CRÍTICA: Stevie, Teatro de Hampstead ✭✭✭

Stevie

Hampstead Theatre

17 de março de 2015

3 estrelas

Há duas coisas bastante notáveis em Stevie, a peça de 1977 de Hugh Whitemore sobre a poeta Stevie Smith, que, retomada na temporada passada pelo Chichester Festival Theatre, está agora em cena em Londres, no Hampstead Theatre. A produção de Christopher Morahan, de uma precisão belíssima, oferece uma terceira.

A primeira é a alquimia com que Whitemore entrelaça poesia e prosa para formar uma narrativa suave, reflexiva e perspicaz. Muitas vezes é impossível perceber onde termina um trecho de diálogo e começa um excerto de poesia. Em parte, isso deve-se a uma interpretação irrepreensível. Mas, mais do que isso, é uma forma eficaz de o dramaturgo estabelecer o pequeno ambiente doméstico dos subúrbios de classe média onde a poeta construiu o seu legado.

A peça debruça-se tanto sobre a poeta como sobre a poesia. Ao mostrar que tipo de pessoa Stevie era e como vivia, escrevia e trabalhava, Whitemore dá o contexto que ilumina essa escrita; ao usar alguns dos próprios poemas para esse fim, o efeito permite compreender tanto o panorama geral como os detalhes, uma perspectiva ao mesmo tempo nostálgica e reveladora. O tom desapaixonado com que grande parte da poesia é dita completa o efeito: longe de ser uma forma de arte arcaica, para especialistas e elitista, a poesia é possível em todo o lado e para toda a gente.

A segunda coisa notável é a natureza de bravura do papel de Stevie. Não é Hamlet nem Medeia, mas é um papel enorme, cheio de monólogos e que exige muito da protagonista. É uma personagem silenciosa e introspectiva: não há homicídios, violações, cegueiras, enredos de vingança. Na verdade, mal há uma discussão, nenhum momento para se soltar uma fúria incandescente numa demonstração de talento de diva. Não. É um papel pensado, contemplativo, repleto das minudências de uma vida comum; o tipo de peça em que o “choque” do Ato II é escolher entre ouvir falar de um suicídio falhado muito tempo depois de ter acontecido ou perguntar que surpresa a Tia Lion terá se comer a sua salada de fiambre. (Ganha o junket!)

O notável em tudo isto é o quão rara é hoje uma escrita assim. A dramaturgia contemporânea está obcecada com temas, consequências fatais e grandes ideias: assuntos carregados de impacto são a ordem do dia. As peças “biográficas” tendem a não ser muito domésticas no século XXI, mas a grande força da peça de Whitemore é a sua domesticidade implacável, a partir da qual uma grande atriz pode libertar as suas capacidades e o trabalho de uma grande poeta pode ser redescoberto. Da gentil normalidade, revela-se a grandeza.

A produção de Morahan oferece a Stevie uma terceira coisa notável: o design perfeito de Simon Higlett. Soberbo em todos os aspetos — dos figurinos certeiros ao carrinho de bebidas, passando pela sensação dos subúrbios arborizados em torno da casa tão anos 60 que Stevie partilha com a sua Tia Lion, já envelhecida —, o cenário enraíza sem esforço a peça no tempo e no lugar certos, permitindo e convidando tanto a nostalgia como a cumplicidade. Toda a gente já viveu numa casa assim, ou conhece alguém que viveu. É acolhedora, simpática, normal.

Mas é também outra coisa. É uma representação poética da casa, não realista. Nem todas as paredes necessárias estão lá; é preciso imaginação para criar a separação entre o corredor e a sala. Porém, essa não é a única licença poética a que Higlett recorreu. Num dos lados do palco, há a sensação de que os caniços (colhidos há muito e pousados num vaso em cima do piano) ganharam vida, espalhando-se pela parede, fundindo-se com o exterior — à primeira vista parecem um efeito de papel de parede, mas não é isso. É uma belíssima evocação do comum a levantar voo e a tornar-se absorvente. Funciona de forma espetacular como elemento de fundo para esta história de uma poeta suburbana e comum.

No papel-título, Zoe Wanamaker está em grande forma. Ligeiramente curvada, com os pés permanentemente num modo de postura desajeitada, vestindo roupa simples, no limite do desmoderno, transforma-se na pequena poeta, quase avesca, com uma mestria absoluta. É totalmente credível como uma mulher deslocada no mundo, mas completamente em casa dentro dos limites do seu lar. Há em Wanamaker uma melancolia permanente, e isso apesar do vício do cigarro, da fala espinhosa e ligeiramente ácida e das suas idiossincrasias meticulosas. Não há nada que não se goste na sua interpretação comedida e totalmente envolvida.

Wanamaker dá uma aula magistral dessa arte perdida — a recitação de poesia. Ataca o texto poético com fervor e paixão; mesmo quando atira os versos como sementes às galinhas, há uma nitidez evidente por trás da entrega. Capta todo o humor, bem como a lucidez luminosa que cada linha de verso oferece, com os olhos a brilhar com uma intensidade que só a compreensão pode garantir. É um prazer ouvi-la.

Lynda Baron é deliciosamente doce como Tia Lion, a solteirona dura e velha que manda na casa onde Stevie vive e que lhe dá o amor significativo e inquestionável que a sustém ao longo dos seus anos solitários. É maravilhosamente rabugenta com as Finanças e tem tendência para disparar “que disparate” enquanto trata das tarefas domésticas, faz um bule de chá ou arrisca um gole rápido de xerez. É uma interpretação deliciosamente ampla, mas profundamente calorosa. Quando a idade apanha a Tia Lion, Baron mostra com muita clareza a sua fragilidade e o desconforto de se tornar dependente; estas cenas entre Baron e Wanamaker doem de verdade e de uma tristeza leve. O momento com o junket é para guardar.

Os homens foram pouco mais do que um acessório na vida de Stevie, e algo disso fica resumido nas três personagens interpretadas por Chris Larkin. A sua prestação como o homem pateta que quer casar com ela depois de um encontro sexual hesitante mas provavelmente medíocre é especialmente boa: é dolorosamente constrangedor na cena em que quer dissecar a experiência. Menos conseguido é o seu amigo/motorista, num camp afetado, que parece modelado na Maggie Smith em modo “pérolas apertadas”, mas isso tem mais a ver com a própria cena, que poderia ser cortada da peça sem grande perda.

Mas o melhor momento de Larkin chega quando recita Drowning, Not Waving, de Smith, possivelmente o seu poema mais famoso. É um instante belo numa peça discretamente envolvente e de grande delicadeza.