RESEÑA: Cats, London Palladium ✭✭✭

El reparto de Cats. Foto: Alessandro Pinna

London Palladium

27/10/15

3 estrellas

Comprar entradas «Es una experiencia más que un musical. Quienes ven el espectáculo por primera vez no acaban de definir qué es. Solo saben que lo han pasado de maravilla». – Cameron Mackintosh

Cats no estaba destinado a triunfar en 1981: Trevor Nunn era conocido por Shakespeare y no por los musicales; Cameron Mackintosh aún no había logrado un verdadero éxito en el West End; la obra teatral de T. S. Eliot lo había llevado por derroteros muy distintos; y Lloyd Webber proponía un musical prácticamente continuo, sin diálogos y con apenas un hilo argumental. Y, sin embargo, de un modo que desafía cualquier explicación completa, Cats no miró atrás. Con veintiún años consecutivos solo en los escenarios londinenses, esos ojos amarillos y guiñadores han brillado por todo el planeta como en esas fotos de las luces de las ciudades de la Tierra vistas desde un satélite en el espacio.

¿Cómo se ve hoy este fenómeno de los años 80? Ahora que la reposición de 2014 ha regresado al Palladium para una temporada más bien breve, tenemos otra oportunidad de emitir juicio. Hay algunos cambios de reparto, inevitablemente, pero en esencia es el mismo espectáculo que Stephen Collins reseñó hace casi un año. Muchos de los puntos que señaló entonces siguen vigentes, aunque en el intervalo ha habido cierto deterioro.

Beverley Knight como Grizabella en Cats. Foto: Alessandro Pinna

Lo primero que hay que decir es que el espectáculo encaja de forma natural en el Palladium. Aunque no se puede recrear el teatro en ronda de la producción original, sigue habiendo muchas maneras de que los gatos irrumpan entre el público y se ganen a la gente dentro y fuera de los pasillos. Las generosas líneas de visión de Frank Matcham en este precioso teatro histórico garantizan que todo el mundo vea bien y se sienta plenamente implicado en la acción. El célebre decorado de John Napier logra convertir la basura en brillo, de modo que apenas notas dónde termina el vertedero y dónde empiezan los palcos del primer anfiteatro. Así que, incluso antes de que arranque la función, y durante el intermedio (con Old Deuteronomy en escena para los peques), todos quedan integrados en una misma comunidad compartida.

La orquesta, de nuevo bajo la dirección de Graham Hurman, es un conjunto realmente impresionante, con un empaste muy ajustado y algunos solos virtuosos, especialmente de la sección de maderas, que además tiene que resolver muchos momentos plañideros y delicados que marcan el clima. La calidad de la banda aseguró una base de roca para los números coreografiados más elaborados. En el «Jellicle Ball» quieres que cada clímax supere al anterior, y gracias al pulso del director y los músicos, así fue. La única crítica —y es grave— es que durante toda la primera parte el sonido estuvo horriblemente sobreamplificado. Alguien hizo ajustes en el intermedio, pero para entonces el daño ya estaba hecho.

Esto importó más de lo que habría importado en otras circunstancias porque la primera parte —y, en realidad, el espectáculo en su conjunto— se ha alargado demasiado. Con una duración actual de dos horas y cincuenta minutos (con intermedio), hay pasajes en los que el material se prolonga más de la cuenta, especialmente en la secuencia introductoria y en la «Battle of the Pekes and Pollicles», ambos susceptibles de un buen recorte. La segunda parte resultó sensiblemente más afinada, con episodios más variados y autocontenidos, y con una música sencillamente más potente, menos dependiente de ese tema arpegiado descendente, repetido hasta la saciedad, que domina en otros momentos.

Con tan poco argumento más allá del anuncio de la futura aparición de Macavity y la historia de Grizabella, mucho depende de la fluidez de la puesta en escena y de la variedad y el deslumbramiento de los números de danza. Tanto Trevor Nunn como Gillian Lynne han revisitado su trabajo y, en líneas generales, todo se despliega tan bien como entonces. Vuelve a llamarme la atención lo clásicamente informado del baile y, por tanto, lo exigente que resulta para los intérpretes. No hay margen para la aproximación, y la compañía merece un gran reconocimiento por su bravura profesional en este apartado.

