RESEÑA: Stevie, Teatro Hampstead ✭✭✭

Stevie

Hampstead Theatre

17 de marzo de 2015

3 estrellas

Hay dos cosas verdaderamente notables en Stevie, la obra de 1977 de Hugh Whitemore sobre la poeta Stevie Smith, que, tras su reposición la temporada pasada por el Chichester Festival Theatre, llega ahora a Londres con una temporada en el Hampstead Theatre. La producción, finamente calibrada, de Christopher Morahan aporta una tercera.

La primera es la alquimia con la que Whitemore entreteje poesía y prosa hasta formar un relato delicado, reflexivo y perspicaz. A menudo es imposible saber cuándo termina un fragmento de diálogo y cuándo empieza un verso suelto. En parte, es fruto de una dicción impecable. Pero, más allá de eso, es un modo eficaz de que el dramaturgo establezca el pequeño entorno doméstico de los suburbios de clase media en el que la poeta escribió su legado.

La obra trata tanto de la poeta como de la poesía. Al perfilar qué tipo de persona era Stevie y cómo vivía y escribía, Whitemore ofrece el contexto que ilumina esa escritura; y al utilizar parte de la propia poesía para lograrlo, el resultado permite comprender tanto el conjunto como el detalle, una perspectiva a la vez melancólica y reveladora. El tono llano con el que se recita la mayor parte de los poemas remata el efecto: lejos de ser una forma de arte arcaica, especializada y elitista, la poesía puede estar en cualquier sitio y ser para cualquiera.

La segunda cosa notable es el virtuosismo que exige el papel de Stevie. No es Hamlet ni Medea, pero es un papel enorme, lleno de monólogos, que pide muchísimo a su protagonista. Es una parte silenciosa e introspectiva: no hay asesinatos, violaciones, cegueras ni tramas de venganza. De hecho, casi no hay discusiones, ni un momento de furia incandescente que permita lucirse con un estallido de diva. No. Es un papel meditado, contemplativo, rebosante de los pequeños detalles de una vida corriente; de esas obras en las que el sobresalto del segundo acto consiste en elegir entre escuchar sobre un intento de suicidio fallido mucho después de que ocurriera o preguntarse qué sorpresa le deparará a la tía Lion si se come su ensalada de jamón. (¡Gana el flan!)

Lo asombroso de todo esto es lo rara que resulta hoy en día una escritura así. La dramaturgia contemporánea está obsesionada con los temas, las consecuencias fatales y las grandes ideas: mandan los argumentos cargados de trascendencia. Las obras “biográficas” en el siglo XXI tienden a ser poco domésticas, pero la gran fortaleza de la pieza de Whitemore es su domesticidad implacable, desde la cual una gran actriz puede desplegar sus recursos y la obra de una gran poeta puede ser redescubierta. De una delicada cotidianidad emerge la grandeza.

La producción de Morahan regala a Stevie una tercera maravilla: el diseño perfecto de Simon Higlett. Soberbio en todos los aspectos, desde un vestuario impecable hasta el carrito de bebidas, pasando por la sensación de los frondosos alrededores suburbanos de esa casa tan sesentera que Stevie comparte con su tía Lion ya mayor, el diseño sitúa la obra sin esfuerzo en el tiempo y el lugar adecuados, permitiendo e invitando tanto a la nostalgia como a la complicidad. Todo el mundo ha vivido en una casa así o ha conocido a alguien que vivía en una. Es cálida, acogedora, normal.

Y también es otra cosa. Es una representación poética de la casa, no una realista. No están todas las paredes necesarias; hace falta imaginación para crear la separación entre el pasillo y el salón. Pero no es la única licencia poética de la que se ha valido Higlett. A un lado del escenario, da la impresión de que las espadañas (cortadas hace tiempo y colocadas en un jarrón sobre el piano) han echado a volar, extendiéndose por la pared, fundiéndose con el exterior: al principio parecen un efecto de papel pintado, pero no lo es. Es una hermosa evocación de cómo lo ordinario alza el vuelo y lo invade todo. Funciona de manera espectacular como telón de fondo para esta historia de una poeta suburbana y corriente.

En el papel protagonista, Zoe Wanamaker está en un momento espléndido. Ligeramente encorvada, con los pies permanentemente en una postura incómoda, vestida con ropa sencilla, casi pasada de moda, se transforma en la pequeña poeta de aire aviar con una pericia consumada. Resulta totalmente creíble como una mujer fuera de lugar en el mundo pero perfectamente en casa dentro de los límites de su hogar. Hay algo siempre nostálgico en la Wanamaker de aquí, y eso a pesar de su adicción al tabaco, su manera de hablar punzante y ligeramente acerada y sus manías quisquillosas. No hay nada que no guste de su interpretación contenida y absolutamente entregada.

Wanamaker ofrece una clase magistral de ese arte perdido: el recital de poesía. Aborda el texto poético con fervor y pasión; incluso cuando suelta los versos como semillas arrojadas a las gallinas, hay una lucidez nítida detrás de la dicción. Capta todo el humor, así como la luminosa inteligencia que aporta cada línea, con los ojos brillando con una intensidad que solo garantiza la comprensión. Es un placer escucharla.

Lynda Baron está dulcísima como la tía Lion, la dura solterona que lleva la casa en la que vive Stevie y que le ofrece el amor significativo e incondicional que la sostiene durante sus años de soledad. Está maravillosamente gruñona con las autoridades fiscales y es propensa a soltar un “¡pamplinas!” mientras se ocupa de las tareas domésticas, prepara una tetera o se permite un rápido sorbo de jerez. Es una interpretación deliciosamente amplia pero profundamente cálida. Cuando la edad alcanza a la tía Lion, Baron muestra con mucha claridad su fragilidad y su incomodidad ante la dependencia; estas escenas entre Baron y Wanamaker duelen de verdad y tienen una tristeza leve. El momento del flan es para atesorarlo.

Los hombres no fueron mucho más que un elemento accesorio en la vida de Stevie, y algo de eso queda resumido en los tres personajes que interpreta Chris Larkin. Su trabajo como el hombre bobo que quiere casarse con ella tras un encuentro sexual tentativo pero probablemente bastante lamentable es especialmente bueno: resulta incómodamente embarazoso en la escena en la que quiere diseccionar la experiencia. Menos logrado está su amigo/chófer, exageradamente amanerado, que parece inspirado en Maggie Smith en modo “perlas agarradas”, pero eso tiene más que ver con la propia escena, que podría eliminarse de la obra sin una pérdida significativa.

Pero el mejor momento de Larkin llega cuando recita Drowning, Not Waving de Smith, posiblemente su poema más famoso. Es un instante precioso en una obra discretamente cautivadora y de una delicadeza envolvente.