Verhalten unterfüttern, doch die starken Leistungen motivieren, trotzdem an ihnen dranzubleiben und sie zu entschlüsseln.

Stitching ist ein interessantes und herausforderndes Stück, das durch eine späte Wendung geschwächt wird, aber dennoch fesselt. Es gibt etliche Momente, die manche Leute zurückschrecken lassen, und die ein oder andere Zeile wird bewusst Kontroversen provozieren – angesichts der wechselhaften Aufführungsgeschichte des Stücks wenig überraschend. Trotzdem sind die starke Besetzung und die hervorragende Inszenierung Grund genug, dem Ganzen eine Chance zu geben, auch wenn das Stück zweifellos ein breites Spektrum an Reaktionen hervorrufen wird. Stitching läuft im White Bear Theatre bis zum 17. Oktober 2015