Sin embargo, sí tengo algunas reservas. Puede que In the Heights siga rondándome la cabeza, pero, francamente, la rutina de rap de Rum Tum Tugger parece bastante comedida en comparación con lo que hoy se consigue en otros lugares, y el texto sigue escuchándose solo a ratos. Además, después de muchos años alejado de este espectáculo, soy consciente de que, pese a que la danza y la dirección captan muchos aspectos del comportamiento felino, hay otras posibilidades —movimientos más suaves, más de paseo, más insinuantes— que aquí faltan. Sí, estamos en un vertedero, con felinos callejeros y no gatos de salón, pero aun así tengo la sensación de que solo se nos ofrece una parte del cuadro, aunque sea una parte muy intensa y tremendamente emocionante.

Las oportunidades de caracterización de los distintos gatos, y de evocación de recuerdos (frente a «Memory»), se aprovechan en su mayoría muy bien. Aquí los honores interpretativos recaen especialmente en Paul F Monaghan, que asume la responsabilidad de Bustopher Jones (aquí con un aire de Diaghilev en la pompa de sus «Ballets Russes»), Gus, el gato del teatro, y Growltiger. Son tres papeles muy contrastados, y Monaghan aporta pomposidad, dignidad, patetismo y una energía arrolladora según lo requiere cada uno. Estas escenas son auténticos puntos álgidos de la función, y fue un placer particular recuperar la deliciosa parodia de ópera italiana en «Growltiger’s Last Stand» en lugar de la «Ballad of Billy McCaw». Ojalá Lloyd Webber nos hubiera regalado algunos toques más de esta mordaz sátira musical a lo largo de los años…

Matt Krzan como Munkustrap en Cats. Foto: Alessandro Pinna

Adam Linstead mostró una presencia vocal impresionante como Old Deuteronomy, pero me pareció que podría haber interactuado más plenamente con el resto del reparto pese a las restricciones del «traje de yeti». Hubo un trabajo excelente de Matt Krzan, que, como Munkustrap, es en realidad el maestro de ceremonias no reconocido del conjunto. Los grandes momentos de baile de Mistoffelees y Skimbleshanks los resolvieron con desparpajo Mark John Richardson y Evan James, y el Macavity pelirrojo y punk (Javier Cid) estuvo a la altura (o a la baja) de su reputación como el «Napoleón del crimen». Hubo muchos cameos bien construidos y cantados en un reparto de funciones muy democrático.

La gran decepción fue la interpretación de Beverley Knight como Grizabella, otro caso más de elegir a una cantante para un papel que necesita estar muy bien actuado para funcionar. El movimiento de Knight por el escenario fue titubeante y poco comunicativo y —más sorprendente aún— hizo muy poco con «Memory» hasta que, por fin, se desató en la última reprise. Eso provocó, como era de esperar, un fuerte apoyo de un público ávido de emoción, pero llegó demasiado tarde para rescatar lo anterior. De forma desconcertante, en todo momento la superó vocalmente el apoyo de Jemima (Tarryn Gee), excelente de principio a fin.

Lo que hace que este espectáculo funcione, al final, es el baile y las caracterizaciones individuales, presentadas como una sucesión de escenas semióperisticas. Esos elementos siguen intactos y, mientras sea así, el show seguirá complaciendo. Jule Styne dijo una vez sobre Cats: «Podrías tirar todas las canciones excepto “Memory” y no cambiaría nada». ¿Demasiado duro? Quizá… pero tenía un punto. Lo que te llevas a casa es la coreografía y el carácter.

El público en la noche de prensa —con tantos adultos con la cara pintada como niños— lo disfrutó todo. Si buscas una noche de teatro fiable, con todo el repertorio de recursos del musical en plena exhibición, no saldrás decepcionado.

Cats estará en cartel hasta el 2 de enero de 2016 en el London Palladium. ¡Reserva ya!