KRITIK: Die Glasmenagerie, Booth Theatre ✭✭✭✭✭

Foto: Michael J Lutch Die Glasmenagerie

Booth Theatre

18. Januar 2014

5 Sterne

Ich habe schon so manche professionelle Inszenierung von Tennessee Williams’ Die Glasmenagerie verschlafen – meist, weil ermüdende Regisseure und selbstverliebte Darsteller unbedingt „eine Aussage treffen“ oder „etwas daraus machen“ wollten und dabei Williams’ selbsternanntem Erinnerungsstück sein lyrisches Potenzial, seine Universalität und seine innewohnende, von den Figuren getriebene Wucht genommen haben.

Ebenso gilt: Wenn New Yorker Kritiker fast geschlossen in höchste Töne ausbrechen, ist das oft – wenn auch nicht immer – ein Grund zur Sorge, oder, wenn nicht zur Sorge, dann zumindest zur Vorsicht. So war die Aussicht auf die aktuelle Broadway-Wiederaufnahme von Williams’ Meisterwerk am Booth Theatre zugleich von Unbehagen begleitet und verlockend.

Doch … beim Betreten des Booth setzte Bob Crowleys außergewöhnliches, wunderschön stimmungsvolles Bühnenbild sofort den Ton: ein Sog, dem man sich nicht entziehen kann. Das Zuhause der Hauptfiguren war in zwei Bereiche geteilt, die jeweils auf Wasser zu schweben schienen – sodass Reflexionen und Spiegelbilder ständig präsent waren und alles zusammenhielten. Zu sehen, was ist und was man zu sehen glaubt – und zugleich nicht zu sehen, was da ist.

Eine schwindelerregende Treppe aus außenliegenden Feuertreppen stieg himmelwärts; sie verortete das Geschehen unmissverständlich im urbanen Amerika (genauer: St. Louis) und spiegelte zugleich sowohl die Höhen, zu denen das Drama aufsteigen wird, als auch die Vorstellung, dass die Sammlung der Glasfiguren das Leben einer der zentralen Figuren wirksam überschattet.

In Verbindung mit Natasha Katz’ verblüffendem Licht, dem Sounddesign von Clive Goodwin und Nico Muhlys eindringlicher, geisterhafter und genau richtiger Musik ist Crowleys Vision für die Wingfield-Familie atemberaubend: gespenstisch, durchdrungen von Unzufriedenheit und Täuschung – und zugleich voller Möglichkeiten.

In diese präzise, magische Welt treten vier schlicht unglaubliche Darsteller – und binnen Minuten ist klar: Das ist eine der großartigsten Williams-Aufführungen, die man in diesem Jahrhundert vermutlich sehen wird; schwer vorstellbar, dass eine frühere Produktion es in Detailreichtum, Intensität, Fokus und Erfindungsgeist aufnehmen könnte. John Tiffanys leuchtende Durchdringung des Textes, seine erzählerische Klarheit und der elegante, staunenswerte Einsatz von Mitteln, Stil und klugen Effekten ergeben einen der unterhaltsamsten, wichtigsten und elektrisierend aufgeladenen Theaterabende, die man sich nur wünschen kann. Er ist ein meisterhafter Genie.

Und beim Casting ganz sicher auch kein Leichtgewicht.

Es gibt kaum Worte, die die Komplexität, die souveräne Verzweiflung, das hektisch brüchige Festhalten an der Realität, das gefährliche Abdriften in Vergangenheit oder eingebildeten Glanz, den Humor und den mutigen, würdelosen Schrecken angemessen beschreiben könnten, den die großartige Cherry Jones in die Rolle der Amanda einbringt – der Mutter zweier Geschwister, die auf unterschiedliche Weise von ihren wahnhaften Tiraden zermalmt werden. Alles, wirklich alles, was Jones tut, ist inspirierend, perfekt gesetzt und bis ins Detail durchdacht.

Ihr wilder Auftritt im alten, zerfetzten Cotillonkleid; ihre verzückten, aus den Fugen geratenen Erinnerungen an Narzissen; ihre listigen Versuche, den „Gentleman Caller“ dazu zu bringen, ihre Tochter betrunken zu machen; ihre erschütternde Erkenntnis der Hoffnungslosigkeit, als eben jener Besucher offenbart, dass er bald heiraten wird – in jeder Hinsicht punktgenau. Jones verkörpert die zentrale Säule von Tiffanys Ansatz: Ihre Amanda ist die erinnerte Version; sie ist nicht im Geringsten realistisch, sondern fantastisch, bizarr und überwältigend – genau so, wie Tom, der Erzähler, sie erinnern würde. Weil es ihm so passt. Und dennoch liegt in jeder Spiegelung dessen, was Jones tut, Wahrheit. Eine verblüffende Leistung.

