CRÍTICA: Cats, London Palladium ✭✭✭

O elenco de Cats. Foto: Alessandro Pinna

London Palladium

27/10/15

3 estrelas

Comprar bilhetes ‘É uma experiência mais do que um musical. As pessoas que veem o espetáculo pela primeira vez não conseguem bem definir o que é. Só sabem que se divertiram imenso.’ - Cameron Mackintosh

Cats não era esperado que fosse um sucesso em 1981 – Trevor Nunn era conhecido por Shakespeare e não por musicais; Cameron Mackintosh ainda não tinha um verdadeiro êxito no West End; a obra teatral de T. S. Eliot levara-o por caminhos muito diferentes; e Lloyd Webber propunha um musical essencialmente inteiramente cantado, sem diálogos e com apenas um fio de enredo. Ainda assim, de um modo que continua a desafiar uma explicação completa, Cats nunca mais olhou para trás. Com vinte e um anos consecutivos só nos palcos de Londres, aqueles olhos amarelos a piscar iluminaram o mundo inteiro, como nas fotografias das luzes das cidades do planeta vistas por um satélite no espaço.

Como é que este fenómeno dos anos 80 se apresenta hoje? Agora que a reposição de 2014 regressou ao Palladium por uma temporada relativamente curta, temos outra oportunidade de fazer um juízo. Há, inevitavelmente, algumas alterações no elenco, mas, no essencial, é o mesmo espetáculo que foi criticado por Stephen Collins há quase um ano. Muitos dos pontos que ele fez então também se aplicam agora, embora tenha havido alguma deterioração entretanto.

Beverley Knight como Grizabella em Cats. Foto: Alessandro Pinna

O primeiro ponto a sublinhar é que o espetáculo assenta naturalmente no Palladium. Embora não seja possível recriar o teatro em arena da produção original, há ainda muitas formas de os gatos invadirem a plateia e se insinuarem pelos corredores, entre filas e pelos passadiços. As generosas linhas de visão de Frank Matcham neste belo teatro antigo garantem que toda a gente vê bem e se envolve totalmente na ação. O célebre cenário de John Napier consegue transformar lixo em brilho, de tal modo que quase não se percebe onde acaba a sucata e começam os camarotes do primeiro balcão. Assim, ainda antes de a ação começar — e durante o intervalo (com Old Deuteronomy em palco para as crianças) — todos são acolhidos numa única comunidade partilhada.

A orquestra, novamente sob a direção de Graham Hurman, é um conjunto impressionante, com um equilíbrio muito coeso e alguns solos virtuosos, sobretudo nos sopros, que também têm de lidar com muitos momentos pungentes e delicados de criação de atmosfera. A qualidade da banda assegurou uma base solidíssima para os números de conjunto de coreografia elaborada. No ‘Jellicle Ball’ queremos que cada ponto alto seja superado pelo seguinte — e, graças ao andamento imposto pelo maestro e pelos músicos, assim foi. A única crítica, e é séria, é que em toda a primeira parte o som esteve terrivelmente amplificado em excesso. Alguém fez ajustes no intervalo, mas, nessa altura, o estrago já estava feito.

Isto foi mais importante do que poderia ter sido porque a primeira parte — e, na verdade, o espetáculo no seu conjunto — tornou-se simplesmente demasiado longa. Com uma duração atual de duas horas e cinquenta minutos (com intervalo), há momentos em que o material se prolonga para lá do necessário, sobretudo na sequência introdutória e em ‘The Battle of the Pekes and Pollicles’, ambos passíveis de serem podados com vantagem. As coisas estavam visivelmente mais incisivas no segundo ato, onde os episódios são mais variados e autónomos e onde a música é simplesmente muito mais forte, com menos dependência daquele tema em arpejos descendentes, repetido até à exaustão, que domina noutros momentos.

Com pouco enredo para além do anúncio da futura aparição de Macavity e da história de Grizabella, quase tudo depende da fluidez da encenação e da variedade e fulgor das rotinas de dança. Tanto Trevor Nunn como Gillian Lynne voltaram a revisitar o seu trabalho e, em termos gerais, as coisas continuam a desenrolar-se tão bem como antes. Volto a ficar impressionado com o quanto a dança é informada por uma base clássica — e, por isso mesmo, tão exigente para os intérpretes. Não há margem para aproximações, e a companhia merece grande elogio pela bravura profissional neste capítulo.

No entanto, tenho algumas reservas. Pode ser que In the Heights ainda esteja a ecoar na minha imaginação, mas, francamente, o número de rap do Rum Tum Tugger parece bastante tímido em comparação com o que hoje se vê noutros sítios — e o texto continua a ser audível apenas em alguns momentos. Além disso, depois de muitos anos longe deste espetáculo, apercebo-me de que, apesar de tantos aspetos do comportamento felino captados na dança e na encenação, há outras possibilidades — movimentos mais suaves, lânguidos, insinuantes — que aqui fazem falta. Sim, estamos numa lixeira, com felinos mais selvagens do que domésticos, mas, ainda assim, sinto que só estamos a ver uma parte do quadro, embora uma parte intensa e muitíssimo excitante.

As oportunidades para caracterizar cada gato e evocar memórias (em oposição a ‘Memory’) são, na maioria, bem aproveitadas. Aqui, o destaque interpretativo vai sobretudo para Paul F Monaghan, que assume a responsabilidade por Bustopher Jones (aqui com um ar de Diaghilev no fausto dos seus ‘Ballets Russes’), Gus the Theatre Cat e Growltiger. São três papéis muito contrastantes e Monaghan traz a pompa, a dignidade, o pathos e uma energia arrebatadora a cada um, conforme necessário. Estas cenas são verdadeiros pontos altos do espetáculo, e foi um prazer particular ter de volta a deliciosa paródia de ópera italiana em ‘Growltiger’s Last Stand’, em vez da Ballad of Billy McCaw. Quem dera que Lloyd Webber nos tivesse dado, ao longo dos anos, mais uns toques desta sátira musical mordaz…..

Matt Krzan como Munkustrap em Cats. Foto: Alessandro Pinna

Adam Linstead teve uma presença vocal impressionante como Old Deuteronomy, mas achei que poderia ter interagido mais plenamente com o resto do elenco, apesar das limitações do ‘fato de yeti’. Houve trabalho excelente de Matt Krzan que, como Munkustrap, é verdadeiramente o impresário discreto de toda a ação. Os números de dança de Mistoffelees e Skimbleshanks foram ambos executados com grande elegância por Mark John Richardson e Evan James, e o Macavity ruivo-punk (Javier Cid) fez jus (para o bem e para o mal) à sua reputação de ‘Napoleão do Crime’. Houve muitos cameos bem construídos e bem cantados, num espetáculo em que a distribuição de papéis é bastante democrática.

A maior desilusão foi a prestação de Beverley Knight como Grizabella — mais um caso de se escalar uma cantora para um papel que precisa de ser muito bem representado para resultar. O movimento de Knight em palco foi hesitante e pouco comunicativo e — mais surpreendentemente — fez pouco de ‘Memory’, até finalmente se soltar no último reprise. Isso provocou, naturalmente, um forte apoio do público à procura de emoção, mas foi tarde demais para recuperar o que veio antes. De forma desconcertante, em todos os momentos foi mesmo superada vocalmente pela voz de apoio de Jemima (Tarryn Gee), que esteve excelente do princípio ao fim.

O que faz este espetáculo funcionar, em última análise, é a dança e as caracterizações individuais apresentadas como uma série de cenas semioperáticas. Esses elementos mantêm-se intactos e, enquanto assim for, o espetáculo continuará a agradar. Jule Styne disse uma vez sobre Cats: ‘Podia deitar fora todas as canções exceto ‘Memory’, e não faria diferença.’ Demasiado duro? Talvez... mas ele tinha alguma razão. É a coreografia e o caráter que levamos connosco para casa.

O público na noite de imprensa — com tantos adultos de cara pintada quanto crianças — adorou tudo. Se procura uma ida ao teatro fiável, com todo o repertório de técnica do teatro musical em plena mostra, não sairá desiludido.

Cats está em cena até 2 de janeiro de 2016 no London Palladium. Reserve já!