Zachary Quinto ist als ihr Sohn Tom genau richtig: ein Mann, der aus der Enge der Familientragödie fliehen will und dies schließlich – egoistisch – auch tut, nur um zu entdecken, dass sein Leben für immer von dem Schrecken heimgesucht werden wird, den er seiner gehbehinderten Schwester Laura angetan hat. Er sorgt für viele Lacher und bleibt durchweg sympathisch, obwohl Tom schwer zu lieben ist. Seine Szenen mit Jones sind in jeder Hinsicht ein Genuss.

Und ungewöhnlicherweise – vielleicht sogar überraschend – deutet er nie an, Tom sei schwul, etwas, worauf viele neuere Produktionen beharrt haben. Doch so wie die jüngste Broadway-Wiederaufnahme von Cat on a Hot Tin Roof zeigte, dass ein schwuler Subplot nicht nötig ist, damit das Williams-Drama wirkungsvoll funktioniert, beweist Tiffany es auch hier. Quinto will einfach nur aus dem Haus – nicht aus dem Schrank. Und das ist auch richtig so.

Als die gehbehinderte Laura – das Mädchen, das in die Welt ihrer kleinen Glasfiguren flieht, weil Druck und Anforderungen der wirklichen Welt für ihr schlichtes, scheues Lebensverständnis zu groß sind – ist Celia Keenan-Bolger rundum triumphal. Sie ist wunderbar zerbrechlich, aber völlig glaubhaft und nicht auf Mitleid aus. Das Staunen in ihren Augen, wenn sie ihre glitzernde Tiersammlung betrachtet, ist hypnotisch; und sie vermittelt in ihrer herrlichen Szene mit dem Gentleman Caller die Möglichkeit einer Befreiung – besonders in dem Moment unmittelbar bevor das Glas-Einhorn zerbricht, wenn sie sich freigibt, um mit ihm zu tanzen. Die Verzückung und Hingabe in ihren Augen, in ihrem ganzen Körper, zu sehen, ist ein Wunder. Ihr Rückfall in verzweifeltes Klammern an die Mutter, sobald die Wahrheit ans Licht kommt, geht tief unter die Haut.

In vielleicht der schwierigsten Rolle ist Brian J Smith unerbittlich normal – und nutzt mit nadelstichgenauer Präzision jede Sekunde als Gentleman Caller auf erfrischend ehrliche, alltägliche Weise. Ja, er ist umwerfend; ja, er bricht Laura das Herz; aber er ist nicht boshaft oder absichtlich grausam – er ist schlicht gefangen in den Machenschaften von Mutter und Sohn.

Smith und Keenan-Bolger teilen sich die Szene des Abends; denn bei aller Perfektion, die Jones und Quinto in ihre Rollen einbringen, dreht sich Tiffanys Inszenierung um die Begegnung zwischen der schüchternen Laura und dem männlichen, begehrenswerten, in Aussicht stehenden Ehemann – und sie ist in jeder Hinsicht packend und tragisch. Zugleich ist es der einzige Teil des Stücks, der realistisch angelegt ist; der Kontrapunkt zu den exzessiveren, stilisierten Aspekten anderer Szenen wirkt elektrisierend und geradezu bemerkenswert.

Und wenn Jones ihre launische, mystische und fehlgeleitete Amanda in diese Szene bringt, ist die Wirkung überwältigend: Ihr Gesicht, ihre Augen, in dem Moment, wenn Smith seine Verlobte Betty erwähnt, gehören zu den stärksten und nachhallendsten Theaterbildern, die ich je erlebt habe.

Wer hätte gedacht, dass Tennessee Williams so modern, so frisch, so relevant, so tiefgründig, so verstörend, so magisch sein kann? John Tiffany.

Verkauft Gliedmaßen, Organe, Kinder, Gold – was auch immer – aber seht euch diese Inszenierung an, wenn ihr große dramatische Theaterkunst zu schätzen wisst. Es ist eine einmalige Neuimagination eines klassischen Stücks Theaterliteratur.